http://www.mcfv.eu/wp-content/uploads/2016/12/Dossier-Fils-du-Dragon-Enfants-de-la-Lune-1-1.pdf

• Comédiens / Musicien
  Marie Ann Trân
  Boun Sy Luangphinith
  Singhkéo Panya
• Création graphique / Images animées en direct
  Nadia Nakhlé
• Scénographie / Costumes
  Laurence Ayi
• Création lumière
  Olivier Nacfer
• Bande son
  Philippe Hunsinger
• Conception
  Anne Barlind Une coproduction Thalia Théâtre et Compagnie Paris Concert

Note d’intention de Marie Ann Trân 

Fils du dragon, enfants de la lune, est une création mêlant théâtre, musique des mondes, arts numériques et graphiques. J’ai souhaité mettre en forme la quête sur les origines de ma famille, native du Vietnam du Sud et son parcours d’exil en Val-de-Marne. Le texte, écrit à partir de témoignages et de faits réels, entremêle le passé et le présent, la fiction et la vérité. La création d’images d’animation en direct et l’interaction entre personnages incarnés et virtuels réinventent un univers mental et fantasmagorique, oscillant entre le rêve et la réalité. Dans cette “en-quête”, à la fois questionnement collectif et recherche introspective, se dessine en filigrane une part encore enfouie de la mémoire collective : celle de la colonisation française en Indochine.

C’est un véritable poème vivant musical que cette invitation au voyage dans les méandres de la mémoire collective et intimiste, proposée par Marie-Ann Trân et Cédric BONFILS.

Le collectif et l’intime ne sont-ils pas étroitement liés. Ce sont une infinité de petites vagues qui forment la mer. Une vague en entraîne une autre et ainsi de suite… Celle qui a poussé la famille de Marie Ann Trân à quitter le Vietnam en 1959, l’a transportée en France avec seulement deux valises remplies de quelques reliques.

Les parents de Marie Ann Trân ne lui ont pas raconté leur histoire. Les blessures de l’exil, ils les gardaient pour eux, ils ne pouvaient pas les évoquer, ils ne voulaient sûrement pas les transmettre à leurs enfants.

Marie Ann et son frère François, nés en France ont vécu ces non-dits dans la solitude et dans l’angoisse. François s’est mis à délirer, développant une maladie mentale. Sous la façade du tout aller bien, il y avait donc quelque chose qui cloche qui venait d’ailleurs.

Cet ailleurs, il est enfoui dans toute âme, il est confus, composite, il peut rassembler des souvenirs aussi bien heureux que malheureux, il peut être très lourd comme ce drame de l’exil qui empêchait les parents de Marie Ann de parler.

Marie Ann s’est dit que la petite vague pouvait se mettre à causer, à chanter, à faire de la musique, l’entraîner autrement dans ce tourbillon de mémoire confus pour atteindre ses proches, ses amis doucement, sans les bousculer et réunir leurs émotions.

Des personnes dont les parents étaient étiquetés indigènes, au vingtième siècle par les colons, côtoient aujourd’hui des Français dont beaucoup ont oublié l’histoire de la colonisation.

Cette histoire nous concerne tous que nous soyons français de souche ou français naturalisés. Marie Ann élargit même son propos en s’adressant à tous les migrants, tous les exilés souvent malgré eux.

La salle était comble au Centre Culturel ARAGON TRIOLET d’Orly pour assister au spectacle. Marie-Ann Trân est vietnamienne d’origine mais elle est aussi française de cœur. Elle chante des tubes de Tino Rossi avec une fraicheur désarmante.

La metteure en scène Anne BARLIND avec beaucoup de doigté soulève quelques trames de cette mémoire collective et intimiste en laissant miroiter, flotter quelques images issues d’archives, quelques motifs vietnamiens du dragon, sur des grand panneaux de paravents dont on imagine le tissu aussi léger et souple que des ailes de papillons.

Le compositeur et musicien Singhkéo PANYA est excellent et le comédien Boun SY LUANGPHINITH apporte sa note de fantaisie et de gaîté.

Marie Ann Trân, telle une fileuse de conte, déroule avec grâce sa petite pelote d’histoire qui trouve la force de rejoindre bien d’autres histoires, les vôtres, les nôtres, réussissant à faire vibrer leurs nombreux fils, sans pathos, avec pudeur, avec cœur !

Nous disons bravo à toute l’équipe de ce spectacle véritablement tendre et heureux !

Paris, le 15 Janvier 2017                          Evelyne Trân

comédie philosophie et burlesque de Hristo Boytchev
traduit du bulgare par Iana-Marie Dontcheva (Editions l’Espace d’un instant)

mise en scène Philippe Lanton / Cie Le Cartel
scénographie et lumière Yves Collet, 
collaboration lumière Christelle Toussine, construction du décor Franck Lagaroje
assistante mise en scène Emilie Prévosteau, son Thomas Carpentier, costumes Raffaëlle Bloch, conseiller illusion Nicolas Hédouin

avec Bernard Bloch, Olivier Cruveiller, Philippe Dormoy, Christian Pageault, Evelyne Pelletier

Les voilà au banc de la société, quatre paumés, nous dit-on, garés dans une gare désaffectée, qui n’ont pour seule distraction que les passages d’un train qui ne s’arrête jamais. La pause pourrait paraître insignifiante, après tout les arbres aussi regardent les trains qui passent mais il s’agit d’humains tout de même, d’êtres toujours allumés d’espoir, de désirs, de rêves… Cette énergie-là qui la leur enlèverait ? Quoi, vous nous n’auriez plus le droit de dire que vous existez parce que vous ne faites plus partie de la société, que vous avez largué les amarres ou que vous avez été éjectés ?

La considération est douloureuse pour l’auteur Bulgare d’Orchestre Titanic, H. BOYTCHEV, qui sonde le phénomène du flux migratoire, à travers l’histoire de quatre individus, dans la misère, assaillis par la grande illusion celle d’un autre monde plus bienveillant qui s’appellerait l’Europe.

Il s’agit d’une réponse métaphorique, philosophique à une angoisse existentielle tétanisante, celle de s’éprouver de l’autre côté du mur, celui des réprouvés, des bannis, des pauvres, des abandonnés.

L’impression est désastreuse, c’est une claque ! Imaginez-vous dans la peau de ces quatre auto-stoppeurs avec leurs valises sur le bord de l’autoroute, dans le froid, qui attendent en vain qu’un automobiliste s’arrête ! Combien de temps devront-ils attendre ? Et vous qui êtes passé devant eux sans vous arrêter et repassez sur le chemin, pourrez-vous constater avec soulagement qu’ils ont disparu ?

Magique le temps ! Tout passe même une vision terrifiante. Les quatre énergumènes qui plongent dans la grande illusion, ont tout de même un avantage sur ceux qui se plaignent de ne jamais s’arrêter, celle de faire la pause, d’ouvrir un autre clignotant temporel, celui du rêve.

Les quatre zigotos, un ancien cheminot, un chef sans orchestre, sa copine, et un ex-montreur d’ours, n’ont pas d’autre choix que d’imaginer que le train va stationner, parce qu’il ne cesse de donner des signes de vie en déversant des déchets, des bouteilles vides. Un jour, c’est un homme qui passe par la fenêtre du train. Il est inconnu et focalise bien des fantasmes, tel un être imaginaire, un magicien, une sorte de gourou fantasque qui va distraire les quatre personnages en devenant le support de leurs rêves.

La vie serait-elle une illusion ? Nombre de philosophes se sont penchés sur la question. Illusion fatale, nous dit l’auteur. Mais le chant du cygne de Doko, le montreur d’ours, qui se retrouve tout seul, est empreint d’une telle humanité qu’il est possible de croire qu’il n’a pas rêvé, qu’il était bien là avec les autres, que leur rêve était collectif.

La mise en scène dépouillée de Philippe LANTON laisse libre cours à l’imagination du public, c’est aux personnages d’instruire l’illusion puisque chacun porte déjà son histoire sur le visage. Le corps est mis en avant, sa chair, vulnérable, comique, ubuesque. Ce ne sont pas que des quilles ou que des bouteilles vides mais des gens qui ont vécu, qui ont aimé, joui, souffert et qui résistent malgré tout.

Les interprètes ont vraiment l’étoffe de leurs personnages, et l’illusion théâtrale fonctionne tendrement, sûrement, elle nous émeut parce qu’elle nous gratifie aussi d’un sentiment d’enfance, de merveilleux ; comme dans la petite marchande d’allumettes d’Andersen, elle nous fait craquer.

Paris, le 8 Janvier 2017                     Évelyne Trân

EN TOURNEE :

SN 61, Scène nationale d’Alençon › 11 – janvier 17’ – Les Animals, ›1 2- janvier 17’ – La bonne éducation, La Filature, Scène natonale de Mulhouse › 25 – 27 janvier 17’ – Les Animals, Comédie de l’Est, CDN de Colmar-Alsace › 02 – 03 février 17’ – Les Animals, Théâtre de la Renaissance, Oullins › 10 – 12 février 17’ – Les Animals, Le Varia, Bruxelles, › 16 – 20 février 17’ – Les Animals, Théâtre du Ducourneau, Agen › 21 – 22 mars 17’ – La bonne éducation, ACB, Scène nationale de Bar-Le-Duc › 31 mars 17’ – Intégrale, Grand Théâtre du Luxembourg, Luxembourg ville › 05 – 06 mai 17’ – La bonne éducation,

Assistant à la mise en scène : Régis Laroche / Musique : Jonathan Pontier / Dramaturgie : Olivier Chapuis / Scénographie : Laurence Villerot / Création lumière : Ivan Mathis / Costumes : Pauline Pô / Collaboration chorégraphique : Karine Ponties / Collaboration vocale : Géraldine Keller / Construction décors : Ateliers du NEST

Avec : Guillaume Fafiotte, Nathalie Lacroix, Philippe Lardaud, Régis Laroche, David Maisse, Isabelle Ronayette

Production : NEST – centre dramatique national de Thionville-Lorraine / Coproduction : Les Théâtres de la Ville de Luxembourg.

La bourgeoisie que décrit Labiche à travers le miroir grossissant et grotesque qu’il affectionne dans la plupart de ses pièces destinées à la distraire, peut paraître bien éloignée de notre perception de la société d’aujourd’hui. Les Français de souche et fiers de l’être n’auront pourtant guère de difficultés en visionnant les photographies de leurs trisaïeuls, à frissonner en songeant qu’ils sont bien ou malgré eux, descendants de cette douce France.

Il fallait un sacré génie voire une fieffée insolence de la part de Labiche pour faire gober au public bourgeois, sous le couvert de la farce, sa propre caricature.

Cet art mineur de la caricature a d’ailleurs vu son essor au milieu du 19ème siècle, avec des caricaturistes célèbres tels que Daumier, Forain, Cham puis plus tard Sem. Mais passons, souvenons nous simplement que tandis que les bourgeoises tenaient salon, cintrées dans leurs corsets et s’occupaient de l’éducation des enfants, épaulées par des domestiques, leurs dignes époux travaillaient à l’essor économique de la France, s’encanaillant juste pour souffler dans des cabarets ou dans des maisons closes.

L’éducation des enfants était particulièrement rigide, la sexualité absolument tabou, de sorte que les jeunes filles passaient des mains des parents à celle du mari dans une ignorance crasse de leur constitution sexuelle.

Pour faire exploser les corsets de ces bons bourgeois au théâtre Labiche a usé de la recette la plus avantageuse depuis Molière ou la commedia dell‘arte , la farce.

La fille bien gardée et Maman Sabouleux, les deux vaudevilles en un acte que nous présentent Jean BOILLOT et son équipe, pourraient figurer dans un procès verbal d’huissier averti dont l’état des lieux est destiné à consigner tout ce qui cloche et met en danger la bonne société.

Pour que la démonstration soit efficace, il convient bien entendu de renverser les belles valeurs de cette société, en allant fouiner du côté des coulisses, des domestiques, sous les jupons et ne pas se contenter des apparences, nous dit Labiche, puisque derrière c’est un monde de malices, de méchancetés, qui s’y love et – on ne sait jamais, chers bourgeois – pourrait vous sauter au visage si vous n’y prenez garde.

Dans La fille bien gardée, une baronne croit bien faire en laissant la garde de sa fille adorée à des domestiques dont la rouerie ne peut dépasser les bornes de sa naïveté. Pauvre enfant, livrée à ses caprices d’enfant gâtée que les domestiques, uniquement préoccupés de leurs plaisirs, abandonnent à des carabiniers sans scrupules qui jouent avec l’enfant comme s’il s’agissait d’un objet de distraction, hélas probablement sexuel.

Dans Maman SABOULEUX, les parents très riches, ont déposé leur fille à la naissance chez une nourrice, comme un paquet, sans s’inquiéter de la qualité de ladite nourrice qui se trouve être un homme qui va utiliser l’enfant comme servante.

Dans les deux pièces, nous voyons comment une pauvre gosse tombe dans les griffes de monstres, par la faute de la crédulité de ses parents aveugles.

Ah, tous ces dangers qui menacent nos chers chérubins ! Quels parents soucieux de l’avenir de leur progéniture n’ont pas de sueurs froides en songeant que la télévision et internet, les nouveaux domestiques, pourraient corrompre avant l’heure, leur saine innocence !

Dans la mise en scène fort ingénieuse de Jean BOILLOT, un beau travail de toute l’équipe, notamment de la costumière Pauline Pô, et de la scénographe Laurence VILLEROT, nous passons étonnamment d’une pièce à l’autre, sans beaucoup de changement de décor, seuls les grands rideaux imposants du salon urbain de la Baronne tombent pour laisser place à un paysage rural plus fleuri. Il ne s’agit pas de s’accrocher à la réalité coûte que coûte mais à son apparence, son interprétation. Il y a beaucoup de zapping de la part des personnages de Labiche, qui ne voient que ce qu’ils ont vraiment envie de voir. Qu’un détail incongru comme une descente de lit ou une énorme mascotte à tête de chèvre puisse encombrer l’espace, ils ne le verront pas s’il ne fait pas partie de leurs préoccupations immédiates. Cette science du zapping suinte dans la langue de Labiche qui réclame une belle dextérité aux interprètes, tous excellents. Avec une aisance fabuleuse Philippe LARDAUD qui interprète avec une sobriété confondante la Baronne, devient une irrésistible Maman SABOULEUX, David MAISSE campe le chasseur tel un effronté Sganarelle, Nathalie LACROIX passe du registre de la drôlesse, femme de chambre mal fagotée à celui de la snob Madame Claquepont. Régis LAROCHE incarne le ridicule Claquepont à breloques, Guillaume FAFIOTTE le carabinier et le voisin de Maman SABOULEUX. Enfin, Isabelle RONAYETTE incarne le rôle de la petite fille délurée et victime dont l’allure rappelle une certaine Zazie de Raymond Queneau.

La vérité, c’est que tout ce monde là ne cesse de s’agiter comme dans une marmite dont l’ébullition atteint son comble quand les protagonistes n’en pouvant plus se mettent à glousser comme des oies !

Nous n’avons pas eu le temps de penser. Nous nous sommes égarés dans les couloirs d’un cauchemar surréaliste de Labiche, impossible, grotesque. Ces drôles de personnages sont-ils des fantômes qui hanteraient, à notre insu, quelques tissus de notre mémoire collective, pour continuer à se moquer de nous mêmes. Partition fantôme, fantasmatique (jolie composition de Jonathan PONTIER) qui s’échappe bizarrement du piano qui se met à jouer tout seul.

La boîte à musique de Labiche a des accents grinçants, des ressorts ribouldingues, quelques gros fils bien sûr, mais si bien huilés que nous serions tentés de n’y voir que du feu pour rire.

« Qui veut faire l’ange fait la bête » disait Pascal . Ni anges ni bêtes, mais alors qui sommes nous ? Peut-être bien des monstres répond Labiche !

Paris, le 8 Janvier 2017                       Evelyne Trân

Auteur : Cesare Capitani
d’après le roman de Dominique Fernandez La Course à l’abîme (Grasset)
Mise en scène : Stanislas Grassian
Direction d’acteurs   N I TA  K LE I N

DISTRIBUTION :

CESARE CAPITANI

AVEC E N ALTE R N A N C E

LAETITIA FAVART   ou  MANON LEROY

LUMIÈRES : DOROTHÉE LEBRUN

Est-il raisonnable de donner la parole à un peintre quand le rayonnement de ses œuvres dépasse l’entendement du commun mortel ? Aussi romanesque  tumultueuse et sulfureuse qu’ait pu être la vie de Caravage, cette fameuse distance que travaille l’artiste en qualité de voyeur face à sa toile lui confère une perspective qui donne le tournis à notre aveuglement.

 Faut-il voir en Caravage le porte flambeau d’un inconscient collectif  ravageur, sous la tutelle du clergé et de l’inquisition ? Quoiqu’il puisse nous inspirer, comment ne pas rester dominés par l’idée que Caravage fut élevé au rang de maître par le pouvoir en place et que la légende du peintre forban et assassin servait certainement ses intérêts.

 Entre mysticisme et mystification, se cale la lueur de l’authenticité, celle-là même qui éclaire ou obombre le regard de l’infini voyageur de portraits.

 Nous pourrions nous acheminer  comme dans un rêve sous la veilleuse d’une flamme dévorant une toile de CARAVAGE. C’est ce que semble signifier la mise en scène du spectacle, d’une sobriété proche du dénuement. La clarté quant à elle surgit de la jolie voix de Laetitia Favart et de celle de Cesare Capitani ,  l’interprète de CARAVAGE, fabulateur de sa propre vie dont les mécomptes s’ils ne sont pas un passeport pour l’au-delà, en font un personnage presque truculent, bon vivant, très éloigné de ces peintres planqués dans leur intériorité invisible, donc une espèce de voyou, un peintre slameur avant l’heure qui fréquente les bouges, prend pour modèles des mendiants et des prostituées afin de redonner de la couleur aux vierges et aux anges.

 Caravage, sous la plume de Cesare Capitani, est  doué d’une bavardise à bon escient, capable de guider le spectateur même inculte dans la pénombre d’une église pour prouver que c’est bien un homme en chair et en os qui a réalisé des toiles destinées à impressionner les âmes des pêcheurs.

 C’est le message que nous retiendrons de ce spectacle, porte ouverte sur l’inconscient d’une œuvre qui crépite de vie sous le manchon du clair-obscur, une palabre bienvenue aux confins de nos mirages.

  Paris, le 11 Janvier 2012

 Mise à jour, le 4 Janvier 2016                   Evelyne Trân

M I S E  E N  S C È N E   H E N R I D E VASSELOT
AVEC
ANTONINE BACQUET (MARGOT, E N ALTERNANCE)
AGATHE TREBUCQ (MARGOT, E N ALTERNANCE)
FLORENCE ALAYRAC ( C A M I L LE , E N ALTERNANCE)
MARIA MIRANTE ( C A M I L LE , E N ALTERNANCE)
MARTIN JEUDY (DUVE R N I É , E N ALTERNANCE)
MARC VALÉRO (DUVE R N I É , E N ALTERNANCE)
ALEXANDER SWAN (DUVE R N I É , E N ALTERNANCE)
MARC SOLLOGOUB ( L AURIANNE, EN ALTERNANCE)
HENRI DE VASSELOT ( L AURIANNE, EN ALTERNANCE)

Sexe, amour et volupté au temps des goguettes, au début du vingtième siècle, avec un portrait de femme, Margot, qui a du faire bondir bien des féministes. Margot, la cruche que s’échangent deux amis, l’un obscur employé qui rêve d’obtenir une décoration, l’autre un peintre mûr, se révèle sous son vernis craquelant, extrêmement touchante.

Courteline dispose d’un flair psychologique bien acéré, il montre que ce n’est pas la volonté ni les velléités de chacun des personnages qui mènent la ronde. Nécessité fait loi, de sorte qu’après le mirage de quelques pirouettes à l’intérieur du filet social, après quelques roucoulades des deux coqs dans leur poulailler, la poule, ayant compris qu’elle n’était qu’une cruche à leurs yeux, choisit celui qui ne peut plus lui conter fleurette et qui pour continuer à jouer l’homme, ne pas voir ses belles plumes faner, n’a pas d’autre choix que d’épouser Margot.

Il y a beaucoup de mélancolie dans le personnage de Margot qui ne croit pas vraiment à ses charmes, qui n’agit pas par calcul mais qui a de la douceur à revendre. Elle est une proie facile pour ces mâles pour qui Margot n’existe que comme faire valoir de leurs désirs, l’un la prendra pour modèle, l’autre pour femme, mais Courteline qu’on ne peut qualifier de féministe, creuse davantage le mystère de Margot, dont les battements d’ailes quelque peu désespérés, comme un oiseau prisonnier au fond d’une cruche, nous touchent profondément.

Véritable divertissement pourtant que cette courte pièce, la dernière de Courteline, ponctuée d’intermèdes chantés à quatre voix. Il y flotte dans l’air toutes sortes de parfums, ceux-là mêmes invoqués par Baudelaire :

II est des parfums frais comme des chairs d’enfants,
Doux comme les hautbois, verts comme les prairies,
– Et d’autres, corrompus, riches et triomphants,

qui grisent l’atmosphère où les scènes de ménage très drôles trouvent allègrement leur exutoire.

Ce cliché des mœurs, à l’avènement du vingtième siècle ou la Belle Epoque, a l’impertinence de réveiller nos instincts les plus primaires, car nous n’avons pas fini de jouer à l’homme ou à la femme dans notre société et la belle Margot qu’elle soit chantée par Brassens ou par Courteline a encore bien du chemin à faire.

Voilà un très joli spectacle, excellemment interprété, poivré et chantant dont la mise en scène prête le flanc aux humeurs buissonnières et gourmandes, où le vulgaire et le délicat s’accrochent irrésistiblement au palais, la plume si bien troussée de Courteline.

Paris, le 31 Décembre 2016                  Évelyne Trân

Avec : Cédric Colas, Stéphane Fiévet, Frédérique Lazarini, Marc Schapira

Bruno Andrieux (Assistant(e) à la mise en scène) , Dominique Bourde (Création costumes) , François Cabanat (Décors)

Vàclav HAVEL est à la fois connu  comme homme politique – il devint Président de la République tchèque et slovaque lors de la révolution de velours en 1989, puis de la nouvelle République tchèque indépendante, après de longues années de lutte contre le régime communiste, sous la tutelle de  l’U.R.S.S. – et comme dramaturge.

 Les pièces que met en scène Anne-Marie LAZARINI donnent le ton de l’ambiance délétère qui régnait en Tchécoslovaquie lorsque  Vàclav HAVEL écrivain,  homme de théâtre, réputé dissident au régime, travaillait comme manœuvre dans une brasserie en 1974.

 Ces pièces ont l’intérêt  majeur  de donner la parole à ceux-là mêmes qui jouaient le jeu avec le régime autoritaire, au quotidien. Quant au héros, l’écrivain devenu ouvrier qui se retrouve dans la situation de la  brebis galeuse, du dissident, c’est le double de Vàclav HAVEL lui-même.

 Le rapport de force qui s’instaure entre le dissident et les autres personnages est particulièrement, inquiétant,  oppressant. Réduit la plupart du temps au silence, le héros n’éprouve pas un malin plaisir à voir ses interlocuteurs – dans « Audience », le patron de la brasserie, et dans  « Vernissage » un couple de bourgeois, ridicules –  s’enfoncer  dans leurs propres délires. Le délire du patron, c’est de croire pouvoir obliger son employé à se dénoncer lui-même, celui du couple pédant, de séduire leur ami avec tout son faste de vanités.

 S’il y a délire, c’est qu’il y a fièvre, c’est que la société est malade. Constat pessimiste qui renforce la volonté de résistance du dissident  qui tout en gardant son sang-froid,  prend acte de la vaine agitation de ses concitoyens, et prête l’oreille à leurs états d’âme. Quand le théâtre sert la politique ou inversement !  Est-il possible de renverser la vapeur, d’imaginer que l’énergie de ces citoyens, leurs aspirations au bien-être,  rejoignent la voie de la lutte pour la liberté plutôt que celle de la résignation. En un sens, les personnages que met en scène Vàclav HAVEL, ne vivent pas, ils survivent, ils font semblant de vivre. Il faut les entendre hurler leur mal de vivre : le patron alcoolique, enragé contre l’intellectuel, qui finit par lâcher : « Je suis le con qui prend des coups de pieds au cul pour défendre vos principes. Personne n’a peur de moi. Je n’intéresse personne. Qu’est-ce que la vie me donne à moi ! », Le bourgeois qui susurre à l’oreille de son ami mal à l’aise « De nos jours, c’est chacun pour soi, tu le sais bien » et sa bourgeoise qui pique  une crise de nerfs pathétique parce qu’elle a compris que l’étalage de son bonheur artificiel faisait fuir l’ami.

 Grâce à la mise en scène astucieuse et percutante d’Anne-Marie LAZARINI, les spectateurs se trouvent de plain-pied avec les protagonistes, dans la première pièce « Audience » face au bureau piteux de la brasserie et dans la 2ème « Vernissage » dans l’appartement où ils sont invités à se déplacer.  

 Les interprètes sont excellents notamment Stéphane FIEVET qui incarne de façon saisissante ce patron haut en couleur et pitoyable que doit affronter le pauvre dissident.

 Vraiment un bon moment de théâtre cinglant, avec des personnages si vivants, par leur crudité insolente, leur humanité tapageuse qu’ils ne peuvent qu’éclabousser les spectateurs, les faire réagir. C’est tout de même le but de Vàclav HAVEL, qui manie lestement les armes de l’humour et de la dérision. Quand le théâtre vous réconcilie avec la politique !

 Paris, le 26 Décembre 2016             Evelyne Trân

d’après Putain de Nelly Arcan

mise en scène Ahmed Madani

Avec Véronique SACRI

Tirée du récit PUTAIN de Nelly ARCAN, l’histoire de la fille du paradis, fait penser à un immeuble dont la façade a été marquée par les flammes d’un incendie.

La jeune femme qui apparaît sur le plateau est belle, elle est habillée en noir peut être trop sagement. C’est déconcertant, voilà une femme qui raconte son expérience d’escort girl et qui n’a pas l’air d’une putain !

Le metteur en scène Ahmed MADANI couve d’un regard juste et délicat cette jeune femme fraîche . D’emblée, le spectateur n’a pas la sensation d’être un voyeur venu écouter les confessions sulfureuses d’une prostituée. Car le réquisitoire de Nelly ARCAN contre la condition sexuelle des femmes dans la société n’a rien de sulfureux.

N’être qu’un corps, une image, un sexe, vis à vis d’un ou d’une autre, c’est une sensation terrible . Les mots de Nelly ALCAN ont cela d’incroyable qu’ils donnent l’impression d’être des petits cailloux de chair porteurs de la mémoire de son corps blessé, avili, méprisé.

Les hommes qui ont recours aux prostituées pour assouvir des besoins sexuels naturels – après tout la prostitution n’est il pas le plus vieux métier du monde – savent ils que la chair et l’âme ne font qu’un.

Nelly croyait ne vendre que son corps mais sa tête qui ne plie pas, qui enregistre tout, l’oblige à cogner contre ses souvenirs, à se demander pourquoi, comment, elle s’est retrouvée piégée parce qu’un jour comme toutes les femmes, elle a voulu plaire, prendre du plaisir. Cela avait l’air si facile, si naturel…

Les journaux féminins qui entendent cultiver l’image d’une femme belle, jeune, ne font pas autre chose que de mettre en valeur nos comportements les plus primaires. Au balai les intellectuelles, ce sont des chieuses. Et puis faut être réaliste, tant pis pour la vulgarité du propos, la queue d’un homme ça ne pense pas, ça bande !

Nelly devenue Cynthia confie en effet :

« Chaque bout de queue bande de ma putasserie . Chacun est le seul à me faire plier – Que voient ils en moi ? Le lit, la table de chevet, le fauteuil ? – Minute après minute, heure après heure, jour après jour, je laisse la motte de poils différents au milieu de la pièce  – Trop de clients sont semblables par la misère des hommes à aimer la putain -« 

La chair de Nelly est devenue écrivaine. Véritable travail que celui de l’écriture destiné à élever une digue de fortune. Oui, Nelly clame son existence, face à des bourreaux anonymes accrochés au miroir, oh combien lucratif, de la belle femme jeune et sexy.

Au milieu de la scène sombre, où l’on voit de côté quelques chaises se chevaucher, Véronique SACRI seule apparaît, incandescente, habitée par la langue tourmentée de Nelly ARCAN. Elle est une femme et peu importe notre sexe, c’est ainsi que nous la voyons, l’entendons à travers son tissu de voix plein de reliefs, si jeune, si pur…

Paris, le 20 Juillet 2015

Mise à jour le 21 Décembre 2016                    Evelyne Trân

Mise en scène Marinette MAIGNAN

avec Sylvain RICHARDOT : piano, guitare, chant (baryton léger), Michel PUYAU : guitare, chant (ténor), Xavier CHERRIER : chant (baryton)

Si vous souhaitez vraiment faire plaisir à l’un de vos proches pour les fêtes de Noël, offrez lui sur le champ une place au Théâtre de la Bruyère où se produit actuellement pour 30 représentations exceptionnelles, le groupe CHANSON PLUS BIFLUOREE, mis en scène par l’excellente Marinette MAIGNAN.

On trouve de tout dans leur spectacle comme à la Samaritaine qui hélas n’existe plus ! Le groupe vient de célébrer ses vingt cinq ans et se porte comme un charme . C’est un véritable ovni qui réussit à déverser aussi bien sur nos chères têtes blondes que nos têtes devenues blanches, sans oublier les noires, une sorte de bazar collectif, haut de gamme puisqu’il fait partie du patrimoine français ou gaulois – on ne sait plus – , aussi démonté qu’un bateau ivre qui maîtrise l’art de l’enflure pour faire craquer ces vieux paquebots si bien nommés Brel, Ferré, Trenet, Luis Mariano, Tino Rossi, Barbara, Frédéric François etc.

Le public se tient véritablement les côtes en écoutant une chanson de Barbara interprétée par Michel PUYAU au visage étrangement élastique, il se rince les oreilles de rire et d’étonnement en entendant Xavier CHERRIER interpréter Avec le temps de FERRE sur la musique de Y‘a D’la Joie de Trénet. Il tangue véritablement secoué par le shaker aux chansons, créateur de couples inattendus notamment celui de Barbara et Yves Duteil.

La groupe possède l’art de faire exploser chacune de ses goupilles avec le sourire effronté de l’enfance. Y’a de la joie à gogo certes mais aussi cet esprit frondeur qui ne désemplit pas, un véritable puits de mémoire qui tout à coup laisse remonter à la surface la Marseillaise de la paix créée par les enfants d’un orphelinat en 1893, un poème de Victor Hugo écrit après une visite au bagne, magnifiquement interprété par Sylvain RICHARDOT «Chaque enfant qu’on enseigne est un homme qu’on gagne  »– ou le sketch de marionnette Pat et Marconi, jubilatoire.

Cette cuvée spéciale où les fans retrouveront leurs chansons phares  – Grosse chignole de mes amours, Oui je fais la vaisselle, Avoir du sopalin, Voilà la voix, Bon public, Pelez les noix, L’informatique etc. – a le toupet de remettre au diapason nos montres folles avec le tact et l’art d’horlogers hors pair, ciselant cet indispensable tic tac du cœur et du rire aphrodisiaque !

Paris, le 18 Décembre 2016                   Évelyne Trân