Avec : Calypso Baquey, Angélique Zaini, Mike Ladd, le robot HitchBot 2 (en cours)
Vidéo : Linda Blanchet
Conseillers scientifiques : Dr David Smith, Dr Frauke Zeller (en cours)
Scénographie : Bénédicte Jolys
Musique : Mike Ladd

Au fond, il n’a jamais eu l’air que d’un gros jouet, ce robot auto-stoppeur nommé HitchBot qui a défrayé quelques chroniques seulement parce qu’il a été retrouvé démembré au bord d’une route à Philadelphie aux Etats Unis. Il faut dire que les journalistes possèdent l’art de grossir le moindre des faits divers pour en faire un événement. Les littérateurs et les artistes ne sont pas en reste d’ailleurs.

Cela dit, HitchBot a attiré l’attention de la metteure en scène Linda Blanchet en raison de son histoire ahurissante. Imaginez un robot qui parcourt seul le Canada d’est en ouest, soit près de 10000 km avec pour mission de prendre des photographies toutes les 20 minutes. Cette expérience a été commanditée par un couple de chercheurs pour étudier les interactions entre hommes et machines avec cette question brûlante : les robots peuvent-ils faire confiance aux humains ?

En amont de la création du spectacle, Linda Blanchet a effectué un impressionnant travail d’enquêtrice, scrutant les milliers de photographies récoltées par HitchBot, rencontrant les personnes qui ont croisé cet étrange auto-stoppeur. Elle dit de ce robot qu’il est un être artificiel social, intégré par l’homme dans son environnement.

Sur scène, les témoins se succèdent racontant leurs relations avec HitchBot qui trône l’œil allumé et intrigue par sa faculté de tenir une conversation sommaire grâce à son intelligence artificielle. Pour sûr, il suscite la sympathie, c’est un gentil doué d’empathie, un non violent, un simple qui ne ferait pas de mal à une mouche, un être idéal en somme.

Alors pourquoi ce gentil robot a-t-il été tué, assassiné à la fin d’un périple de 15 jours aux Etats Unis par un illustre inconnu ?

Dieu a créé l’homme à son image dit la Bible, et l’homme se prend-il pour Dieu en tant que géniteur de robots doués d’une intelligence artificielle ? A ce propos, même son créateur parait vouloir prendre de la distance avec la notion d’intelligence artificielle, il parle d’intelligence tout court.  

Les photographies d’HitchBot étonnent parce qu’elles ne sont pas le fruit d’une intention « viscérale ». HitchBot photographie de façon aléatoire, cet aléatoire auquel l’homme ne peut prêter attention car il est accaparé par son ego, ses émotions, ses désirs. Le fruit du hasard est cependant limité puisque HitchBot est programmé pour photographier toutes les 20 minutes. Une photographie ne serait rien sans son spectateur. Rappelons HitchBot n’observe rien, il photographie point final.  

Le processus d’identification avec un robot passe par cette histoire d’intelligence artificielle. Un robot ne pense pas, il donne juste l’impression de penser en débitant des amas de pensées qui ont été déposées dans son logiciel. Pourquoi choisir un tel interlocuteur qui réagit la plupart du temps sottement. Pauvre robot sans défense. Quelles larmes de crocodile, allons-nous verser. La vérité est qu’il est bien difficile de communiquer avec un robot.

S’agit-il d’un transfert de sentiment d’infortune de la condition humaine via un robot. Si l’homme est un loup pour l’homme, un robot humanoïde ne peut faire le poids face à la malignité humaine. A la question, peut-on faire confiance à l’homme, la réponse ne peut qu’être négative. Que l’on soit robot ou quidam, partir à l’aventure comporte des risques.

La question peut se poser autrement. Quel point commun entre un homme et un robot ? La mort à brève ou longue échéance, l’homme n’est-il pas programmé pour vivre et mourir ? Celui qui a tué HitchBot n’a-t-il pas été mu par une pulsion de vie visant à éliminer toute assimilation possible de son identité avec celle d’un robot.  Plus vraisemblablement, la rage d’un individu s’est exercée sur un robot qui ne répondait pas à son attente et qu’il a donc traité comme un vulgaire objet sans âme.  

Le robot nous parle de mort, celle qui rejaillit de l’inertie de nos émotions, celle qui fige nos images les rendant délétères, absconses, sans d’autre relief que le vide qui les entoure, l’absence de regard. Le vide a cela d’impressionnant qu’il accuse notre absence et semblerait même s’en passer.  

Voilà des considérations bien mortifères concernant une enquête criminelle aussi surprenante que bon enfant. A vrai dire, il est plus facile de s’intéresser à l’existence d’un robot créé de toutes pièces, programmé pour ne pas parler religion ou politique, qu’à l’homme lui-même, omniprésent sur cette terre.

Quelle est donc ou serait donc la place du robot humanoïde dans notre quotidien, notre imaginaire, notre civilisation, telle est encore la question posée par le spectacle qui pour dépasser la marge du documentaire, n’entend pas faire des vagues, suggérant que nous serions prêts à intégrer cette créature dans notre société à condition qu’elle soit aussi inoffensive qu’un nounours. C’est le mélimélo de notre société qui pour s’affranchir de l’insupportable violence qui règne dans ce monde tente de se réconforter comme elle peut avec des vieux rêves d’’enfant. Franchement, il n’y a guère de différence entre le dialogue d’un enfant avec sa poupée et la conversation d’un adulte avec un robot. Les enfants aussi cassent leurs jouets et jureraient que leur ours en peluche est bien vivant.

En tant qu’objet de défoulement onirique, le robot rend bien des services à l’humanité. HitchBot ! Avais-tu donc une âme ? Celle d’un enfant sans doute, c’est bien connu les savants sont des enfants, ils rêvent toujours comme les pères de Pinocchio et du Golem.

De facture pédagogique, le spectacle arrondit les angles d’un projet pharamineux, celui de confronter un robot à des hommes incontrôlables (faudrait-il les programmer pour de bon pour éliminer leur méchanceté) laissant flotter à l’intention d’un large public, tous ces fils qui relient notre imaginaire à une réalité plus sombre, celle de la violence humaine.

Eze, le 12 Novembre 2019

Evelyne Trân

De Cliff Paillé

Mise en scène de Cliff Paillé

Avec Lyne Lebreton et Romain Arnaud-Kneisky

Durée : 1h15

“Madame VAN GOGH” Le titre de la pièce parfaitement bienvenu nous interroge puisqu’à notre connaissance Vincent VAN GOGH n’était pas marié. Oui, Madame VAN GOGH était « seulement » la veuve de Théo VAN GOGH, le frère de Vincent. Avec intelligence Cliff Paillé rend hommage à cette femme qui consacra sa vie à la reconnaissance de l’œuvre de Vincent.

A sa mort, ce dernier n’était connu que dans le petit cercle des peintres impressionnistes qu’il côtoyait et n’aurait vendu qu’une seule toile. Héritière de 200 tableaux, Johanna VAN GOGH ne fut pas tout de suite consciente de leur valeur. C’est à travers l’imposante et prolifique correspondance de Vincent avec son frère Théo, qu’elle s’attacha à comprendre l’homme qui fut une source de conflits dans sa vie de couple.

L’obstination d’Emile Bernard, un ami peintre de Vincent eut raison de son refus d’exposer les œuvres. Elle s’occupa elle-même des expositions plus tard en retournant au Pays Bas.

 Johanna en deuil de son époux Théo se retrouvait face à un héritage colossal. La pièce qui met en scène Emile Bernard et la jeune veuve permet d’appréhender toute la force et le courage qu’il fallut à Johanna pour accepter moralement cet héritage en mémoire du peintre et également de son frère.

La publication de la correspondance de Vincent avec Emile Bernard,  tout d’abord puis avec Théo Van Gogh contribua à la découverte du peintre.

La démarche de Johanna était désintéressée. Son fils également prénommé Vincent le prouva en léguant au musée d’Amsterdam la majeure partie de l’œuvre.

Interprétée avec vivacité sur le mode mineur de la conversation par Lyne Lebreton et Romain Arnaud-Kneisky, la pièce fait le portrait d’une femme ordinaire, sans présomption artistique à qui l’on doit grâce à son intuition et sa sensibilité, la reconnaissance de Van Gogh.

La mise en scène est toute en ambiance sensible et volontairement légère, elle  bénéficie, il faut le dire, du charme de la comédienne Lyne Lebreton. Quelques projections des toiles sur fond de scène permettent d’imaginer comment Johanna petite fée des deux frères s’y promène enchantée et rêveuse, amoureuse !

Paris, le 4 Novembre 2019

Evelyne Trân

• 

• Auteur : Textes Léo Ferré

• Adaptation Jean Pétrement

• Mise en scène : Lucile Pétrement

• Avec : Léonard Stéfanica, Jean Pétrement

Avec Bruno GACCIO et Philippe GIANGRECO
Créateur Lumière: PHILIPPE HATTE
Scénographie : EMILY GEIRNAERT
Credit Photo : Aurore Vinot
Production : COQ HÉRON PRODUCTIONS GLG PRODUCTIONS et LA
SCENE PARISIENNE
Durée : 1H 15

Voilà un spectacle cousu main pour Bruno Gaccio et Philippe Giangreco,  deux artistes qui se connaissent de longue date. Ils jouent dans les Pâtes à l’ail deux amis qui se sont fait un point d’honneur de se donner rendez-vous une fois par mois. Philippe a une vie bien rangée, il est restaurateur, marié avec deux grands enfants, Bruno, célibataire, photographe itinérant enchaîne les aventures avec le beau sexe.  A vrai dire, leurs vies n’ont rien d’extraordinaire et n’échappent pas aux clichés. C’est bien connu le bonheur n’engendre pas d’histoire. Il importe donc que la marmite des pâtes à l’ail déborde un peu et qu’un gros nuage noir sème le trouble entre les deux amis.

Philippe annonce à Bruno qu’il est atteint d’un cancer généralisé et qu’il lui reste six mois à vivre. Désirant à tout prix s’épargner la déchéance, il prie son ami de l’euthanasier. Il a déjà prévu toute la procédure. Evidemment, c’est un choc pour Bruno qui après avoir refusé, fait semblant d’accepter, réussissant grâce à des divulgations touchant à la vie intime de Philippe, à noyer le poisson.

A la suite de ces révélations choquantes qui remettent en question sa vie maritale et filiale, Philippe comprend qu’il n’est pas encore prêt pour mourir et décide de se battre contre la maladie.

Interprétée avec finesse par les deux comédiens terriblement complices, la pièce agit comme un remontant moral vis-à-vis de ceux qui sont ou ont été confrontés à la maladie. Elle fait de l’amitié indéfectible, un point d’orgue pour lutter contre l’adversité. Les révélations grosses comme des maisons font sourire sous cape aux dépens des deux compères. Le rire étant le propre de l’homme enjoint la faucheuse à aller voir ailleurs.

Il est donc possible de parler de la mort en souriant. C’est tout le message de cette pièce qui sonne juste et est délibérément optimiste, assurément bien épicée grâce à l’ail – Aïe, aïe ! – qui embaume cette plaisante soirée !

Paris, le 1^er Novembre 2019

Evelyne Trân

Le surnaturel ou toute pensée qui pourrait être qualifiée d’irrationnelle ont-ils leur place dans nos sociétés matérialistes ? Il est évident que ce que l’on ne comprend pas qui fait partie de l’inconnu bornant notre appréciation, suscite la peur. En même temps, l’homme a toujours été fasciné par l’inconnu, une curiosité insatiable le pousse à explorer des planètes et également à essayer de vaincre tous les maux qui ont pour finalité la mort.

Le bon sens qui a valeur de pragmatisme moral ne saurait être dévoyé par des considérations hors de sa portée, qui en tout cas ne servent pas l’homme de tous les jours, accaparé par des problèmes matériels certes mais essentiels.

L’intérêt philosophique de la pièce Fausse adresse de Luigi Lunari, c’est qu’elle confronte l’homme de bon sens à l’homme émotif, celui qui se laisse submerger par ses émotions, hors quoi de plus irrationnel qu’une émotion. Il va sans dire que cette émotion peut traduire un manque, un vide existentiel, elle peut placer l’individu en question devant un précipice à moins de prendre conscience qu’il n’est pas seul et qu’au lieu de cultiver ses propres peurs, il aurait intérêt à observer comment les autres se débrouillent dans leur vie.

Luigi Lunari est un dramaturge italien, traducteur des pièces de Molière et de Shakespeare, longtemps collaborateur de Giorgio Strehler au Piccolo Teatro de Milan. L’influence de Pirandello est palpable. Dans cette pièce qui s’apparente à un huis clos, l’inconnu a force de personnage, il s’incarnera d’ailleurs en partie à la fin. Trois individus, un industriel, un professeur auteur de romans policiers et un ancien militaire se retrouvent bloqués dans une pièce suite à une alerte anti-pollution. Chacun y est entré par une porte différente avec une adresse différente et les personnes avec lesquelles ils avaient rendez-vous brillent par leur absence.

Les rendez-vous manqués font partie du leurre dont ils sont victimes. L’adresse celle qui les a conduits dans une pièce vide juste appareillée de quelques portes est également un leurre, ce style de leurre qui confondrait un revenant dans un lieu connu qui ne porte plus la même adresse. Voilà qui brouille les cartes, celles de nos repères en soi très fragiles puisqu’ils dépendent avant tout de notre perception laquelle n’est pas immuable.

Les réactions des trois protagonistes diffèrent évidemment. Comment ne pas perdre la face vis-à-vis des autres sinon en marquant sa différence. Ce n’est qu’au pied du mur qu’ils devront admettre qu’ils se trouvent tous les trois dans la même situation, égaux en quelque sorte face à ce qui les dépasse et qui va s’incarner providentiellement et éphémèrement dans un quatrième personnage comme s’ils avaient appelé cette présence (sans le dire) pour surseoir à l’angoisse du vide, en somme de la mort, ce butoir impensable.

Il s’agit de rôles en or pour des comédiens car les dialogues de Luigi Lunari à la fois substantiels et très vifs, permettent de cerner tout autant que l’apparence physique, les traits de caractère des personnages qui selon Luigi Lunari représenteraient « le Pouvoir Economique, la Connaissance Philosophique et Rationnelle, la Force des Armes et enfin le Peuple Travailleur ».

Il s’agit d’une piste car l’auteur reconnait avoir donné libre cours à son inconscient lors de l’écriture de cette pièce, avec une totale liberté.

La mise en scène concentrée sur la direction d’acteurs est lumineusement sobre. Sensible à la dimension métaphysique et tragique indéniable de cette pièce, le metteur en scène Gilles Gourmelen ne surenchérit  pas sur son aspect fantastique et surnaturel qui a pour effet de divertir comme cet étrange frigo qui n’offre que la boisson voulue par chacun même s’il s’agit d’un chocolat chaud !

Luigi Lunari n’a certainement pas voulu plomber les esprits et donne l’impression de s’amuser avec ses personnages. Le titre même de la pièce « Fausse adresse » en dit long sur son humour ravageur.

Et les comédiens, tous excellents, rendent si humains leurs personnages que nous croyons bien réelle leur mésaventure, elle nous interpelle et nous captive comme un véritable thriller.

Paris, le 31 Octobre 2019

Evelyne Trân

Avec Elliot JENICOT et Anaïs YAZIT

Photo (Copyright Fabienne Rappeneau)

« Et pour qui te prends tu ? – Je me prends pour Erik Satie, ne vous en déplaise » Certains se prennent pour Dieu et celui-là pour Erik Satie. Evidemment, l’énergumène a élu domicile dans un asile psychiatrique où seule une gracieuse et douce infirmière semble le prendre au sérieux. Les bouffées délirantes de ce fou dansant se révèlent très instructives sur la vie d’Erik Satie qui probablement n’aurait pas défrayé les chroniques si l’homme n’avait pas composé ses fameuses gymnopédies. L’homme fait figure d’ovni dans le paysage musical de son époque. Incompris, méprisé par ses pairs, il réussit cependant à passer la rampe, heureusement accueilli par Picasso, Jean Cocteau, les ballets russes de Serge Diaghilev avec lesquels il crée un spectacle « Parade » en 1917 qui fit scandale.

Cela doit être un bonheur de se prendre pour Erik Satie, le poète musicien d’Arcueil; il y vécut une trentaine d’années jusqu’à sa mort dans un logement sans eau ni électricité. Sa richesse était ailleurs dans ces notes de musique anarchiste qu’il distribua généreusement et dont les airs nous saisissent par leur joyeuse et mélancolique fantaisie.

Photo D.R.

Qui aurait pu imaginer la misère noire de l’homme qui avait étrange allure avec son pince-nez, son chapeau melon et sa barbe en pointe.

 Son interprète sur scène, Elliot JENICOT est irrésistible de faconde et de drôlerie. Anaïs YAZIT, sa partenaire à qui il revient d’endosser à la fin de la pièce, l’aspect dépressif du personnage, l’est tout autant irrésistible de grâce et luminosité. La scénographie est illustrée par de joyeux dessins sur écran.

 Laetitia GONZALBES signe avec ce spectacle une délicieuse parade à la morosité ambiante avec à l’honneur un chef d’orchestre hors du commun, Erik Satie !

 Paris, le 30 Octobre 2019

 Evelyne Trân

• Et là-haut les oiseaux – Théâtre El Duende – Teaser

Ecriture collective avec les comédiens et les musiciens du Théâtre El Duende
Equipe technique : Célia Riffaud, Vanina Adrover

Création sonore : Mathias Pradenas
Création lumière : Romain Thomas

Affiche : Jeanne de Bergevin

Diffusion : Antisthène

Presse : Catherine Guizard

Relations publiques : Clara Normand

Production : – Scop Théâtre El Duende
Remerciements :  Jean-Jacques DeReyer, FCB – Varembert – Ferme Culturelle du Bessin, Association Les Amis du Duende

Toutes les Dates

• 14 décembre 2019 20 :30
• 13 décembre 2019 20 :30
• 7 décembre 2019 20 :30
• 6 décembre 2019 20 :30
• 30 novembre 2019 20 :30
• 29 novembre 2019 20 :30
• 23 novembre 2019 20 :30
• 22 novembre 2019 20 :30
• 17 novembre 2019 17 :30
• 16 novembre 2019 20 :30
• 10 novembre 2019 17 :30
• 9 novembre 2019 20 :30
• 2 novembre 2019 20 :30
• 27 octobre 2019 17 :30
• 26 octobre 2019 20 :30
• 20 octobre 2019 17 :30
• 19 octobre 2019 20 :30
• 18 octobre 2019 20 :30
• 13 octobre 2019 17 :30
• 12 octobre 2019 20 :30

« Est-il encore possible de créer ensemble, sans chef ? » . La réponse est oui bien évidemment mais à condition de ne pas s’endormir sur ses lauriers, de s’engager individuellement car le collectif c’est un plus rappelle un comédien.

L’ordre du jour, hélas, est universel. Oui, il y a des choses à dire sur cette planète qui se porte mal. Il y a même urgence. Alors une troupe de théâtre qui vient de recevoir une subvention pour créer un spectacle en sept jours, relève le défi.

Elle choisit le thème de la peur. Le spectacle se met en place avec ardeur sous les yeux du public, il s’échafaude en imaginant un immeuble à plusieurs étages, à partir des histoires de leurs occupants.

Des histoires simples, des scènes de la vie quotidienne, une mère divorcée avec ses deux filles en colère contre son ex-mari qui ne paie pas la pension alimentaire, deux fillettes qui font faire une traversée de boat people à leurs poupées, un rentier idiot, un militaire, trois petites vieilles, un couple de migrants etc.

Il s’agit de les prendre à bras le corps toutes ces peurs, ces angoisses et inquiétudes qui bistrent le quotidien et ce à tous les étages. Chacun y va de sa petite idée qui vient s’inscrire sur un écran de cinéma où flottent de jolis dessins animés. Il y a foule d’idées et c’est le chahut. Pour se donner du courage face à l’ennemi numéro 1, la peur, les comédiens dansent et font la fête, ils empoignent un frigo, symbole du système capitaliste.  L’orchestre mime en musique toutes les secousses de la peur et puis un conteur s’avance pour calmer la troupe, il raconte comment un oiseau survole l’immeuble, se faufile dans tous les étages pour observer leurs habitants. Le manège durera sept jours. 

Ah s’il pouvait nous faire part de ses impressions l’oiseau ! En vérité, il participe à toute l’effervescence humaine et il suffit de lever le nez pour comprendre qu’il dessine notre avenir dans le ciel. Plus d’oiseau, plus d’espèce humaine. Là-haut, mais oui bien sûr, il y a tous ces oiseaux qui mesurent les battements de cœur des autres volatiles sur terre, ces pauvres humains privés d’ailes qui communiquent leurs sentiments grâce à la musique, la danse et même leurs mots qui se bousculent en chantant.

La troupe de la compagnie EL DUENDE a réussi son défi celui de créer à plusieurs voix un spectacle unique, original et plein de cette poésie ardente qui libère les corps et rassérène les esprits, les esprits libres cela va soi !

Paris, le 30 Octobre 2019

Evelyne Trân