KELKA ET HELEN JUREN A LA MANUFACTURE CHANSONEspace Christian Dantewww.myspace.com/kelkanet  www.myspace.com/helenjuren 

Quel plaisir, hors des sentiers battus, d’aller à la rencontre de deux jeunes chanteuses vives et créatives capables d’assouvir notre soif de poésie !

Kelka et Helen, soulèvent et secouent comme des bouquets de senteurs, les chansons qui tapissent leurs tabliers et leurs paysages vagabonds, s’habillent de ces fleurs avec fantaisie et humour. Kelka a choisi le costume de sorcière pour jeter un sort à ces drôles histoires qui maltraitent son côté «fleur bleue» et dressent le portrait d’une petite peste si curieuse de la vie qu’elle ne craint pas d’associer les chardons, les pissenlits et les coquelicots. Sa gaieté est communicative et son énergie si manifeste qu’elle ne fait qu’une bouchée de pain de la petite scène de la manufacture. Cette mégère finira-t-elle par apprivoiser la tendre et douce Kelka ? Nous le saurons aux prochaines représentations car nous avons hâte de découvrir, sous les effluves,  une interprète capable, à mon avis, d’ensoleiller toute une gamme de sentiments. 

Helen Juren, quant à elle, porte en son sein l’étrangère qui tutoie la neige éternelle au soleil. Elle parle cette langue de façon extrêmement crue et osée avec beaucoup de force.Son répertoire est intemporel, et vaste, au rythme des Balkans et des mélodies d’Afrique et d’Orient.  Comédienne, elle fait jouer son corps comme s’il s’agissait d’un instrument de musique, inédit. C’est très impressionnant. Beaucoup de talent qui ne pourra manquer de s’épanouir sous le regard d’un metteur en scène avisé. Les deux musiciens Marcel Bort et Thierry Le Polles qui accompagnent à la guitare, les deux chanteuses,  font preuve d’une attention généreuse à l’égard de ces deux flammes-femmes.  Ca pousse encore en France les chansons, et comme les fleurs pour résister au vent et marées, elles ont besoin de s’entendre dire qu’on les aime. La présence de jolies voix sur scène, c’est tout de même autrement appréciable qu’un casque sur les oreilles.Déplacez-vous, cher public, et faites donc tourner, le manège de votre rêve musical entre ciel et terre !  Le 13 Mars 2011 Evelyne Trân

 LE LAVOIR Texte de Dominique Durvin et Hélène Prévost Création : Compagnie Théâtre et Toiles Du 7 au 19 Mars 2011 à 19 Heures Théâtre de l’Epée de Bois – Cartoucherie – Route du Champs de manœuvre -75012 – Paris

 Un portrait éblouissant de femmes à l’Epée de Bois. Eblouissant, comme l’eau qui bout au soleil, une sorte de tableau vivant traversé en trombe par une colonie de lavandières sous l’égide de  la Liberté d’Eugène Delacroix. Les spectateurs ont devant eux, de plain-pied, un lavoir et croient rêver. Ont-ils gardé trop longtemps l’œil fixé sur la peinture de Delacroix, de sorte que les voilà pris au piège d’une hallucination collective. Ce tableau n’a rien à envier à celui de Delacroix, il est sublime. Et en plus, il parle, il chante, il danse. La scène comme une véritable toile, oui, grâce à la mise en scène inspirée de Brigitte Damiens, le talent de la scénographe et costumière de Laurence Bruley, qui font de cette création, une sorte d’opéra  à mains nues. Car la beauté du spectacle est naturellement portée par l’émotion qui saisit les entrailles des comédiennes, à l’aube d’un évènement tragique, la déclaration de guerre de l’Allemagne à la France, le 3 Août 1914.Nous n’assistons pourtant qu’à une journée ordinaire de lavandières si rompues à la tâche qu’elles pourraient l’exercer les yeux fermés. Frotter, laver, battre le linge, c’est très physique mais ça n’occupe pas entièrement l’esprit. Joindre le geste à la parole ? Laver, laver la vie en somme. Eternel recommencement, l’œil rivé sur les salissures, avoir la tête qui s’étourdit sous le feu du soleil. Toujours le même manège, toujours les mêmes soucis qui rôdent : la misère, les mômes, le mari etc. Les lavandières s’émulent, elles ont toutes des chagrins, des rêves  cachés. Pour égayer leur travail monotone, elles papotent, se chamaillent,  et se racontent leur vie. Les peines et les joies qu’elles trimballent comme des paquets de linge autour de la taille ou sur le dos, finissent par épouser leurs gestes, leurs manières, leur combat et leur révolte Comment ne pas espérer que toute cette énergie qui se dégage de ces femmes, du déballage du linge sale à l’étendage du drap propre, puisse servir aussi à la prise de conscience de leur rôle dans la société.Cette réflexion, elle est au cœur du travail, d’une certaine vision du travail dans la société, elle peut devenir véhémente. Elle est incluse dans la mémoire des corps, elle résonne à travers eux et se poursuit de génération en génération.Le corps pourrait-il guider l’esprit ? Oui, lorsqu’il n’est plus assimilé à une bête de somme. Quelle mouche les pique donc, ces lavandières qui en viennent à se trémousser ou à chanter en plein labeur ? Le compositeur méditatif qui joue du hang, un instrument à percussions, semble improviser au fur et à mesure, par petites notes, par petites perles de sueur, réfléchissant, tel un zeste de soleil, chaque geste, chaque parole, bruits et silences de cette grande lessive.Il s’agit d’une création exigeante, travaillée vive que je salue sans réserve et avec admiration.Un tableau vous dis-je, plus qu’épique ou impressionniste, une vision, étourdissante !      Paris, le 9 Mars 2011               Evelyne Trân

Métiers de nuit Création : Le Bruit des Hommes Contact : 04.94.72.79.67/06.11.08.67.82  Les 1, 2, 4 et 5 Mars 2011 à 20 H A La Gare au théâtre de Vitry sur Seine le 7 JUILLET 2011 : Valbonne Festival Arts de la Rue

7 auteurs, 7 acteurs, 5 compagnies  Le projet est ambitieux et humble à la fois, pensez-vous. Seul, un prestidigitateur oserait faire glisser dans son chapeau, 7 auteurs, 7  acteurs et 6 metteurs en scène. Noé avec son arche avait déjà eu l’idée de refaire le monde. Le magicien en question, quant à lui, a fait confiance à quelques auteurs pour raconter une nuit, une seule nuit à travers des personnages de la vie courante : une lampe de poche, aide-soignante, écrivain, serveuse, gardien de musée, animatrice de raves parties, pharmacien.

Manifestement, ils ne sont pas là pour refaire le monde. Ils sont simplement là pour témoigner qu’ils en font partie comme 7 épis de blé qui penchent, se redressent sans se rompre, sous le fard de notre conscience, qu’elle soit politiquement correcte ou pas. Tous ces personnages qui ne se rencontrent pas mais se côtoient tètent les mamelles de la nuit à l’aune de leur solitude.Le monologue est une forme de discours, en trompe l’œil. Evidemment, puisque chacun des protagonistes ne cesse d’interpeller l’autre, et que l’on  imagine qu’il n’aurait rien à dire s’il n’était justement débordé par cet autre, nominé, innommable qui le travaille, qu’il appelle cancer, ennemi, société, mal, ennui.Depuis l’antiquité, les auteurs de théâtre ont pour mission de toucher du doigt, les maux de la société, jouer le rôle de clignotants de l’inconscient collectif. Suivant les auteurs, les monologues sur plateau, tanguent plus ou moins. Un personnage se mesure t-il au poids de ses mots ? C’est à ce niveau qu’intervient l’art du comédien, pour soulever un texte aussi complexe soit-il. A cet égard, les interprètes  féminines, Estelle Galarme (la serveuse) Emilie Blon Metzinger (l’aide-soignante), Sophia Johnson (l’animatrice de raves parties) font preuve d’une belle énergie, elles nouent, déplacent les paroles jusqu’au cœur, elles sont poignantes. Les interprètes masculins, Hervé Masquelier (le gardien de musée), Sébastien Tavel  (le pharmacien), Yves Borrini le philosophe), sans doute à cause de leurs personnages plus intellectuels, paraissent plus statiques, introvertis. Quand à la lampe qui se confond avec son comédien Stéphane Bault, avec ses va et vient spectaculaires, elle fait heureusement sourire. Un échange de rôles pourrait être bénéfique à la texture du spectacle. J’imaginerais bien le gardien jouer le rôle du pharmacien et vice versa. Parce qu’il s’agit tout de même d’un plateau tournant, d’une roue qui tourne et d’une même nuit, parait-il, pour des voix qui se cherchent. Fractions de monologues, qui invitent au dialogue.Souhaitons bon vent à cette belle arche de théâtreux pour leur tour de magie, sous les auspices d’une divinité théâtrale qui à l’instar de Shiva, à plusieurs bras à son arc !  Paris, le 5 Mars 2011               Evelyne Trân Métier de nuit 7 auteurs : Yves Borrini, Joseph Danan, Marie Dilasser, Philippe Dorin, Samuel Gallet, Pietro Pizzuti et Laurence Vielle. Avec : F.Andrau, S.Bault, E.Blon-Metzinger, Z.Boussouf, D.Borrini, Y.Borrini, G.Cantillon, M.Courbet, E.Galarme, S.Johnson, C.Joly, M.Lissillour, H.Masquelier, J.Mathis, S.Tavel, P.Vigna, L.Ziveri (metteurs en scène, dramaturge, acteurs, éclairagistes, techniciens et administratifs).Production : Le Bruit des Hommes, co-production : Le Comedia – Théâtre d’Aubagne et les cies associées. Avec le soutien de la ville de Toulon, de l’agglomération Toulon-Provence-Méditerranée, du Conseil Général du Var, de la Région PACA, et de la DRAC PACA.Durée : 150 minutes

 Mise en scène de Nafi Salah

 Musique originale : Yaacov Salah – Costumes : Méïr Salah – Lumière : Pascal Noël Au Théâtre de la Vieille Grille,1, rue Puits de l’Ermite 75005 Paris Du 23 Février au 20 Mars 2011 du mercredi au samedi à 21 H Dimanche à 17 H 30

On les appelle des fous ceux qui entendent des voix dans leur tête, ces voix qui surviennent souvent à l’adolescence et accaparent l’être sans qu’il puisse saisir pourquoi. Les histoires familiales ne se déclinent pas toujours sur un joli album de photos ou à l’aide d’un arbre généalogique pimpant. Parfois, elles pourraient se comparer à un escalier découvert par inadvertance en soulevant un rideau censé le cacher. Et à côté de marches encore propres, en avançant un peu, ce sont des plus anciennes ébréchées et poussiéreuses que l’enfant découvre en tremblant comme s’il venait de pénétrer dans un lieu interdit. Si l’enfant spontanément soulève le rideau, favorisant un courant d’air, en s’engageant dans l’escalier, l’angoisse le gagne parce qu’il devient prisonnier de l’obscurité sans pouvoir se raccrocher à  la rampe.

Ces impressions sont indicibles et solitaires, elles empoignent l’enfant plus perméable, plus disponible aussi que l’adulte. Il est né le divin enfant, il est fêté, adulé, on astique la maison pour son arrivée. Comment dire que la naissance d’un enfant, ce n’est pas seulement une histoire de reproduction. Il n’y a pas de génération spontanée aussi bien pour les légumes, les plantes que les humains. Nous ne naissons pas de rien. Ca fait très étrange de se le dire. Certaines femmes pourraient se demander si ce n’est pas pour conjurer la mort qu’elles ont souhaité donner la vie. Que la naissance puisse faire écho à la mort, c’est vraiment trop lourd comme idée et pourtant…

Dans cette histoire familiale à travers trois générations, Laurence Sendrowicz ne se perd pas en considérations métaphysiques ou religieuses, elle parcourt un chemin de voix qui se répondent à travers le tissu léger, tangible de vies presque parallèles, oui toujours sur la même route, séparées seulement par quelques années. Comme elle interprète chacune de ces voix, parfois l’on ne sait plus si c’est l’enfant de la 3ème génération qui parle ou celui de la première. L’histoire est captivante car elle est racontée par des enfants que l’on entend réellement vivre, converser, se disputer. Comment tromperait-on l’absence des parents qui ne sont jamais revenus ? Les paroles se traversent, elles s’unissent non pas pour conjurer le sort mais pour lui apporter de la lumière, de l’espérance. On peut construire sur du vide dit le jeune enfant devenu grand père. On s’aperçoit alors que la douleur est  immense, irrationnelle alors même qu’il prétend être rationnel. Il s’agit d’une histoire banale d’enfants juifs, arrachés à leurs parents, dit Laurence Sendrowscz. J’ajouterai qu’elle est tellement banale qu’elle peut toucher n’importe quel humain qu’il soit juif ou non.

Elles sont parmi nous ces voix parce qu’elles ont des choses à dire.  C’est aussi ça le théâtre, donner la possibilité à une auteure interprète, aussi naturelle, juste et pudique que Laurence Sendrowcz de s’exprimer. Parfois, il faut oser parler de ses douleurs enfouies. Ce travail est salutaire pour nous adultes qui nous rappelons comment enfants nous tournions autour de l’arbre avant de recueillir au vol, ravis, l’une de ses feuilles. C’était un signe de bonheur.  

Evelyne Trân

Paris, le 27 Février 2011

 Mise en Scène de Xavier Jaillard
Du mercredi au samedi à 19 Heures et le dimanche à 15 Heures
P. S : VICTOR HAIM était l’invité de l’émission « Deux sous de scène » Samedi 19 Février 2011 que vous pouvez écouter et télécharger pendant une semaine sur le site de Radio Libertaire (Grille des émissions)

L’autre jour sur le quai du métro, cette fameuse ligne 13, nous étions quelques usagers à scruter patiemment le bout de nos chaussures lorsqu’est arrivé en trombe un individu hurlant à tue tête « Vous n’avez pas vu Marie, cette salope ? » Et tandis que le bonhomme continuait à raconter son histoire, une averse de mots, sans queue ni tête, nous sentions rougir le vase en porcelaine qui exprime en bouquet toujours la même face, et nous nous surprenions à rêver qu’au lieu de poser pour une nature morte, nous devions profiter de l’occasion pour rire sous cape, et tout en esquissant un sourire prudent « Quel toqué celui là » nous réjouir finalement de cette diversion spectaculaire et terrible.

Une goutte d’eau de verbes éméchés qui ne ferait pas déborder le vase de notre misère quotidienne, mais favoriserait l’élongation de quelques sketches à la Coluche, de grimaces à la Louis de Funès, nous pousserait même à boire l’eau du vase qui a stagné pour dégourdir notre sang impitoyable.

Victor Haïm, acteur et compositeur ne se paie pas de mots, il découvre le bonheur de jouer un chef d’orchestre comme un enfant. Il se sert de son texte comme d’un paillasson pour nous en faire respirer la poussière devant un public imaginaire mais infaillible.

Nous assistons à l’histoire d’un bout de sparadrap, qu’on vient de scier au bout de son rouleau, un infime bout de sparadrap qu’on imagine sale, veule, et qui porterait la carte d’identité, carte géographique, code génétique, code à barres de n’importe quel individu. Mais un bout de sparadrap qui baille, qui éprouve soudain la liberté de dire, dire tout ce qui lui passe par la tête, devenue furieuse parce qu’elle vient d’être sciée et qu’elle sait,
se souvient comme Fernandel ‘ « Tout condamné à mort aura la tête tranchée ». C’est aussi ridicule et obscène que cela, la révolte d’un quidam qui assure qu’il est un personnage pris au piège de la colle du pansement et qui hurle pour laisser entendre sa hargne, étouffée pendant des lustres. Un personnage aussi pitoyable que l’employé du sous-sol de Dostoïevski, grotesque, qui tirerait en vain les larmes d’un idéal enfoncé dans la vase.
Si nous découvrons le pouvoir qu’ont les mots de rejaillir à travers notre bouche, pour nous rendre ridicules, il faut les remercier, ces mots au bout d’une canne à pèche, grouillant comme des petits monstres, capables de chatouiller les peaux mortes de l’épiderme. Faire pousser une insulte, oser sortir un mot n’est ce pas, « Mais cachez donc ce sein que je ne saurai voir ! » s’exclame Tartuffe.
A l’arrivage, les mots ne sont plus comme des poissons dans l’eau, il revient au poissonnier d’assister à leur mine piteuse sur l’étalage et aux clients de les acheter pour les manger. C’est prosaïque, une leçon de choses pour bambins de l’école primaire.
Très intéressant, des mots tout crus. Ca sent le collier des mouches crevées que la comtesse de Ségur accrochait au cou de la vilaine Sophie.

Victor Haïm est un très bon acteur, doublé d’un auteur indomptable. Le personnage est créé, il lui reste à prendre la patine du temps pour faire palper davantage l’inquiétude, les éraflures, d’un sparadrap exaspéré qui prend Beethoven pour témoin de son décollement expansif.

Victor Haïm, chef d’orchestre de voix blessées, sous le masque de la fureur. C’est un petit périple auquel s’associe très heureusement la mise en scène tout en veilleuse de Xavier Jaillard. Un voyage poignant qui nous donnerait l’envie d’ouvrir une porte dans le mur qui borne la scène et même de répondre, nous spectateurs, aux invectives de ce monstre.

Paris, le 12 Février 2011

Evelyne Trân

A l’occasion du nouveau spectacle de Vanina Michel,
nous avons décidé de republier un entretien avec Vincent Jarry, paru dans  » Rue des Poètes  » n°36-37 en Septembre 1999.

VANINA MICHEL Entretien avec Vincent Jarry

Oui, j’ai joué dans Hair: on appelait ça la vedette, c’est à dire que j’avais le rôle principal féminin. C’était Julien Clerc qui tenait le principal rôle masculin.
En fait, c’était un accident de parcours.
On sortait de mai 68. On faisait une tournée sur Molière dans tout un tas d’Universités aux Etats-Unis.
Et Hair, c’est un spectacle qui m’a bouleversée, je venais du Théâtre National de Strasbourg et j’en ai vu une représentation à New-York et tout y était réuni dans cette pièce: le politique, l’anti-guerre du Viêt-Nam, l’anti-rêve américain, le mouvement hippie.
A la rentrée, j’allais m’inscrire à l’école américaine. Quinze jours avant, j’ai vu que ça allait se monter à Paris. J’ai été voir le metteur en scène. Je lui ai demandé pourquoi mai 68, je lui ai dit que la guerre du Viêt-Nam, ça n’était pas la guerre d’Algérie. Que ce n’était pas possible de monter un spectacle comme Hair à Paris. J’étais une petite bourgeoise révoltée.
Le metteur en scène, Bertrand Castelli, m’a dit:  » Viens voir en coulisse ».
Les acteurs qui étaient là, c’était n’importe qui en marge du showbiz, à part Julien Clerc. Mon école, ça ne va pas être l’école américaine, ça va être là. J’ai appris à inter-changer les rôles.
Le jour même, j’ai signé un contrat, sans audition, c’était une chance exceptionnelle.
Ca a détourné toute ma vie de l’idée que le théâtre conventionnel est différent du showbiz, lequel serait le diable. J’ai refusé des contrats, avec Barclay etc. Il y a un petit jeune homme, Michel Berger avec lequel j’ai fait mon premier quarante-cinq tours.
Toutes ces rencontres ont l’air d’être le fait du hasard. Mais il y avait la détermination à rester moi-même.
Avoir vingt ans et être payée pour suivre une école de théâtre, c’est un rêve… Mai 68, tous nos espoirs….Les gens qui étaient venus pour le scandale de la nudité en sortaient bouleversés. Il y en avait qui revenaient dix, vingt fois. Ca a changé des modes de vie. Ca faisait des remous dans les cerveaux. Pendant deux ans, ça été une école extraordinaire. Et j’ai été payée pour cette école.
Et puis, dans cet instant privilégié, j’ai rencontré tous les gens du métier.
Dans ces gens là, il y a des stars qui m’ont confortée dans le désir d’humilité, de ne pas être une star, comme Jean-Louis Foulquier. Des gens de radio. On voit, vingt ans après, ceux qui sont résistants. Qui font dans la durée: ça, c’est très précieux
Le showbiz, c’est comme une prison dorée, je préfère rester égale à moi-même et je n’ai aucun complexe vis à vis des stars.
Le premier mai 69, je me suis dit: « quoiqu’il arrive, dans deux ans, je m’en vais le premier mai 71: je n’avais pas envie de devenir fonctionnaire du Théâtre de la Porte Saint Martin. J’en aurais eu pour huit ans.

Ca m’avait éloignée de ma famille théâtrale. C’est à chaque fois un recommencement.
Après Hair, on faisait peur, on était considérés comme des amateurs drogués. Je me suis retrouvée coupée de la famille du théâtre, j’étais condamnée à jouer la hippie de service alors que j’avais plutôt envie de jouer Antigone.
Dans l’urgence pour bosser, je me suis retrouvée avec Alain Barrière à faire une tournée au Québec, puis à l’Olympia. Je me demandais ce que je faisais là.

Et puis, j’ai rencontré Bernard Lubat. Ca été une rencontre extraordinaire, une histoire d’amour, je crois. C’était au Théâtre Mouffetard.
C’était des improvisations tous les soirs, en 72. Il y avait des danseurs: Carolyn Carlson… Norbert Letheul… cent-vingt kilos… des impros sauvages…
Des ateliers sauvages, des chocs de culture: du rock, du jazz, de la musette des impros…
Le Festival d’Uzeste, on l’a créé ensemble. Avec Jean-Louis Chautemps, Jacques Guy Donato.

Lubat accompagnait Vassiliu et on a tous joué avec Vassiliu. D’abord au Théâtre de la Roquette puis ensuite à l’Olympia.
C’était un spectacle autour de la bouffe. On avait toutes les libertés d’impro. Il y avait Dick Annegarn aussi. On était là pour foutre le bordel.
C’était à nouveau une école. C’était très éprouvant: il était interdit de refaire ce que l’on avait fait la veille.
C’était toujours sur la corde raide, c’étaient des spectacles où on se mettait en danger.
C’était une remise en cause perpétuelle: sur scène, il fallait réattaquer avec autre chose.

Mais il y avait la contrainte des expériences collectives.
Parallèlement, j’avais besoin de me retrouver toute seule
Le besoin du théâtre ne m’avait pas quittée.

Alors, j’ai rencontré un auteur dans la rue: Jean Sur, un professeur de philo. Ca a été une rencontre flash: dix ans de collaboration.
Il m’a écrit dix pièces sur mesure. La première, c’était « Solo pour Vanina ». Il l’a écrite en trois semaines.
J’aimerais jouer tous les personnages, retrouver mon identité. Retrouver mon identité à travers tous les masques du théâtre, le tout relié par des chansons.

« Solo pour Vanina » explore « J’te cause comma’ j’te cause ». C’est en porte à faux, un texte très écrit, pas à la mode.
J’ai tout fait moi-même : producteur, metteur en scène, la musique, la postproduction. Je l’ai même joué.
J’étais comme une espèce d’OVNI dans l’univers du Café-théâtre.
Je suis passée au Festival du Marais, au théâtre Campagne Première, au Festival d’Avignon.
J’ai tourné dans toute la France, en Algérie, en Tunisie. Avec ma voiture et mon piano numérique. J’ai improvisé des lieux.
En dix ans j’ai fait trois one woman show.
Le « fer à cheval irlandais », je l’ai tourné partout. C’est une métaphore sur les paquets qu’on trimballe partout et qui sont tous des métaphores philosophique, dont ce fameux fer à cheval irlandais. C’est à la fois tragique et burlesque.

Canetti?
Je fais un one woman show avec des auteurs comme Roland Topor, Philippe Madral, des auteurs de théâtre… J’ai monté mes premiers de chant dans les années 80. Et puis je me suis dit: « maintenant, je suis prête pour un disque.
J’ai invité des producteurs au Studio Bertrand. Le seul qui soit venu, c’est Jacques Canetti, le patron des Trois Baudets (qui a lancé Brel, Brassens etc. N.N.L.R.) J’étais engagée le jour même pour un spectacle sur Boris Vian. Rapidement, il a vu que je savais tout faire. Pendant dix ans j’ai été son assistante et la réalisatrice de tous ses disques, jusqu’en 92. On avait la chance d’être voisin à Boulogne. C’est l’époque où j’ai fait un enfant. Non, il n’est pas de lui (rire).
On a arrêté à cause de Prévert Je lui ai commandé le disque que je sors aujourd’hui. Nous n’avions pas le même point de vue sur Jacques Prévert.: je pensais que Prévert travaillerait actuellement avec des interprètes présents: les Rita Mitsouko, Léotard, Gérard Depardieu, Renaud, Jeanne Moreau.
Il y a eu conflit soit sur le fond, soit sur la production. Peut-être qu’il n’avait pas envie…
On s’est fâché à cause d’Arletty: je l’avais convaincue d’enregistrer un disque et Canetti n’a pas suivi.
Alors, j’ai été chez Salabert dont Virgin possède 8% et là, j’ai pu réaliser mon travail sur Prévert.
La séparation d’avec Canetti a été douloureuse. Nous étions plus que copains: c’était comme un père spirituel. Mais nous étions deux têtus; Nous avons un grand respect mutuel. Des Canetti, je n’en ai jamais retrouvé. C’est un personnage important. C’est comme les parents avec lesquels tu te fâches: tu continues à les aimer et puis tu les retrouves.

Dix ans ont passé, j’ai fait ce CD qui s’appelle:
« Beauté souvent j’emploie ton nom
Et je travaille à ta publicité
Je ne suis pas le patron
Je suis ton employé »
sur des inédits de Prévert.

Cela fait sept ans que je suis chez Salabert (grande maison d’édition musicale présidée par Landowski, ancien président des JMF et, lui-même compositeur renommé N.DL.R.) comme cadre supérieure hors cadre: j’y défends le point de vue des auteurs-compositeurs.
J’ai été engagée pour révolutionner l’ensemble grâce à mon expérience artistique. Mais quand on fait bouger, on dérange: je n’ai pas le profil cadre de bureau.
J’ai essayé d’inventer des promotions et des nouveautés.
Mais une entreprise n’aime pas trop que ça bouge: il y a la hiérarchie.
(Rire: Vanina remarque le frontispice de la dernière de couverture de « Rue des Poètes » où ça parle de création et de hiérarchie, phrase signée de Henri Laborit)

Donc ce CD, il y a donc des inédits de Jacques Prévert. J’ai fait la musique avec Jean Chabot et c’est distribué par Scalen.
Pourquoi Prévert? Parce qu’il fait partie de ces auteurs qu’on croit connaître alors qu’on n’en connaît rien. J’avais envie de le sortir du tableau noir de l’école, d’où ces inédits en espérant que ça donnera envie de ré ouvrir ses livres. C’était un auteur généreux;
Il n’a pas été mis en musique depuis un demi-siècle
Ces textes sont en prose ou en vers.
Ca donne autre chose sur scène.
Il a fait du rap avant tout le monde: le Groupe Octobre, c’était génial.
Il a traversé ma vie et ça me poursuit: c’est comme ça.

(Propos recueillis par Vincent Jarry) »

La vie n’a pas d’âge » à la COMEDIE NATION – monologues de femmes et chansons manifestives avec en alternance :
Denis Van Hecke ( violoncelle etc ) Pierre Heiss (basse) Hervé Queudot (piano)
jusqu’au 6 Mars 2011 Vendredi et samedi 21 H , dimanche 17 H.
77, rue de Montreuil PARIS 11ème Métro NATION

Vu de la berge, le bateau de Philippe Jarry, c’est celui dont l’arrière est prétexte à amoncellement d’objets tous formats: on dirait le coffre ou le toit d’une 2C.V. un jour de départ en très grandes vacances. De plus près, ça se révèle être des sculptures sur bois, sur pierre. On hèle le patron du Hamlet: il émerge, barbe à la Hubert Reeves ou, au moins, Hemingway, regard Victor-Hugolien-de-la-maturité. « Bienvenue sur la galère! Moi je suis sur la galère. »
Il nous fait les honneurs du cadre: les contreforts de l’ancienne Bastille, inclus dans le quai.
« Si on a libéré 12 malheureuses victimes des lettres de cachet, aujourd’hui, on a fait largement élargir les systèmes de carcération (…) Ce qui fait marcher le bateau, c’est l’équipage: c’est la mémoire des peuples qui est la plus forte.
On a compris que pour lui poser des questions, il faudra attendre.Esquisse de Philippe en Jarry:

« J’haricot vert,
J’arrive à l’heure,
J’arrive à temps,
Ca, j’aime mieux parce que: Jarry?… Va-t’en »

Philippe sur un mode
vaguement polémique:

 » Paris, capitale colonisée de l’hexagone ne peut plus être que la « mer-de »… des arbres (rire): les arbres s’épanouissent étroitement encadrés par le culturel, le spirituel et l’intérieur… en hexagonie, les tentatives de création artistique expirent, sauf si elles sont correctes. Et vive la république!

Philippe en vieux réac. (!)

« Moi, réac? »
…………………………………………………
« Il en faut… »
« Entre la mémoire de l’eau, de l’eau et des mânes, il est clair que les frontières dans leurs données de droit naturel tellurique sont plus fortes que la version officielle… »

Philippe, lors d’une pause:

« Tu sais, l’amour, c’est idiot; c’est vraiment un piège fabuleux, c’est bon… quand ça passe? »
(Appréciation de la Rédaction: « ah, bon? »)

Philippe et le discours

« Je suis bavard, hein? »
Il sourit, mi-inquisiteur mi-ravi.
Nous (Poèmes en Gros & 1/2 Gros):
« Oui, sinon on ne serait pas venus te voir. Bavard? On serait tenté de dire: disert – Selon le dictionnaire, disert : qui parle avec facilité et élégance.
L’élégance permet à Philippe de manier la provocation de manière quasi-aristocratique, terme que Philippe n’aimerait probablement pas.

Philippe sur un mode désabusé:

« J’ai fait le point de la disponibilité du monde qui est censé s’occuper des arts en général; ce sont des fonctionnaires… Ils travaillent sur ordinateurs. L’Imaginary Business, l’accélération des générations des hard, le soft, c’est censé être nous.
On prend les gens pour des cons, on les fout dans des folies, on leur pompe la moelle, on les frustre à mort et de leur douleur, on essaie de sortir des élans lacrymaux qu’on peut exploiter derrière le mur.
(…) S’il y a des gens qui sortent du lot, la machine à surfer, elle est prête et dans les moins de 5 ans qui suivent, ils sont ou récupérés ou rentabilisés, ou vidés de leur substance… »

Philippe en optimiste:

« Il y a toujours un cas qu’on peut citer qui est l’alibi du reste. »
« Ca a un côté « Singe en hiver », vieux qui est resté naïf et con et qui a quinze ans.
« Peut-être que je suis un lunaire… »
(N.D.L.R.: à rapprocher des propos tenus par Philippe lors d’une pause.)

Philippe à propos de Philippe

Ecrire, peindre, faire de la musique, ça m’intéresse dans la mesure où, quelque part, je trouve un bunker tourné vers l’Atlantique et tournant le dos à tout ce qui est construit et qui a des oreilles. »
(N.D.L.R.: Philippe écrit aussi, il a écrit mais bon…)

Philippe artiste-artisan : rétrospective

« J’ai eu de bons profs de dessin quand j’étais gosse. Dans les pays où j’ai voyagé, j’allais en priorité dans les galeries, les musées, les zoos.
J’ai une pinacothèque imaginaire.
Comme j’étais praticien autodidacte du spectacle, j’ai travaillé avec un nombre de peintres, artistes, connus ou moins connus, considérable.
J’ai eu, tout le temps, à faire des objets avec mes mains, parce qu’on fabrique des accessoires: on est technicien tous matériaux… Je sais aussi bien forger que souder, qu’assembler du métal ou me servir du plastique. »

Philippe: Rencontres on dirait : déterminantes.

« J’ai été sourd dans mon enfance. On m’a fait 17 para-synthèses. C’était la guerre, le froid, le déménagement.
La surdité? L’horreur ! Je voyais le monde comme quelque chose de méchant. J’ai gardé une surdité autiste. J’étais rêveur: j’ai fais onze boites en dix années d’études. J’étais un lecteur fou.
Ensuite? Etudes de droit et langues O. Pour vivre, je complétais en faisant de la régie de cabarets, de théâtre, des frimes.
Jean Rougeul (un des fondateurs de la Rose Rouge, de la Galerie 55, cabarets fondés dans les années cinquante, ami autant de Léo Mallet que de Fellini, professeur de Théâtre, entre autres de Laurent Terzieff (N.D.L.R.) a été hébergé à la maison: c’est lui qui m’a ouvert les portes. J’ai rencontré Michel de Ré…
On avait monté le Club de la Comédie avec des copains. C’était une coopérative, on se cotisait pour payer les profs.
Guerre d’Algérie. Je suis à la frontière tunisienne. Cinquante degrés à l’ombre. J’avais essayé le théâtre aux armées mais pas moyen.
Revenu en France, les copains ne m’avaient pas oublié. J’ai été embauché par différentes compagnies: Karsenty etc. »

Suit une liste de comédiens et metteurs en scène avec lesquels il a travaillé: Ginette Leclerc, Jacques Daumesnil, Popesco, Vilar, Mondy. Puis une autre liste, celle des pays où il a tourné: Amérique, Canada, Antilles, Afrique du Nord, Afrique noire, U.R.S.S., Pologne, Ukraine, Caucase.

J’étais logé comme technicien et je faisais l’acteur. En 1970, j’avais fait mon compagnonnage complet: tous les métiers du métier: meubles, direction d’acteurs, scénographie, musique…
J’ai toujours été un hussard débroussailleur. C’est épuisant. Maintenant, dans ce métier, les gens ont le sens du business.
« Le théâtre n’a jamais été fait par des béni-oui-oui et des lécheurs de bottes. »
Philippe peintre et sculpteur:

 » Il y a 1.200 jeunes peintres au R.M.I. à Paris aujourd’hui, alors !
Je ne peux pas tout raconter. Quand je suis à pleurer pour avoir un atelier pour sculpter…

(Avis à tous: Philippe cherche un atelier pour sculpter. En province aussi.
Si vous avez, contactez le au 06.68.18.19.36.
ou allez le voir sur son bateau Hamlet au port de plaisance de DRAVEIL.

« Ce qui serait intéressant, c’est de noter le groupe en pierre que j’ai perdu dans le Rhône en 1996. Après, sur un autre quai, on m’a fauché une tête de femme.
(Remarque sur la tête de femme:)
Cette statue était inachevée. Vincent Jarry qui a eu une maison brûlée avec presque toutes ses affaires manuscrits nous a raconté que ce qui l’avait le plus dérangé, fait sauter dans son lit, c’était les manuscrits inachevés qu’il ne pouvait pas terminer. Pour Philippe, ça a été pareil: il n’a pas pu peindre, sculpter ou même écrire pendant six mois. Si l’emprunteur(r) (se) pouvait lui rapporter sa sculpture, ça serait preuve de considération pour ce qu’on appelle les œuvres artistiques et la sensibilité de l’artiste.
Tristan Boudu)
Philippe nous raccompagne sur la berge; le ponton tangue vaguement; nous aussi: l’entretien avec le nautonier débonnaire, vrai-faux anar, Neptune triomphant et sculptant a été tonique. On regarde sa montre: « Bigre!… »
Bavard? Vous aviez dit: bavard?

Entretien de Marie Ordinis

PS : Philippe JARRY a installé, désormais sapéniche à DRAVEIl, si vous souhaitez voir ses oeuvres, vous pouvez le contacter au 06.50.56.23.93

 

A l’espace Landowski du 18 Janvier au 13 Mars 2011
à Boulogne 28, Avenue André Morizet. Métro Marcel Sembat. Entrée libre du lundi au Dimanche de 8 H à 20 Heures
Performance le mercredi 23 Février à 16 Heures

Je viens de participer toute ouïe et œil confondus à une expérience tout à fait enchantante. Cela s’appelle une « Performance ». A l’occasion de l’exposition de ses œuvres au Centre Landowski de Boulogne ce Dimanche 6 Février 2011, Xavier Devaud a organisé pour les visiteurs un spectacle où se conjuguent sous le regard ébahi du public, la parole, le chant, le geste, le souffle de la kora et de la flûte et la crépitation de sa plume, en la circonstance, un gros feutre noir. Xavier Devaud n’est pas seulement, peintre et dessinateur, il est aussi comédien. Nous savons bien que les arts communiquent entre eux, que les couleurs peuvent être musicales, l’écriture une danse, la peinture une forme théâtrale. Mais il faut les voir vivre ensemble, ces différentes expressions. Nous avons donc assisté à un concert, au cours duquel, deux musiciens du Mali et du Burkina, inspirés, un slameur, une slameuse, et un dessinateur, s’inspirant les uns les autres, nous permettent d’assister à la naissance d’un tableau.
Alors ce n’est pas tant le résultat de l’œuvre qui s’affiche devant nos yeux qui nous bluffe, c’est le sentiment de la puissance incantatoire des instruments de voix qui laisserait sans voix le tableau lui-même comme un chemin parcouru nous invitant, à ouïr, à nouveau, un peu toujours au dessus de nos têtes.
Le slam se situe à mi chemin entre la parole et l’incantation, les mots ne sont plus des abstractions, ils deviennent démonstratifs, vivants. De la même façon que les cracheurs de feu nous subjuguent, les slameurs sont des cracheurs de mots pour nous faire découvrir tous les éléments de nature qu’ils contiennent : feu, sable, terre, mer etc.
Que le fait de dessiner puisse devenir un spectacle, c’est étrange et aussi très émouvant. Comment sous la poussée d’un feutre noir voyons-nous apparaître un visage ? Nous pouvons dessiner en marchant, et penser en visages. Il y a une farandole de gestes que nous commettons chaque jour qui feraient de nous des êtres plus aériens, des êtres à mi chemin entre l’oiseau et l’arbre qui auraient fusionné pour devenir des hommes.
Cette question de l’être, Xavier Devaud la pose, sans extravagance, il l’exprime à travers le champs de couleurs où s’exaltent inconsciemment pour nous, les présences en soi plus que des paysages, celles des esprits des mers, socles de montagnes, ciel et soleil qui font partie de notre environnement. Parce qu’il y a la douleur de l’impression, parce qu’un artiste peut récolter un visage sous l’arête d’une pierre à l’intérieur d’une flaque. Parce qu’il peut se demander comment, il est visage à travers l’eau, le bitume ou la mort.
C’est sans doute que toutes choses dévisagent l’artiste au point de le submerger qu’il risque sa campagne et qu’il s’entend dire, cette famille parle, parle tant que pour la contenir, je dois l’apprivoiser.

Famille de corps qui hanteraient les mers, le silence des abymes, le joug de la durée, devenues bavardes par l’entremise d’un acteur qui deviendrait leur serviteur.

Les choses nous pensent-elles, les montagnes ne se nourrissent-elles pas de notre éphémère ? J’ai toujours pensé qu’un tableau était vivant; comme une impression est susceptible de vous engloutir, elle est par cette fonction même capable de nous éjecter. Emportés par une vague, voilà que nous pouvons nous retrouver devant cette même vague.

La contenance d’un artiste face à son œuvre, c’est quelque chose d’impressionnant. Il n’y a pas de linceul de mots pour recouvrir leur silence, sous la craie.

La peinture de Xavier Devaud m’apparaît extrêmement pudique. Serviteur d’impressions, il peut les prolonger au-delà du discours pour devenir l’ailleurs du peintre, cela qui reste en suspension, qui s’offre au spectateur, car il y a toujours une question d’offrande ou de soi vis à des autres ou des autres vis-à-vis de soi.

Je ne peux pas décrire les peintures de Xavier Devaud, je sais qu’il faut les voir.Pour donner cette envie aux futurs spectateurs, je dirai simplement que ces tableaux sont aussi présents que des visages poussés au creux des vignes, tels des apparitions, capables de bousculer notre regard un peu trop lisse. Chez lui, la poésie se fait pleine terre pour exprimer la matière des corps en mouvement. Une matière annonciatrice d’esprit.

Paris, le 7 Février 2011

Evelyne Trân

Entre ciel et chair au théâtre du Lucernaire, d’après « Une passion » de Christine Singer Mise en scène Clara Ballatore
Du mardi au samedi 18 H 3O, durée 1h 05

Entre ciel et chair, à l’entrée du cimetière du Père Lachaise se dresse, parait-il, le tombeau d’Héloïse et Abélard, deux figures mythiques du moyen âge, auréolées par leur histoire d’amour tragique, plus sulfureuse encore que celle de Roméo et Juliette ou de Tristan et Iseult. Je pourrais faire grincer quelques esprits chrétiens par l’utilisation de ce mot sulfureux mais je choisis de me placer du côté du profane et ceci sans remords, sinon comment oserais je au milieu des touristes traverser les allées d’un cimetière. Je préfère l’affirmer, nous spectateurs quand nous entrons dans une salle de théâtre, nous sommes des touristes et des voyeurs animés par une saine ou malsaine curiosité, allez savoir.
Cette histoire d’amour entre un professeur et une jeune fille,
somme toute banale, ne serait pas arrivée jusqu’à nous si par un fâcheux concours de circonstances, le héros n’avait été victime d’une ignominie qui a occupé l’esprit du savant Freud, la castration. Lorsqu’on sait que le héros était lui même réputé en tant que théologien, comment s’étonner que cet événement puisse faire l’objet d’une autopsie de la part de ceux mêmes qui se trouvent exemptés, croient-ils de ce combat infernal entre la chair et l’esprit. Il n’y a rien de plus sérieux que la chair. Qu’elle nous fasse sourire ou qu’elle nous fasse rêver, c’est tout même grâce à elle que nous pouvons affirmer notre existence, c’est une vérité de la Palisse. Qui veut faire l’ange fait la bête disait Pascal, un autre théologien. Faudra t-il donc marcher sur des charbons ardents pour parler de cette chair sacrifiée, qui devient irrespirable lorsqu’on songe à tous les sacrifices humains qu’elle répète au nom de ses croyances qu’elles soient religieuses, éthiques, cyniques, ou malvoyantes.
Le langage que prête Christine Singer à Héloïse a des accents très modernes. il s’agit d’une confession de femme, une femme qui magnifie sa vision de l’homme pour curieusement s’en éloigner, de façon à faire rejaillir sa propre essence. Son discours a cela de savoureux qu’il prolonge cette distance entre ces entités l’homme et la femme que seul l’accouplement permettrait de fusionner.
Parfois, cela parait évident de rejoindre son identité de femme ou d’homme. Héloïse parle-t-elle en tant que femme ? On pourrait croire qu’elle parle seulement en tant qu’être humain. Un humain devenu le sujet d’une cicatrice, parce qu’il n’a pas de
bourses apparentes, qui configure l’homme castré, et devient sa voie féminine. Héloïse implicitement parle à la place d’Abélard que plus rien ne la différencie d’elle puisqu’il a été châtré.
Il faut bien le dire, elle est pâlotte cette place laissée au personnage d’Abélard; il ne sert qu’aux invocations d’un amour sublimé parce qu’absent. Abélard devient prétexte à l’expression de ses propres tourments. N’eût-il pas existé qu’il eût fallu l’inventer. Héloïse ne se remplit que d’elle-même, enrichie par cette nouvelle liberté que lui apporte l’isolement, la solitude. Ce n’est pas que ses plaintes à l’encontre d’Abélard sonnent faux, c’est qu’elles amplifient la vision d’un Abélard impuissant aussi bien physiquement que moralement, un Abélard prisonnier qu’elle s’exhorte à magnifier pour contenir et supporter sa propre condition. L’amour grandit et tout le combat d’Héloïse, c’est de le faire exister puisqu’il été cruellement châtié.
C’est dans ses propres émotions qu’Héloïse puise son énergie. Le silence d’Abélard lui sied, il est commode qu’il ne réponde pas à ses plaintes. Ainsi, elle peut prendre la parole, la faire retentir et bien qu’il s’agisse d’une liberté isolée, c’est une liberté qui lui permet de se découvrir elle, bien plutôt qu’Abélard, avec ses mots puisés dans sa proche chair, de ces sortes de mots qui comme des fruits ont mûri et que n’aura jamais connu et sans doute pas désiré Abélard, amoureux d’une jeune fille en fleur mais pas d’une femme.

La mise en scène fort sobre nous donne l’impression d’entrer
dans une crypte. Nous ne sommes pas au Sacré Cœur, mais presque et Héloïse est revêtue d’une superbe toge de nonne. Dans cet espace un peu confiné, un seul regret c’est que la musicienne Birgit Yew et Héloïse ne communiquent que par l’entremise du violoncelle

L’interprétation d’Héloïse par Christine WILLEMEZ est tout à fait vibrante. C’est une Héloïse sympathique alors même que ses propos, à l’égard de l’histoire qu’ils relatent restent très lourds,
presque trop matériels, mais ce contraste entre la puissance du verbe, et la fragilité de celle qui s’en habille, a des résonnances sinon mystiques, des résonnances humaines, trop humaines.

En ce sens, ce spectacle ne s’adresse pas uniquement aux sensibilités chrétiennes, mais à tout un chacun entre ciel et chair.
Un poème en chair !

Paris, le 5 Février 2011

Evelyne Trân