Avec : Tony Harrisson

Imaginez un homme en captivité que la souffrance a envahi au point qu’il se sait coupé du monde, des autres vivants, un homme exténué qu’un autre viendrait interroger pour recueillir ses impressions. Il est vraisemblable que l’homme exténué lui répondrait « Je crains de ne pouvoir vous répondre, je vais mourir sur place »

N’être plus qu’un numéro, se retrouver dans la situation d’un animal mené à abattoir, ou celle d’un esclave considéré uniquement comme un outil, une main d’œuvre, quel homme, quelle femme peuvent survivre à cette épreuve de déshumanisation? Même le sort du bétail mené à abattoir paraît plus enviable parce qu’il ne s’agit pas de le faire souffrir inutilement.

Primo LEVI, juif italien, était jeune lorsqu’il entra dans le camp de concentration d’Auschwitz . Il raconte « En même temps que la peur , la faim et l’épuisement, je ressentais un besoin extrêmement puissant de comprendre le monde qui m’entourait »

Il déclare aussi qu’Auschwitz était l’œuvre des hommes, et « que nous sommes des hommes; il est le fruit d’une philosophie de l’occident à laquelle nous avons tous apporté notre contribution, à laquelle nous avons collaboré d’une manière ou d’une autre »

Il s’agit bien évidemment de considérations postérieures à son expérience du camp . « Si c’est un homme » dont le titre est tiré d’un poème, aurait été écrit à la hâte sur des bouts de papiers, en urgence, à son retour de captivité. Primo LEVI devenu en quelque sorte une référence comme témoin, grâce à l’audience de son livre, revînt sur cette version, des décennies plus tard, pour exprimer que l’écriture fut certainement moins spontanée.

A une journaliste qui lui demande comment il a pu psychologiquement revivre et exprimer par des mots une expérience « qui va si loin au delà des limites de l’humain et de l’imaginable », il répond qu’il a la sensation de « s’être lancé dans une entreprise à peu près impossible ».

Se considérant comme un témoin privilégié parce qu’il était chimiste, il rappelle que le destin du prisonnier moyen, « personne ne l’a raconté parce que pour lui, il n’était matériellement pas possible de survivre ».

« Ici, il n’y a pas de pourquoi » est inspiré de l’adaptation théâtrale de « Si c’est un homme » par Primo LEVI lui même et Pieralberto MARCHE.

Tony HARRISON co-adaptateur avec Cécilia MAZUR, comédien et metteur en scène s’est attaché a une version moins dialoguée et plus musicale avec le musicien GUITOTI dont l’instrument, le hang ponctuent les paroles de sonorités variées, fraîches et suggestives.

Tony HARRISON comprend que ce que le mots ne peuvent pas exprimer, le corps peut le suggérer. Nous assistons donc à une véritable chorégraphie qui n’entend pas seulement coller à la réalité sordide du prisonnier mais qui s’étend à la conscience du narrateur de « Si c’est un homme » ouvrant son espace de liberté et d’humanité au delà des barreaux extérieurs.

Dans la situation de l’enfermement, le prisonnier n’a d’autres repères que son propre corps, c’est lui qui parle de douleur parce que c’est elle qui l’envahit. Cette confrontation à la souffrance, la conscience du prisonnier ne l’épuise pas, elle paraît interminable elle la remplit de stupeur pendant les répits, l’interpelle sur ses facultés de bonheur pour un bout de pain, pour un sourire.

Le filet d’espoir c’est le dialogue entretenu entre le corps et l’esprit, ce même pont que veulent abattre les bourreaux, les tortionnaires, c’est aussi le regard porté de soi à l’autre. La réalité criminelle des nazis, c’était de n’avoir plus d’yeux ni d’oreilles pour voir et entendre un être humain parce qu’il était juif, tzigane, handicapé, homosexuel, dissident, marginal.

Grâce soit donc rendue à ce spectacle dont la beauté n’est pas gratuite, elle émane certainement du message même de Primo LEVI, humain, viscéralement humain, ouvert à tous.

Paris, le 15 Avril 2017                                 Evelyne Trân

N.B : Yvan NOGALES était l’invité de l’émission « Deux sous de scène » sur Radio libertaire 89.4 le Samedi 15 Avril 2017 (en podcast sur le site grille des émissions Radio Libertaire pendant un mois)

 Le Théâtre TRONO a été fondé par Iván  NOGALES à la fin des années 80, lors de la dictature militaire de Luis Garcia Meza  à EL ALTO,  une cité ouvrière, la deuxième plus grande ville de Bolivie, voisine de la capitale LA PAZ,  située à 4000 mètres au-dessus du niveau de la mer.

Les premiers artistes étaient des enfants sans abri recueillis par Iván NOGALES alors même que les spectacles de rue étaient interdits.

 « Nous essayons de réclamer la démocratie à travers l’art » dit-il. C’est en quelque sorte  la devise d’ Iván  NOGALES .

Le terme Trono  en espagnol a  aussi bien le sens de quelque chose qui se brise que celui de trône. Dès lors, il est possible de se représenter l’artiste à la rue devenu Roi au théâtre.

 Aujourd’hui le projet de réinsertion sociale s’est étendu aux habitants d’EL ALTO offrant une grande gamme d’activités culturelles.

La pièce à laquelle nous avons assisté « ARRIBA EL ALTO «  raconte la naissance de la ville, l’histoire d’amour entre Angel et Victoria et la grande révolte des citadins en 2003 « La guerre du gaz » lorsque le gaz fut vendu au Chili, qui se termina par la fuite du gouvernement en vigueur aux Etats Unis.

Tambour battant, vêtus de costumes chatoyants et de masques de carnaval, les artistes donnent le ton, dès leur entrée sur scène, de leur débordante énergie.

Leur théâtre très expressif, privilégie la pantomime, la danse, la musique traditionnelle avec les percussions  sifflets, flûtes de pan etc. Les spectateurs assistent à des scènes jouées dans la rue qui demandent aux artistes une agilité extraordinaire pour se faufiler dans la foule ou sur les trottoirs.

Les différents tableaux qui conjuguent événements dramatiques et vie quotidienne, se succèdent de façon vertigineuse, sidérante.

Vraiment un magnifique spectacle que nous recommandons de tout cœur tant il est exceptionnel. Il va sans dire que les enfants des rues qui sont à l’origine de la compagnie sont aujourd’hui des  artistes accomplis et que c’est la quintessence de leur art qu’ils ont choisi d’offrir au public français.

 Paris, le 11 Avril 2017                    Evelyne Trân

Une véritable gageure que celle de monter Les Misérables au théâtre, cet imposant roman de plus d’un millier de pages !

L’œuvre a frappé les esprits jusque dans les colonies françaises. Au Vietnam, par exemple, la religion caodaïste vénère l’écrivain comme un Dieu tant il est vrai que la misère est un thème universel.

L’écolier qui a appris à lire en se penchant sur une version édulcorée d’un épisode du roman témoignera des longues heures où son regard restait fixé sur la main de Jean Valjean soulevant le seau de Cosette, laissant ensuite papillonner son attention sur le texte.

Quant à la collégienne qui tenta en vain de rédiger une présentation de l’oeuvre gardera le souvenir cuisant du jugement du professeur « Artificiel, Mademoiselle ! ».

Ni l’écolier, ni la collégienne n’avaient lu dans son intégralité l’oeuvre et pourtant ils croyaient la connaitre, les personnages de Cosette et de Jean Valjean, ils les entendaient au plus profond d’eux mêmes. A 7 ou 14 ans, l’injustice, la misère, le désespoir pouvaient résonner dans leurs jeunes consciences. Quand il faut parfois des kilomètres de phrases, de pensées pour atteindre une vérité, c’est à dire quelque chose qui impressionne aussi bien l’âme que le corps, il suffit d’une vision, d’une apparition pour troubler l’esprit.

Rendez-vous compte, les héros du roman sont vraiment des Misérables, ils s’appellent Jean Valjean, Cosette, Madame Thénardier et il est toujours possible de s’y identifier . Mais ils sont plus que misérables, ils ont du caractère !

La mise en scène de Manon MONTEL est essentiellement illustrative, elle gravite autour des personnages comme si elle était en train de les peindre au pinceau, chacun est porteur de son histoire, chacun doit affronter un autre avec ses propres secrets dont seuls les spectateurs ont la teneur.

Les tableaux d’une véritable beauté (Il faut saluer les costumières) palpitent sous une lumière très maîtrisée mais les personnages transpirent néanmoins jusqu’au bout.

Note surprise, dans cette version des Misérables, une Thénardier, âme damnée du roman qui joue de l’accordéon et tient lieu de narratrice.  Sa vivacité fait avancer chacun des tableaux chargés de concentrer en un heure et demie ce roman prodigieux.

Tout public, le spectacle servi par d’excellents comédiens devrait impressionner particulièrement les jeunes spectateurs. Mais les adultes aussi réentendront l’histoire avec plaisir. Et puis, ils iront se replonger dans le texte gorgé de pépites. Manon MONTEL nous tend une perche, c’est sûr, il faut relire les scènes les plus sublimes, la mort de Fantine, la rencontre de Valjean avec le petit savoyard et bien d’autres, elles sont irésumables !

Paris, le 8 Avril 2017                                        Evelyne Trân

De Dorothée Zumstein
mise en scène Marie Christine Mazzola // avec : Thibault de Montalembert // Sarah Jane Sauvegrain // Tatiana Spivakova.
Scénographie, Sarah Lee Lefèvre // composition musicale Benoit Delbecq //création lumière Pierre Gaillardot //

Site de la Charmante Compagnie : http://lacharmantecie.wixsite.com/lacharmantecompagnie

Crédit Photo : Gaël Ascal

Quel dramaturge n’a pas rêvé de convoquer sur une scène de théâtre ces chères âmes disparues.

Les écrivains quels qu’ils soient ne cessent d’entendre des voix. Elles s’imbriquent dans la constellation de leur mémoire, elles font partie du tissu intime de leur conscience. Mais en vérité, cela n’existe pas la mort même pour les personnes qui ne s’expriment pas à propos de leurs chers disparus. La mort d’une personne aimée opère une dilution du temps, éternise des sensations devenues vitales . Sans mémoire que serions nous, que signifierait notre personnalité ?

Les morts ne prennent pas la place des vivants, ils les accompagnent là pourrait-on dire, là où il n’y a plus d’objet entre eux et leur être-là, ici et maintenant.

La poésie ouvre la porte aux fantômes. Ce n’est donc pas un hasard si le héros de « Never, never, never » est un poète. Il y a chez le poète un besoin inextinguible de traverser les murs, les apparences et les mots forment ces briques de murs, le plus souvent comme repères car de la même façon qu’il est impossible de fixer du regard le soleil qui vous éblouit, vous ne serez pas tentés de vous laisser approcher par des esprits sauf en rêve. Votre moi trop affirmatif est de nature à décourager les âmes flottantes que vous imaginerez libres tout entières à elles mêmes, à leurs sentiments.

A la veille de recevoir un grand prix de poésie, Ted reçoit la visite de deux femmes qu’il a aimées et qui toutes deux se sont suicidées. L’une Sylvia a été célébrée comme poète à titre posthume, l’autre Assia qui n’a pas supporté l’ombre de cette rivale s’est éclipsée à son tour.

Nous n’entendons pas de pleurs dans cette tragédie. Sylvia et Assia sont toutes à leur bonheur, bonne heure, de pouvoir s’exprimer. Leur lieu de rencontre c’est Ted.

Ted, Sylvia, Assia forment un corps à trois, instrumental où l’amour se décline avec vivacité et sensualité chez Assia, avec mélancolie chez Sylvia, tandis que Ted souvent transi, subjugué, s’offre en résonance, seul instrument joué passionnément par deux femmes. Imaginons une contrebasse qui pense à travers l’archet de son musicien. Ted dispose de deux archets, il est poète, il est Orphée, Sylvia et Assia sont ses deux Eurydice.

Mise en scène de façon dépouillée et très suggestive par Marie-Christine MAZZOLA, superbement interprétée par Thibault de Montalembert,  Sarah Jane Sauvegrain  et Tatiana Spivakova, la pièce de Dorothée Zumstein résonne comme un magnifique concerto onirique où l’amour réunit les vivants et les morts tel un grand livre ouvert. « Il y a la terreur et l’élan, il y a tout » disent en chœur Ted, Sylvia et Assia . « La mort a déposé ses œufs dans la blessure ». Et ce sont des poèmes !

Paris, le 1er Avril 2017                             Evelyne Trân

Avec : Caroline Monnier, Laura Perrotte, Isabelle Seleskovitch

Elle n’est pas ligotée par son petit je, au saut du lit, elle aime être inondée, renversée par un rayon de soleil, c’est à peine si elle se souvient qu’elle a un mari, un enfant, elle a juste envie de se frotter les yeux, les mollets pour se dire « Aujourd’hui je suis libre ».

Chorégraphie incommode d’une plurielle de je ou d’une plurielle d’elles; la vérité c’est que cet en-tête invisible qui vous désigne femme avant que vous ayez pu dire oui, sollicite l’imaginaire d’une façon extravagante.

Quelle chance d’une certaine façon de ne pas savoir qui on est. Mais rassemblez donc vos esprits, Madame, essayez donc de vous souvenir, vous dites que ce n’est pas facile, appelez les donc à la rescousse vos elles que vous croyez infinies et ne vous découragez pas. La vie vous a mélangées, qui parle en vous ? L’enfant paresseuse, l’épouse mère aux petits soins du gosse et du mari, l’étudiante, la manifestante écolo, l’amoureuse fleur bleue ou la femme mûre qui impose le respect ? Vous dites que vous n’avez pas le choix, que vous voulez être toutes ces femmes puisqu’elles sont toutes en vous, que c’est pagaille, déchirements, la plupart du temps, que c’est vraiment le bouquet d’avoir à héler toutes ces elles, à vingt, trente, quarante, cinquante ans et ainsi de suite ! Pour découvrir que la personne que l’on voulait être, refuse toute définition et s’accommode en réalité tellement bien d’être plusieurs.

Votre désir de liberté, cette frange inouïe, mordue par les vagues, avait la langue venimeuse tandis que servile vous continuiez à jouer le jeu de la bonne épouse . Cette triste banalité vous a coupé le clapet, êtes vous sûre d’avoir pu abandonner mari et enfant, êtes vous sûre de l’avoir conquise cette liberté ?

Tout ça, c’est dans votre tête.Vous n’avez pas de morale, pas le sens du devoir, Madame sans tête, êtes vous encore sûre d’être une femme ? Ne seriez vous pas plutôt une sorcière ?

Elle multipliée par trois qui tiennent le pavé de la scène avec une fulminante frénésie, pour se dire, s’affronter, se découvrir, s’éclabousser, les yeux noyés de larmes et de rire.

Si vous invoquez l’esprit de l’eau, vous aurez l’idée de ces elles formidablement exprimées par les jeunes comédiennes galvanisées par cette étrange et originale symphonie de ce jeune auteur suédois, Jonas Hassen KHEMIRI. Éclaboussant spectacle !

Paris, le 26 Mars 2017                               Évelyne Trân

« L’histoire d’une femme qui n’en peut plus d’avoir à supporter une société d’hommes » C’est ce qu’a voulu écrire Pierre NOTTE. Toutes les femmes ne s’identifieront pas forcément au personnage qui n’a pas de nom, incarné par Muriel GAUDIN.

S’agit-il d’un transfert de féminité ? Paradoxalement, il y a des hommes encore plus sensibles que les femmes elles mêmes au machisme qu’elles subissent.

Il serait intenable dans la réalité de se focaliser de façon obsessionnelle sur le geste déplacé de quelques hommes vulgaires qui croient qu’en mettant la main aux fesses d’une jolie femme, ils affirment leur virilité. Le machisme est tellement véhiculé au cinéma, dans les western notamment, à la publicité, qu’il est en effet insupportable. Mais les hommes n’ont pas l’apanage du désir. Il y a des femmes qui souhaiteraient bien, elles aussi, mettre la main aux fesses de quelques mâles.

« Qu’attends-tu de moi » pourrait dire une femme à un homme et inversement l’homme à la femme. Identité sexuelle, identité morale, identité tout court !!! « Je suis une femme », « Je suis un homme » quelle déclaration d’identité ! Dans nos grammaires, la loi du genre continue à nous rappeler que le masculin l’emporte sur le féminin.

Sans conteste, Pierre NOTTE a capté cette émotion qui ronge beaucoup de femmes, le sentiment d’être brimé, humilié à cause de leur sexe. C’est leur identité de personne qui se révolte parce qu’elles se retrouvent face à un mur.

Il est salutaire de pouvoir exprimer un tel émoi.L’épreuve de l’humiliation concerne aussi bien les hommes que les femmes d’ailleurs. Sur le terrain de l’émotion, il n’est pas évident que les défenses individuelles se relâchent tout de go, mais cela peut enclencher une prise de conscience.

Muriel GAUDIN qui devient la porte-parole d’une émotion partagée par nombres de femmes et d’hommes est bouleversante.

Paris, le 26 Mars 2017                                 Evelyne Trân

Artistes : Moussa Kobzili, Véronique Gallet, Elena Canosa, Laurence Février, Catherine Le Hénan, Henri Gruvman

« Je suis Voltaire » fait évidemment référence au slogan « Je suis Charlie » .

En Janvier 2015, à l’annonce de l’attentat de Charlie Hebdo, l’émotion s’est répandue comme une traînée de poudre et dans son sillage, la figure de Voltaire qui possède son boulevard à proximité de la Place de République à PARIS, a resurgi brandissant  son traité sur la tolérance.

Parce qu’il n’est par mort Voltaire, loin de là, pour s’en convaincre, il suffit de se remettre à l’esprit cette citation :

« craignons toujours les excès où conduit le fanatisme. Qu’on laisse ce monstre en liberté, qu’on cesse de couper ses griffes et de briser ses dents, que la raison si souvent persécutée se taise, on verra les mêmes horreurs qu’aux siècles passés; le germe subsiste: si vous ne l’étouffez pas, il couvrira la terre»

Voltaire a écrit le traité sur la tolérance pour obtenir la révision de CALAS, victime de l’Inquisition. L’écriture peut servir l’action. A une époque où nous serions enclins à douter des discours politiques, nous voilà interpellés par la voix d’un écrivain engagé, il y a déjà trois siècles, contre le fanatisme.

Manifestement émue, captivée par le personnage, Laurence FEVRIER signe un spectacle très original qui invoque l’esprit de Voltaire, dans une étourdissante « chasse » à l’homme, histoire de s’assurer de sa présence là même où on ne l’attendrait pas.

Le moins que l’on puisse dire c’est que Laurence FEVRIER ne se soucie nullement de l’unité de temps, de lieu et d’action. C’est à une créature biblique féminisée Ezéchièle qu’il incombe de commenter les affairements de l’esprit, ses injonctions, questionnements, toujours à fleur de peau, car si nos conditions de vie ne sont pas comparables à celles du 18ème siècles, pouvons nous en dire autant de notre psychisme. A t-il vraiment évolué ?

Pourquoi Ézéchiel, cet ange « sacrificateur » ? Parce que cet anticlérical de Voltaire – nous l’apprenons par la voix de son amante exubérante Madame DE CHATELET éminente scientifique, traductrice de Newton – décortiquait la Bible pour mieux affronter l’Inquisition.

Bien vue, la scène entre l’ancien camionneur devenu professeur et tuteur d’une jeune fanatisée. Issu de l’immigration, il est fier d’être français et parle de Voltaire comme d’un ami, ce qui lui vaut les grimaces de sa protégée.

La pièce ne se veut absolument pas didactique. Elle fait la part belle à l’imagination, brouille les pistes à plaisir. Servi par des comédiens convaincants, le spectacle est piquant, instructif, il porte la trace de la fougue de Voltaire, de son esprit de liberté et de son incroyable actualité.

Paris, le 25 Mars 2017                                Évelyne Trân

texte et idée originale Emmanuelle Hiron
avec Emmanuelle Hiron
assistée par Nicolas Petisoff
collaboration artistique David Gauchard
régie lumière Alice Gill-Kahn

production L’unijambiste
avec le soutien de l’Ehpad Les Champs Bleus de Vezin-Le-Coquet (35), du CIAS à l’Ouest de Rennes, du Théâtre le Grand Logis à Bruz, du Théâtre de Poche – Hédé, scène de territoire pour le théâtre, et de l’Aire Libre à Saint-Jacques-de-la-Lande

Il y a des pays en Afrique, en Asie où plusieurs générations vivent sous le même toit, le vivre ensemble que l’on soit jeune, moins jeune ou âgé, fait partie de leurs cultures. Dans les sociétés occidentales beaucoup plus individualistes, le sort des personnes âgées dépend de leur autonomie et du temps et de l’énergie que la famille peut leur consacrer. Il y a des personnes âgées qui optent volontairement pour la maison de retraite, quand elles en ont les moyens, pour ne pas gêner leurs proches. Il y en a d’autres, qui jusqu’au bout entendent rester chez elles. La vieillesse en soi n’est pas une maladie mais le fait est que plus vous vieillissez plus vous devenez vulnérable.

Comment être vieux dans une société où la jeunesse, la performance restent le point de mire. Combien de fabricants de crèmes anti-rides feraient faillite si les femmes n’en entendaient plus parler, si les signes de vieillesse ne faisaient pas aussitôt référence à la déchéance et à la mort.

De façon invraisemblable, la gériatre Laure JOUATEL porte un autre regard sur les personnes âgées. Elle paraît même subjuguée par leur présence. Nous le découvrons à travers ses paroles et le portrait de quelques résidents d’une maison de retraite médicalisée, filmés par Emmanuelle HIRON. La caméra prend le temps de se poser sur le visage d’une jolie vieille dame, sans commentaires, et soudain nous saute aux yeux cette réalité, nous avons en face de nous une personne qui porte sur ses épaules près de 90 ans. Comment ne pas la considérer cette vie qui sourit malgré un corps impotent. On y perçoit certes la fatigue mais aussi ce qui la berce, probablement le sentiment d’avoir suffisamment vécu pour avoir encore la force d’écouter l’infirmier ou l’aide soignante, d’accepter tout ce monde autour d’elle qui continue à l’appeler.

Nous pouvons lire, imaginer son histoire, son roman, à travers son visage. Des rides, des cicatrices qui le sillonnent représentent des milliers de kilomètres de joies, d’épreuves, de découvertes, d’aventures. Nous n’en savons rien, nous savons seulement que nous avons en face de nous quelqu’un qui a été touché, remué par la vie qui arrive en fin de course, digne et calme.

Ce n’est pas le cas de toutes les personnes âgées. Certaines deviennent démentes. Cette réalité là souvent cruelle requiert beaucoup de sollicitude, de patience de la part des soignants.

L’idée nous vient que s’occuper des personnes âgées devrait être aussi naturel que le fait de protéger des nouveaux nés. La terre en tournant sur elle même forme un cycle, la vie humaine de même. La gériatre Laure JOUATEL qui apporte un soin tout particulier à la toilette des morts, d’instinct, rapproche la naissance de la mort.

A la fois réalisatrice du documentaire et interprète du monologue de la gériatre sur scène, Emmanuelle HIRON, lève avec beaucoup de sensibilité un regard juste humain sur la vieillesse. Étonnamment, sa caméra semble caresser les visages qu’elle filme, en retenant son souffle. Mais lorsqu’elle parle, nous sommes saisis par le flux de ses paroles qui dans une sorte d’urgence toute juvénile, exprime ce qui nous lie profondément à la vieillesse et aussi à la mort.

Elle est inattendue cette chansons de fleurs que nous offre l’une des résidentes à la fin du film, elle nous réchauffe le cœur avec malice et une vérité de la Palisse. Pour être devenu vieux, il faut avoir été jeune, jeunesse et vieillesse s’entendent dans une même personne, alors pourquoi pas dans la société ?

Paris, le 24 Mars 2017                         Évelyne Trân

Pièce écrite et mise en scène par Pierre Margot

avec Guillaume Orsat

et en alternance, Xavier Béja ou Pierre Margot,

Céline Legendre-Herda ou Julie Allainmat.

Collaboration artistique : Claire Guyot    –  Dramaturgie : Anne Massoteau

Musique : Nathalie Miravette   –  Lumière : Charly Thicot

Deux solitudes, deux animaux de laboratoire, aurions nous envie de dire ! Eh oui, si Dieu s’amusait à les observer ! Les cheveux se dressent sur votre tête, comment vous nous traitez d’animaux, nous les humains, c’est une honte ! Dans la comédie grinçante et noire de Pierre MARGOT, certains épisodes nous rappellent de façon savoureuse le film d’Alain RESNAIS « Mon oncle d’Amérique » qui donne la parole au savant Henri LABORIT étudiant la parenté entre le comportement de quelques humains et celui de rats en cage.

Cela dit la pierre de taille de l’homo sapiens c’est la parole et aucun savant n’a encore réussi à faire parler les autres espèces animales.

Shaman et Shadoc ne se connaissent pas. Ils se rencontrent sur un banc. L’un paraît assez timide, l’autre a une mine de clochard qui a une grande gueule. C’est assez prise de tête entre eux sans que l’on sache où se trouve l’os à dénicher. Il y a un os c’est sûr ! Et s’il n’y avait pas ce point commun entre eux, la solitude, pas d’histoire, pas de rencontre.

Les spectateurs sont conviés à traverser le labyrinthe ou le sac de nœuds enfoui qui relie les deux personnages. Qu’est-ce qui permet à Shaman, le clodo de se moquer de Shadoc un type sérieux, très respectueux des conventions ? Comment Shadoc qui a une sainte horreur des rats peut-il continuer à fréquenter Shaman qui vit avec une rate sa seule compagne ?

Plutôt surréaliste comme situation ! Qui a tort, qui a raison, celui qui affiche son mépris total des conventions et se révèle être un assassin, ou celui qui en raison de ses réflexes d’obéissance bien ancrés va tuer un pauvre rat lors d’une expérience scientifique menée par Shaman ?

Guillaume ORSAT, Shaman et Pierre MARGOT, Shadoc, jouent avec maestria ces deux énergumènes antagonistes. Leurs échauffourées circonstancielles peuvent démanger, agacer, elles attisent en tout cas leurs réactions furibondes pour l’un, exaspérées pour l’autre. Et c’est drôle, souvent très drôle.

« Et moi, et moi alors ? » pourrions nous crier à la fin du spectacle. Faut peut-être danser à la corde de manège du créateur sans se préoccuper de savoir comment elle tient. Suspense, grand suspense !

Paris, le 19 Mars 2017                               Evelyne Trân