Texte : Duncan Macmillan

Traduction : Ronan Mancec

Conception : Arnaud Anckaert et Didier Cousin

Avec : Didier Cousin

Régie : Agathe Mercier

Photos : Manuella Anckaert

Codirectrice : Capucine Lange

Le sujet de la pièce de Duncan MACMILLAN, la dépression d’un proche, à laquelle s’est trouvé confronté un enfant est grave. Comment mettre un mot sur la mélancolie, la tristesse que peut nous renvoyer le comportement d’un parent. L’auteur donne la parole à un homme anonyme qui se confie sur son parcours du plus jeune âge à l’âge adulte.

 Comment l’enfant qui a assisté à l’hospitalisation de sa mère après une tentative de suicide peut-il réagir ? Un homme se confesse, raconte comment la mort lui est apparue, brutale à travers celle de son chien. Sachant que sa propre mère voulait mourir, il n’a eu de cesse de combattre cette angoisse parce qu’il aimait la vie.

 Elles sont là devant soi ces choses de la vie qui, à tout moment, impromptues et passagères comme des pensées, des fugaces émotions, des surprises, sont susceptibles de vous faire sourire, rire, chanter, voyager, taper sur l’épaule de votre voisin « Vous avez vu ça ! ».

 L’enfant sent que tous ses petits bonheurs enfantins, légers, innocents, volatiles, étranges, farfelus, si personnels, peuvent lui échapper, disparaître. Alors, il les note sur une liste qui finit par grossir à vue d’œil.

 Une véritable armée de post-its de bons souvenirs qu’il collectionne et se met à inscrire un peu partout à l’intérieur de la boite de corn flakes, sous le couvercle d’un pot de confitures, etc. Ces post-its sont destinés à dérider sa mère dépressive, à lui offrir quelques bulles de bonne humeur, en silence, sans la forcer.

 Cette liste débutée dans l’enfance, il l’oubliera puis la retrouvera à l’âge adulte, elle tracera sa route comme les petits cailloux étincelants semés sur son chemin par un Petit Poucet.

 Toute la force du conte de Perrault irrigue cette pièce. Par analogie s’y exprime diffus, le sentiment d’abandon de l’enfant par ses parents, son désir d’indépendance, d’affranchissement, de découverte, son espoir de redonner le bonheur à a sa famille.

 Mais L’homme anonyme ne revêtira pas de bottes de sept lieues. Il continuera à butiner comme une abeille les multiples bonheurs à sa portée, qui conversent de tout et de rien, qui soulèvent des émotions infinitésimales, particulières ou banales, incongrues, familières.

 C’est cette familiarité avec les choses que l’homme cultive sans violence. Parce qu’il a intériorisé le silence de ses parents et qu’il le respecte, l’enfant a multiplié les tentatives d’approche par l’intermédiaire de petites pensées, des offrandes innocentes, spontanées, extraordinaires à ses yeux.

 Elle ne peut que grossir cette montagne de petits plaisirs pour  faire face au sentiment d’impuissance de l’enfant confronté au malheur.

 Dans le spectacle le comédien Didier COUSIN, remarquable, dirigé par Arnaud ANCKAERT, distribue quelques rôles aux spectateurs installés en cercle et les convie à lire à haute voix certains messages. C’est à travers des lèvres inconnues qu’ils s’échappent dans l’espace. Une façon de les faire éclore, d’évoquer leur manège intime. Sans doute parce qu’il y a des choses qui ne peuvent être dites qu’à travers des mots glissés sous la porte qui attendraient l’éblouissement d’un rayon de soleil ou simplement que quelqu’un les lise. Quel privilège que celui de la lecture d’ouvrir un champ de liberté quand les mots vous dévisagent un peu de la même façon que tout objet familier par sa seule présence.

 Chaque message constitue une petite bouteille à la mer. Il peut échoir entre n’importe quelle main inconnue. De l’inconnu au familier tout le chemin est là, celui d’une vie, celui d’un spectacle, où le spectateur complice suit le parcours d’un curieux collectionneur, participe au concert d’une myriade de petites choses géniales.

 Un concert orchestré par un enfant devenu adulte qui agite sa baguette magique de récolteur de bonheurs sinon pour effacer le malheur, lui résister de bonne guerre.

 Paris, le 21 Octobre 2018

 Evelyne Trân

TOURNEE

27 octobre 2018
Festival Marquise
9 et 10 novembre 2018
Théâtre des Sources, Fontenay aux Roses
11 novembre 2018
Médiathèque de Rosult
13 novembre 2018
La Ferme d’en Haut, Villeneuve
d’Ascq
17 Novembre 2018
Médiathèque de Bellaing
20 au 24 novembre 2018
Le Bateau Feu, Dunkerque
7 et 8 mars 2019
Maison du Théâtre, Amiens
10 mars 2019
Festival l’Arrêt création, Fléchin

 

Photo Simon GOSSELIN

  

 

L’arbre objet, l’arbre nature, l’arbre femme, l’arbre viril, il n’y a pas un arbre, chez le peintre IKIOU que sa vision ne puisse faire voler en éclats tant il est dominé par ses plusieurs esprits.

L’image de l’arbre chez lui est aussi bien l’annonce d’une impression qu’il subit, qui se prête ou qui se dérobe à travers des jetées de couleurs.

L’arbre volte-face au détour de celui qui le fixe, lui assigne une place puis l’abandonne, obéit enfin à notre besoin d’espace et d’étendue.

C’est très étrange ce voyage à travers des arbres qui clignotent qui ont seulement l’air de se ressembler pour mimer notre ère qui s’accompagne de plus en plus d’objets virtuels, sans relation charnelle.

Ikiou, artiste têtu à plusieurs têtes, peintre Coréen, influencé aussi bien par Cézanne que par Braque, inaugure le chant d’arbres dans cette plus vaste forêt, pour devenir l’interprète inespéré d’un dialogue trépidant entre l’orient et l’occident (C’était le bâton de pèlerinage de Malraux), une sorte de récréation continue, tel un pêcheur très humble lève l’ombre, sans confondre le reflet de la lune avec sa canne à pêche, pour rester à l’écoute, caché derrière l’arbre totem.

De la même façon qu’un enfant met un coquillage à son oreille pour écouter la mer, Ikiou traverse le monde en marchant sur ses toiles, un doigt sur la bouche, un doigt sur notre regard.

 Evelyne Trân

 Le 17 Octobre 2018

Théâtre de BRIVE Photo Olivier SOULIE

Théâtre de Tulle (Corrèze) le 4 mai 2018   Photo Olivier SOULIE

De mémoire de maires et surtout de la vox populi, Brive et Tulle  ne se sont pas toujours entendues. Trente kilomètres séparent les deux villes, de vingt à trente minutes en autobus. A vrai dire les voyageurs conviés à la visite déguidée de Bertrand BOSSARD, n’ont pas vu passer le temps. Ce guide pas comme les autres a dû traîner du côté d’Alphonse Daudet ou encore de Madeleine Marion, cette grande comédienne, il invente le concept du théâtre au bus, qui n’est pas encore labellisé mais devrait faire des émules.

 Photo Olivier SOULIE

Tandis que le beau paysage de la Corrèze avec ses notes d’automne épanoui, défile sous leurs yeux, les voyageurs accomplissent un véritable voyage dans le temps, celui de l’histoire épique de Tulle. Le parachutage sur la terre de Tulle ne  peut être qu’émotif, secouant, étourdissant lorsqu’il a pour instructeur un comédien qui déclare que l’organe vital d’une ville, c’est son théâtre.

 Les deux théâtres, ceux de Tulle et de Brive, réunis, font désormais figure des deux poumons de la scène nationale de l’EMPREINTE, qui vient juste d’être créée le 15 Juin 2018.

 Il fallait célébrer l’événement et c’est chose faite. Qui mieux que la mémoire collective pourra rendre compte de cette belle rencontre des Tullistes et des Brivistes au cours des deux nuits tumultueuses des 12 et 13 Octobre 2018.

 Il faut rendre au théâtre sa mission organique de rassemblement à ciel ouvert du public le plus divers. A ce propos Bertrand BOSSARD citait Victor Hugo « La culture coûte cher, essayez donc l’ignorance ! ».

 C’était donc nuit ouverte du 12 au soir jusqu’au 13 au matin, au Théâtre de Brive. Une occasion fabuleuse de découvrir comment un théâtre pouvait devenir un lieu de circulation favorisant les rencontres entre des publics très différents, venus soit partager un  festin, se déguiser, écouter un philosophe humoriste, Jean-Christophe ANGAUT, spécialiste de la nuit, la lecture musicale de l’Empreinte de P.Bergounioux par BABX, danser avec le Dj Set Mika RAMBAR, assister à une projection de films, à l’atelier chorégraphique de la Cie La Zampa et Marc Sens ou encore à la lecture marathon de 2 heures à 7 heures des Fleurs bleues de Queneau par Julie MOULIER.

 Chaque spectateur acteur a pu en quelque sorte inventer sa nuit, au fil de ses envies, ses curiosités, avec la possibilité même de s’endormir dans le dortoir sauvage aménagé à cet effet avec la certitude retrouver au petit matin le philosophe de la nuit, et le Dj set Mika RAMBAR et surtout la vaillante fée instigatrice de cette nuit, Barbara METAIS-CHASTANIER dramaturge associée de l’EMPREINTE.

  Photo Olivier SOULIE

Pour illustrer la soirée de clôture, à nouveau le public s’est retrouvé acteur, arpentant les ruelles de Tulle, un flambeau à la main, guidé par de curieux pyrophiles traînant des chariots enflammés, jusqu’à la Place Martial Brigouleix pour assister à l’embrasement final d’une grande roue énigmatique juste animée par le vent et la force d’un athlète, devenue  la proie des flammes avant que n’éclatent les feux d’artifice, véritables coups de tonnerre luxuriants  dans le ciel de Tulle.

 

Photos Olivier SOULIE

Cette récréation éblouissante, scénographiée par Pierre MECQUENEM et l’équipe de la Compagnie LA MACHINE, s’est poursuivie devant la façade du Théâtre municipal de Brive animée  joyeusement par les sourires des créateurs de l’EMPREINTE et soudain prise d’assaut, cernée de toutes parts par les éclairs prodigieux d’un feu météore.

 « Mais que fête t-on ? » ont dû se demander les badauds. Juste un mariage entre deux villes qui ont l’intention de partager leurs propres richesses, leur mémoire artistique avec un large public. L’EMPREINTE a déjà plus de 1500 abonnés, elle sait qu’elle peut compter sur plus de 41000 spectateurs qui pourront faire la navette (1 euro aller et retour) entre Brive et Tulle.

Un mariage culturel assuré d’une belle dote de 3,15 millions d’euros qui permet d’employer 28 permanents, 50 intermittents, 680 artistes, représente 8000 heures de travail, 3500 repas dans les restaurants etc. En somme une aubaine économique pour les Tullistes et les Brivistes.

 Et le public est Roi qui a droit à une programmation éclectique qui n’entend oublier personne parmi les amoureux de la danse, la musique, le théâtre, le cirque. Une place de choix est réservée aux auteurs vivants, compositeurs contemporains parce qu’il est temps de leur donner la parole sans crainte de blesser leurs incontournables prédécesseurs, Molière ou Marivaux, Vivaldi ou Berlioz.

http://www.sn-lempreinte.fr/le-programme/sections=tous_les_spectacles

 Discrets, voire même modestes, Nicolas Blanc le directeur de l’EMPREINTE et sa directrice adjointe Nathalie Besançon, sont conscients de l’ampleur de leur tâche. Ils défendent un « théâtre sensible et engagé, témoin de notre époque ».

Aux heureux élus, les Brivistes et Tullistes qui ont baptisé leur scène nationale du doux nom de l’EMPREINTE, nous ne pouvons souhaiter que prospérité. Il s’’agit bien à échelle historique Briviste et Tulliste, d’une révolution culturelle économique à hauteur de ce 2^ème millénaire !

 Paris, le 16 Octobre 2018

 Evelyne Trân

Jeunesse-credit-Victor-Clayssen

Jeunesse-credit-Victor-Clayssen

Se laisser porter juste par ses rêves, pour partir en haute mer et revivre des émotions extra-terrestres, c’est le voyage hors du commun auquel convie ses auditeurs, un homme mûr qui tel Ulysse se laisse assaillir par les sirènes de la jeunesse.

 La dimension onirique du récit de Joseph CONRAD est formidablement mise en valeur dans le spectacle conçu par Guillaume Clayssen.

 Le narrateur donne l’impression musicale d’invoquer l’esprit de jeunesse qu’il associe aux aventures périlleuses qu’il a vécues sur un rafiot de fortune dénommé Judée ayant pour cap Banghok.

 Il parle constamment sous  l’emprise de l’émotion celle du marin qui entretient des rapports intimes avec son élément viscéral, la mer ensorceleuse. Nous assistons à son délire qui lui permet de plonger dans cet ailleurs creusé par une sorte de mémoire géante prête à l’absorber, à l’anéantir.

 Il ne dispose pour s’accrocher au réel que le souvenir physique des mâts du bateau qu’il devait escalader en pleine tempête. Les acrobates sur le plateau sont donc des doubles de lui-même qui exécutent  les mouvements dont son corps se souvient et rêve d’accomplir à nouveau.

 Se jeter du haut de sa vieillesse dans la mer agitée de la jeunesse tel est le vœu de ce vieux marin, porte-parole de Joseph CONRAD lui-même, qui après une vie maritime tumultueuse, du prendre sa retraite sur terre et entamer une nouvelle carrière celle d’écrivain.

 L’aspect intimiste du récit, la voix intérieure du narrateur filent la toile de récréation des circassiens que l’on voit même danser comme s’ils foulaient une mer démente et musicienne.

 Nous ne résistons pas à citer ces vers de Lamartine :  

Ainsi toujours poussés vers de nouveaux rivages, – Dans la nuit éternelle emportés sans retour, – Ne pourrons-nous jamais sur l’océan des âges, –  jeter l’ancre un seul jour ?

Très inspiré, le spectacle est halluciné, habité par la force vive d’un rêve, celui de Joseph CONRAD auquel les interprètes (un narrateur, deux acrobates, un éclairagiste, un ingénieur son)  en symbiose, rendent merveilleusement hommage.

 Paris, le 10 Octobre 2018

 Evelyne Trân

 

Compagnie Des Attentifs

Auteur : Joseph Conrad

Traduction : Guillaume Clayssen

Metteur en scène : Guillaume Clayssen

Scénographie : Delphine Brouard

Collaboration  : Claire Marx

Jeu : Johan Caussin, Frédéric Gustaedt, Julien Crépin, Raphaël Milland et Samuel Mazzotti

Lumière : Julien Crépin

Costumes : Severine Thiébault assistée de Barbara Tardeux

Création sonore : Samuel Mazzotti

Construction décor : Jean-Paul Dewynter

Site internet de la compagnie
www.lesattentifs.com

TOURNEE

 

 

Distribution :

Natalie DESSAY, Macha MERIL, Bernard ALANE, Gaël GIRAUDEAU, Valentine GALEY

 

Les légendes font partie de notre environnement impressionniste. Qu’un artiste renommé croie ou non à la postérité de ses œuvres, il y aura toujours des admirateurs passionnés, des proches, des amis pour forger sa légende.

 Nous n’avons pas d’autres ailes pour échapper au quotidien morose que les lustres des artistes qui éclairent, subliment nos émotions, nous stimulent.

 A priori, le thème de la pièce de Stefan SWEIG, écrite en 1919 est très éloigné de nos préoccupations immédiates. Il y est question d’un héritage spirituel d’un grand écrivain poète auquel s’est consacré sa veuve, n’hésitant pas à idéaliser le portrait de son époux dont l’aura a pour effet d’éclipser le fils qui doit se battre pour affirmer sa propre personnalité. C’est la rivale de sa mère, le premier amour de son père qui apportera du grain à son moulin en lui révélant que son père était certes un grand artiste mais pas aussi lisse et vertueux que sa légende.

 Légende contre réalité ? Stefan SWEIG s’est toujours attaché à traduire les histoires intérieures des individus, celles justement qui ne risquent pas de passer à la postérité. Il sait probablement par expérience combien les façades luxueuses trop rutilantes, n’ont de valeur qu’à l’extérieur.

 Le maquillage ne tient pas sous la plume de cet auteur, à l’écoute des voix étouffées, écrasées par les clairons de la bienséance,  destinés à repousser dans l’ombre, à l’écart, toux ceux qui pourraient ternir le tableau.

 Mais quel tableau ? Celui d’un salon bourgeois prêt à accueillir les invités d’une lecture littéraire des œuvres du fils que sa mère entend rattacher à la mémoire du père. Or le fils se rebelle car il sait qu’il fait tache, que le vernis de la légende du père n’a rien à voir avec lui, jeune écrivain débutant, en proie aux doutes, amoureux d’une femme d’origine modeste qu’il n’ose pas présenter à sa mère.

 Très progressivement, l’auteur laisse glisser le portrait du père qui ne tient plus qu’à un crochet celui de son épouse. Livrés à eux-mêmes, enfin libérés du leurre qui les égaraient, les protagonistes pourront parler d’avenir, moins ambitieux certes, mais vivant. Une façon de dire que pour marcher droit il faut regarder sous ses pieds et ne jeter un coup d’œil aux étoiles que modérément.

 La pièce, à notre sens, manque de rythme. Son intérêt réside principalement dans les portraits des personnages et les dialogues.

 La caricature n’est pas de mise. Il s’agit d’un drame intime, une joute quasi métaphysique entre des vivants et un mort. Et puis, il y a ce dénouement incroyable, la réconciliation entre les deux rivales amoureuses, l’épouse et l’amante.

 Natalie DESSAY est tout simplement bouleversante dans le rôle de la mère et épouse castratrice. Gaël GIRAUDEAU possède un jeu très nuancé qui lui permet d’interpréter avec véhémence mais sans violence, ce rôle ingrat du fils égratigné par l’image du père. Bernard ALANE est parfait en témoin proche de la famille et Valentine GALEY campe avec une belle vivacité la sœur.Quant à Macha MERIL elle nous est apparue délicieuse dans ce rôle de premier amour du poète, piquante, effrontée, rêveuse, toujours charmeuse.

 Vraiment un beau spectacle servi par une distribution brillante, la mise en scène sobre de Christophe LIDON. Le décor de Catherine BLUWAL, abstrait, géométrique y apporte sa touche intrigante et mystérieuse. Sonder les mystères de l’âme humaine fut toujours le propos de Stefan SWEIG, avec une brûlante délicatesse.

Paris, le 7 Octobre 2018

Evelyne Trân

Photo Marc GINOT

Distribution
Nicolas Oton mise en scène
Ludivine Bluche assistante
Avec :
Cyril Amiot, Ludivine Bluche, Frédéric Borie, Elodie Buisson, Brice Carayol, Charlotte Clamens, Laurent Dupuy, Franck Ferrara, Christelle Glize, Manuel Le Lièvre, Patrick Mollo, Alex Selmane, Alyzée Soudet
Scénographie Gérard Espinosa
Lumière Dominique Borrini
Son Alexandre Flory
Costumes Marie Delphin
Régie générale Mathieu Zabé
Régie lumière Claire Eloy
Production : Machine Théâtre
Coproduction
L’Archipel, scène nationale de Perpignan
Le Cratère, scène nationale d’Alès
Festival Le Printemps des comédiens, Montpellier

Représentations
L’Archipel, scène nationale de Perpignan, Le Carré
2, 3, 4 octobre 2018 à 19h / 5, 6 octobre à 20h30 / 9, 10, 11 octobre à 19h
Au Cratère, scène nationale d’Alès, Grande salle
16 et 17 octobre à 20h30, 18 octobre à 19h
ATP Lunel, Salle Georges Brassens
4 décembre 2018 à 20h30
Printemps des comédiens, festival juin 2019

La scène est obscure, juste un grand pont la traverse qui suggère l’ailleurs, les autres, la rue , la ville Saint Pétersbourg qui fulmine noyée dans la chaleur et la poisse. En contrebas, éclairé par un projecteur, il y a le lit de Raskolnikov, son drap blanc froissé, une tache de lumière avec ses relents de sueur, de fièvre, d’insomnies.

Raskolnikov sort de sa nuit, du cageot de sa cervelle encrassée par de mauvais rêves, d’une idée qui a germé dans sa tête et qui deviendra le motif de tout le roman, pour entrer dans une autre nuit, à la rencontre d’autres âmes empêtrées, prisonnières qui possèdent chacune leur version de l’enfer sur terre.

 Dans Crime et châtiment, c’est la descente aux enfers d’un jeune homme que décrit Dostoïevski, une descente d’autant plus impressionnante qu’elle semble inoculée par la pensée du héros lui même, qu’il ne se passe rien d’extraordinaire et que même le passage à l’acte, le crime de Raskolnikov semble avoir été commis dans un rêve éveillé.

Raskolnikov est un dormeur éveillé de la race d’Hamlet, l’instinct chez lui est érodé par la pensée qu’il imagine supérieure, susceptible de faire voler en éclats un sentiment insupportable d’oppression, d’indignité que lui renvoie dans toute « sa splendeur » l’usurière .

Y a t-il une raison d’être de la conscience, peut-elle s’affermir de ses propres raisonnements, de façon autarcique comme l’entend le jeune homme au moins sûr d’une chose, c’est que l’usurière ne mérite pas de vivre, qu’elle lui parait aussi nuisible qu’un pou.

Cette solitude d’une conscience qui tourne en rond parce qu’elle n’ a pas d’autres critères que son propre miroir, est totalement dans le déni d’une réalité compensatoire, sans concession.

Comment sortir de soi, d’une prison intérieure, une forteresse à vide qui grelotte de cauchemars, chauffée à blanc par sa propre fièvre, pour aller vers l’autre, qui n’aurait rien d’autre à offrir que sa propre misère.

Photo Marc GINOT

Pourtant un pont de solidarité va se construire de façon inespérée comme si seul un malheureux pouvait comprendre un malheureux. C’est Sonia, la jeune prostituée au coeur pur qui ouvrira ses bras à Raskolnikov, le criminel, et aussi la bienveillance du policier Porphyre qui permettra au jeune homme d’avouer son crime non par remord mais pour rejoindre la société humaine aussi désespérante soit-elle.

Dans la mise en scène, les ténèbres du héros, s’ouvrent sur une galerie de personnages qui interpellent le héros avec leurs récits de vie, tous édentés par la misère morale et matérielle, pour atteindre un point lumineux ultime celui de l’amour qui le submerge pour Sonia.

La scénographie d’une sombre beauté, tel un idéogramme chinois offrant la vision d’allées et venues d’humains sur un pont jeté au-dessus de la vie rampante de nécessiteux, fait écho à la misère de notre époque actuelle.

La différence néanmoins qui frappe c’est qu’au 19ème siècle, il n’était pas encore question de société de consommation. Force est de constater que les usuriers ont pignon sur rue, aujourd’hui de plus belle.

L’adaptation théâtrale du roman, fidèle aux dialogues de Dostoïevski, permet d’appréhender, d’un seul coup d’œil,  la force étrange d’une épave dans un océan obscur, qui continue à envoyer des signaux désespérés, qui a voix humaine, chargée malgré tout d’espérance.

Nous saluons le talent du metteur en scène Nicolas Oton qui fait preuve d’une étonnante sobriété et pénétration pour exprimer sans effets superfétatoires, toute la fièvre de Crime et châtiment, véritable thriller psychologique, d’une modernité cinglante.

Nous saluons également la performance des comédiens et de toute l’équipe technique qui a fait honneur à l’immense plateau de la magnifique scène nationale de Perpignan, l’Archipel, créé par Jean Nouvel, et couvé comme il se doit par son Directeur Général Borja Sitjà.

Evelyne Trân

 

• 
• Sylvain Gary
• Avec : Sylvain Gary 
• François Martin compositeur pianiste ,
• Antonella Mazza contrebassiste