Photos : Victor Tonelli

AVEC PAR ORDRE D’APPARITION
CATHERINE HIEGEL (MADAME CHEVALIER)
CLOTILDE MOLLET (JOËLLE, LA MÈRE)
MILENA CSERGO (JOËLLE, LA FILLE)
ASSISTANT A LA MISE EN SCENE : DAMIEN ROBERT
DÉCOR : ÉLODIE QUENOUILLÈRE
COSTUMES : FLORIANE GAUDIN
SON : MADAME MINIATURE
MUSIQUE : ÉMILE JUIN
LUMIÈRE : SAMAËL STEINER
ASSISTANT LUMIERE : LORIS GEMIGNANI
RÉGIE GENERALE : LAURENT

Une pièce réglée comme du papier à musique sur la bande d’un orgue de barbarie où s’engouffrent les voix de trois femmes, pour un portrait de groupe, une photographie dénichée sous le tapis.

Ne craignons pas d’être échaudés par nos réflexes, nos préjugés, nous le savons hélas, quand il s’agit d’identifier le quidam en face de nous, pour le décrire quelques questions suffisent à nous faire ruminer, est-il riche ou pauvre, jeune ou vieux, bien ou mal dans sa peau ?

Que peut-on attendre de la relation entre une vieille femme riche, acariâtre, et son auxiliaire de vie fatiguée mais courageuse, résignée à endurer les vicissitudes de sa condition, peu éloignée de celle de domestique ?

La vieille et la pauvre ont au moins un point commun, celui de ne pouvoir échapper à la fatalité. La bourgeoise en fin de vie s’amuse à agiter ses grelots de richesse pour provoquer en vain la digne et honnête garde de nuit. Fait irruption la fille de cette dernière sans foi ni loi, sinon celle de vivre sa vie en profitant d’un malentendu providentiel lui permettant de jouer le rôle de la petite-fille de la bourgeoise.

Les trois femmes n’ont pas les mêmes valeurs mais elles ont des tripes susceptibles de faire remarquer qu’une souris sinon un cadavre exquis se loge sous le tapis.

Catherine Hiegel est exquise comme d’habitude, elle donne l’impression de s’amuser de l’affairement qu’elle suscite de la part de deux personnes aussi opposées, l’humble auxiliaire et la jeune fille aux dents longues.

Milena Csergo campe avec justesse une jeune femme décidée à s’en sortir coûte que coûte – elle est au chômage – refusant l’image de la soumission que lui renvoie sa mère.

Quant à Clotilde Mollet, sa composition est si bien calquée sur la réalité que nous croyons avoir déjà rencontré cette brave employée.

Chapeau donc à ces trois comédiennes qui donnent vie à une comédie sociale voire « policière » sans d’autre prétention que de divertir le public !

Paris, le 31 Décembre 2019

Evelyne Trân

 

 

TEXTE + MISE EN SCÈNE=Jean-Pierre Bodin + Alexandrine Brisson + Christophe Dejours

COMPAGNONNAGE=Jean-Claude Fonkenel + Jean-Louis Hourdin

RÉALISATION, IMAGES & MONTAGE : Alexandrine Brisson

TOURNAGE : Pierre Befve, Alexandrine Brisson

MONTAGE et CONCEPTION VIDÉO : Gyomh

CONSEIL MULTIMÉDIA : Martin Rossi

MUSIQUES : Bach, Mendelssohn, Schubert, Carbon Killer

LUMIÈRES et RÉGIE GÉNÉRALE :Philippe Terrasson

RÉGIE VIDÉO & SON : Stéphane Comon

CONSTRUCTION : Nicolas Forge

N.B : Jean-Pierre BODIN était l’invité de l’émission « DEUX SOUS DE SCENE » en 2ème partie sur Radio Libertaire 89.4 en podcast ci-dessous, le samedi 28 Décembre 2019.

Les PDG de France Télécom viennent, après de longues années de procès, d’être reconnus coupables de harcèlement moral ayant provoqué une vague de suicides d’employés dans l’entreprise. Le spectacle « l’entrée en résistance » qui a lieu en ce moment au théâtre de la Reine Blanche rassemble un artiste comédien metteur en scène Jean-Pierre BODIN, une musicienne Alexandrine BRISSON et un chercheur Christophe DEJOURS qui ont décidé d’entrer en résistance contre cette catastrophe qui menace tous les individus la déshumanisation du monde de travail.

 Travailler devrait être un bonheur et non synonyme d’esclavage. Pour ma part, j’estime que le travail c’est comme le manger et le boire, c’est vital. Mais la notion de travail s’est tellement dévalorisée au profit de la notion de rentabilité, de productivité que nombre d’individus s’éprouvent condamnés à travailler pour vivre et enrichir leur entreprise sous le joug d’actionnaires qui ne s’intéressent nullement à la qualité du travail fourni. Si l’argent tombe dans la caisse tout va bien et cela seul compte.

 Les managers et les directeurs des ressources humaines sont probablement dopés par leur sentiment de supériorité sur la masse salariale. Après tout, oui cela va de soi, une entreprise n’a pas de vocation humanitaire ou caritative.

 Pour comprendre que la notion de rentabilité balaie toutes les valeurs d’épanouissement du travail, les initiateurs du projet de résistance ont effectué « un travail d’enquête et de collectage auprès de salariés, syndicalistes, juristes, médecins du travail, chercheurs, et de forestiers qui nous ouvrent les portes de leur bureau magnifique : la forêt ».

 Le spectacle débute par le témoignage d’un garde forestier heureux de transmettre une forêt en bonne santé et d’effectuer « un travail vivant » Il n’y a pas un arbuste ou une broussaille qui ne retienne son attention car il considère que chaque végétal possède son intelligence. Mais de telles considérations n’ont plus de sens face à un manager qui ordonne de doubler le cubage et qui assène qu’une machine remplace 10 hommes.

 A l’hôpital, c’est encore la rentabilité qui a le maître mot et qui met à mal le serment d’Hippocrate. Pour que le service ne ferme pas, seul mot d’ordre, le chiffre.

 Des cadres témoignent qu’ils apportent leur concours à des actes qu’ils réprouvent et qu’ils en souffrent. Mais d’autres obéissent avec ces arguments « Moi je suis trop bête, je fais ce qu’on me dit ».

 Christophe DEJOURS a une explication. Il parle d’abolition de la pensée. Cette faculté d’arrêter la pensée est dénommée l’acrasie, synonyme de faiblesse de la volonté.

 Il est possible aussi de se référer au « Sauve qui peut » à cet instinct du moi d’abord et après moi le déluge.

 Réfléchir demande du temps mais ce n’est pas du luxe. Dans quel monde avons-nous envie de vivre ? Quand on pense que le travail en société occupe la majeure partie d’une vie humaine, il importe d’écouter les témoignages trop nombreux de ceux pour qui le travail a été ou est encore synonyme de souffrance ou même de désespoir.

 Les travailleurs sont leur propre outil de travail et l’argument de la rentabilité est fallacieux face à ce que représente leur capacité de résistance aux injonctions sans âme de managers gestionnaires. Qui peut renoncer à vouloir donner du sens à son travail ? Peut-on imaginer que l’homme d’aujourd’hui soit moins créatif que l’homo sapiens. Il faut refuser l’ère de l’homme robot et privilégier la main humaine seule capable de penser et donc de respirer.

 Sous la forme d’une conférence spectacle musical, ce trio original, main de velours dans un gant de fer, appelle une chaleureuse entrée en résistance de l’individu au cœur de la forêt humaine.

 Paris, le 29 Décembre 2019

 Evelyne Trân

 

Photo Vincent MUTEAU

Durée :1h
Tout public à partir de 10 ans

mardi 21 janvier à 20h30
mercredi 22 janvier à 19h30
vendredi 24 janvier à 20h30
samedi 25 janvier à 19h30

Scolaires
mardi 21 janvier à 14h30
mercredi 22 janvier à 10h30
jeudi 23 janvier à 10h30 et 14h30
vendredi 24 janvier à 10h30 et 14h30

DISTRIBUTION

Les Nuits Polaires sont peuplées par Brice BERTHOUD, Dorothée RUGE,
Dominique HARDY en alternance avec Jessy CAILLAT
Mise en scène, construction des marionnettes : Camille TROUVÉ
Adaptation, construction, jeu : Brice BERTHOUD
Construction et manipulation : Dorothée RUGE
Création lumière : Gerdi NEHLIG
Création bruitages : Xavier DROUAULT
Squelette d’igloo : Cousin DOUDOU
Transformation du noir au blanc : Éric DESVIGNES
Musique : Guillaume TROUVÉ

Dans le cadre de la Biennale Internationale des Arts de la Marionnette, la Compagnie Les Anges au Plafond présente au CARRE  BELLE FEUILLE son spectacle Les Nuits Polaires .

 Une occasion de  dépaysement unique. En effet, l’équipe de la création s’est employée à recréer l’atmosphère d’une nuit polaire et c’est comme par enchantement que les spectateurs pourtant à mille lieues du Groenland sont conviés à pénétrer à l’intérieur d’un igloo et faire connaissance  avec un curieux personnage solitaire, confiné dans un minuscule pied à terre avec pour seul compagnon Alexandre un coq assez déplumé.

 Il n’y a pas beaucoup de place dans cet igloo en toile, les spectateurs resserrés en cercle peuvent bien faire l’objet d’une hallucination collective : ils sont partis au Groenland et sont vraiment rentrés dans un igloo. L’espace d’une heure, ils n’auront pour tout repère que le plafond de l’igloo, et un sentiment d’empathie envers cet homme seul (l’enfant que nous fûmes peut-être jadis, isolé dans un grenier, une cave,  ou une cabane) Robinson Crusoé nordique, victime de la maladie  du Vertigo.

 Le bon sens terrien nous rappelle que trop de solitude ne sied guère à l’homme. Alors comment s’étonner que quelques âmes compatissantes ou pas aient l’idée de venir tenir compagnie au pauvre homme. Les créatures qui envahissent la cahute ne sont pas des anges . Ce sont des trappeurs, des aventuriers, des bourlingueurs, forts en gueule, buveurs invétérés, fomenteurs d’histoires extravagantes, mythomanes etc…

 On oublie que ces créatures se présentent sous la forme de marionnettes tant elles sont expressives,  vivantes, si proches de la bouche de leur manipulateur, et de celle du conteur Jorn RIAL dont elles semblent s’être littéralement échappées. Leur vitalité, leur pugnacité tient au fait qu’elles sont inspirées de personnages réels que l’écrivain et ethnologue danois Jorn RIEL a mis en scène dans une série de nouvelles « Les racontars arctiques ».

 C’est le genre de spectacle accompli auquel il faut se rendre plusieurs fois pour en saisir toutes les nuances. Les lumières savent protéger le mystère des expressions, des gestes de ces marionnettes si humaines qu’elle rêvent aussi d’amour et du rayonnement d’une certaine Emma sur la banquise.

 Ce qui réjouit aussi c’est que l’équipe de création se trouve dans la même longueur d’onde que  celle qui parcourt un livre ouvert en pleine lune sur les genoux d’un lecteur, et les étoiles qui l’éclairent sont vraiment celles de l’imagination physique, ouverte, propice aux apparitions…

 Le jeu de Brice BERTHOUD tient du vertige, la musique et les bruitages restent sur le mode de la discrétion comme pour mieux lever notre regard vers les incroyables marionnettes de Camille TROUVE .

 Voila un spectacle de grande qualité que nous ne pouvons que recommander au public.  L’art des marionnettistes loin de faire entorse à notre réalité, la prolonge vers ses cavités inouïes,  lumineuses et palpables au cœur de notre humanité.

 Paris, le 30 Mai 2015 

Mis à jour le 28 Décembre 2019                 Evelyne Trân

 

Faudra-t-il que je vous parle de ma douleur pour que vous me croyiez enfin !

 Mon nom est invisible, je parle du fond de mon terrier et mon moi est chargé de quantités de petites bêtes qui me racontent des histoires.

 Si j’ai un visage, il se déplace, il est regard pour accueillir toutes ces petites choses qui s’étonnent d’être ensemble.

 Tout au fond du trou, je n’ai recueilli qu’un pâle morceau de papier. Il était tout délavé, il mesurait 2 centimètres. C’était ma seule richesse. Un lambeau de papier, voyez-vous, ce quelque chose de frêle et de solide à la fois que j’aime car j’ai horreur du marbre.

 Ce petit morceau de papier est fichu dans ma mémoire. Il s’y ballote. Grâce à lui, je vois la mer, les palmiers, la plage, je vois une voile et son bateau et un bout de ciel de nuage charmant.

 Grâce à ce bout de papier, je peux me transporter en pleine mer. Sur ce bout de papier, je peux voir défiler mille écritures, je peux entendre crépiter la mer, je peux reconnaître les lèvres d’un poète chéri.

 Il n’a jamais flanché ce bout de papier. Il est devenu pointu au-dessus de la mer, trop léger pour s’y noyer, le voilà refuge de milliers de poètes sur les flots. Sur 2 cm, il y a la place pour écrire le mot poète ou simplement sourire.

 Je ne suis pas important dit-il. Je caresse tout le souvenir des gens qui sont morts, je lave leur mémoire pour la réveiller toute chaude encore sur quelque rocher, sous les pas d’un enfant. Je transporte leurs âmes, je suis insignifiant.

 Celui qui enlèverait de ma mémoire ce fichu papier, ne me ferait pas de mal. S’il le fallait, j’écrirais sur une feuille d’arbre, j’écrirais sur ma main, j’écrirais en l’air. Mais ce n’est pas moi qui écris, c’est la pluie, le soleil, c’est leur faconde qui s’exprime avec un bout de papier tellement résistant qu’il se déplace. S’il le fallait, j’écrirais sur mon ombre, il parait que c’est possible, alors, alors tout est possible…

 Sur un bout de papier déchiré comme un morceau de pays qui avance, il y a la place pour le sourire d’un homme aimé, pour ses cicatrices et même son regard qui perce à travers, et qui te dit prends le.

               Evelyne Trân

Déshabiller du regard celle ou celui qui vous fait tourner la tête, peu s’en faut avec le sieur Sacha Guitry qui préfère jouer au chat et à la souris avec ses personnages en donnant le plus souvent le grand rôle à la souris. L’on sait que le chat aime à s’amuser longuement avec sa proie avant de l’ingurgiter.

Dans les trois pièces Une lettre bien tapée… Une paire de gifles… Un type dans le genre de Napoléon… aussi vives que des courants d’air que nous sert la pétillante Isabelle Toris Duthillier, l’homme et la femme seront toujours sur la même onde, celle du désir. Pas question de se prendre au sérieux, faute quoi aurait lieu la douche froide.

Chacune des pièces doit être perçue comme les préliminaires à une future rencontre amoureuse ou plus crûment à un coït.

La femme assume son rôle de poule pimpante qui glousse face à l’homme qui doit le plus souvent lustrer sa crête de coq.

Dans son emploi, du moins dans l’univers de Guitry, la femme est toujours Reine car l’homme ne peut se passer d’elle et cette fieffée femme en profite ! Mais d’où vient donc sa réputation de misogyne ?

Un des points communs des trois pièces est l’élément de surprise, c’est à qui saisira la perche que lui tend « innocemment » l’autre. A cet égard une paire de gifles  est géniale, elle requiert une certaine accoutumance à la rouerie distillée de façon infinitésimale toujours sur le fil d’un désir qui s’éblouit lui-même.

 Une paire de gifles c’est une rencontre entre Célimène et Alceste revisitée par Guitry. Mais l’homme et la femme ne sont tout de même pas des bêtes, il y a une fichue pointe de cérébralité dans l’expression de leurs désirs !

Patrice Faucheux et Laurent Schteiner excellent dans leurs rôles de chats matois et Isabelle Toris Duthillier est irrésistible en femme allumeuse.

Un spectacle éclaboussant d’esprit et de gaieté ! Quoi, vous avez cru assister à des combats de coqs et de poules dans un poulailler de théâtre ? Fichtre, la nature humaine est-elle donc si comique ? En tout état de cause, Guitry en chef d’orchestre du désir, fait sien cet aphorisme de Pascal « Qui veut faire l’ange fait la bête » ou vice versa ! C’est hallucinant !

Paris, le 11 Décembre 2019

Evelyne Trân

Artistes : Lola Zidi , Hélène Zidi, Gérard Depardieu dans la voix de Rodin

Metteur en scène : Hélène Zidi

C’est une Camille à l’état brut que nous découvrons dans ce spectacle, l’artiste muselée  dont le destin déchirant ravive toute une mémoire de femmes victimes d’une société patriarcale qui leur déniait ce qui était l’apanage des hommes, le pouvoir de création, l’indépendance en dehors du carcan familial, la liberté d’esprit.

 La vérité c’est que Camille Claudel a fait les frais d’une société hypocrite qui lui a fait croire que son talent, sa beauté, sa jeunesse devaient suffire à lui ouvrir les portes du succès, de la reconnaissance artistique.

 Sa chute est à la mesure du gouffre entre la condition masculine et la condition féminine au début du 20^ème siècle.

 Toute jeune, admirée aussi bien par son père que par son professeur Rodin, elle n’a pas pris conscience du précipice qui l’attendait.

 Son isolement, la misère affective et matérielle ont eu raison de la violence de ses sentiments. D’un tempérament passionné et obstiné, Camille ne pouvait faire semblant, composer avec son entourage. Dès lors ses délires de persécution manifestaient une souffrance intolérable aussi bien pour elle-même que pour ses proches.

 Pour la faire taire de façon définitive, sa mère l’a placée dans un asile psychiatrique avec pour consigne aux médecins l’interdiction de communication avec le monde extérieur. Trente ans de réclusion soit une condamnation à mort lente.

 La pièce d’Hélène Zidi confronte deux apparitions de Camille Claudel, celle de la jeune fille belle et naïve, amoureuse et celle de la vieille femme qui se penche sur Camille jeune comme s’il s’agissait d’une autre personne.

 Cette confrontation sur scène entre la jeune et la vieille Camille, permet aux spectateurs de saisir à vif, le destin tragique de l’artiste, éjectée de la société,  fauchée à 48 ans.

 Lola Zidi interprète une jeune Camille, frémissante et bouleversante face à Hélène Zidi, qui campe une vieille femme qui n’a plus pour miroir que sa propre caricature.

 Les deux comédiennes expriment par la danse cet amour qui a toujours manqué à Camille. La scène reproduit l’atelier de l’artiste.

 Nous ne pouvons-nous empêcher de nous reporter à cette belle sculpture de vielle femme implorante, créée par Camille au sommet de son art comme si elle avait eu le pressentiment de ce qui l’attendait. Les artistes sont toujours voyants !

Le spectacle saisissant devient le porte flamme de l’appel de cette grande artiste qui écrivait à son frère Paul « Je réclame la liberté à grands cris ».

Paris, le 3 Novembre 2018

Mis à jour le 10 Décembre 2019

 Evelyne Trân

Production : Cie day-for-night

Texte :  Robespierre et Sophie Wahnich

Adaptation : Damien Houssier et Anne Monfort

Mise en scène : Anne Monfort

Distribution : Damien Houssier

Lumières : Hugo Dragone et Romane Margueritte
Costumes : Louise Yribbaren
Photos : Patrice Forsans- Studio Marulaz

Diffusion : Florence Francisco – Les Productions de la Seine

Y avait-il une raison d’être Robespierre au moment de la Révolution Française ?  Sa profession de foi « démocratique » ressort de ses propos extraits de différents discours notamment ceux où il se défend des calomnies de ses ennemis l’accusant de « despotisme d’opinion » et de préconiser la dictature.

 Voir en Robespierre essentiellement un agent de la Terreur, impitoyable et sanguinaire, c’est évidemment faire abstraction de la complexité du personnage qui se réfère à ROUSSEAU « Le peuple veut toujours le bien, mais il ne le voit pas toujours ». J’ajouterais, moi, que les mandataires du peuple voient souvent le bien mais ne le veulent pas toujours. Cependant le bon sens du peuple est souvent supérieur à l’esprit des habiles gens, mais sa bonté naturelle le dispose à être la dupe des charlatans politiques. Ceux-ci le savent bien et ils en profitent ».

Le spectacle s’inscrit pour Anne MONTFORT « dans la suite de No(s) révolution(s) où j’interrogeais la possibilité aujourd’hui d’une révolution ».

Il s’agit d’un montage de textes de Robespierre avec ceux de Sophie Wahnich, l’auteur du Radeau démocratique.

Ledit montage se révèle très habile puisqu’il permet de s’interroger sur une question toujours d’actualité, la démocratie. « Pourquoi faire l’effort d’être libre ? » demande Robespierre qui se positionne contre l’état d’urgence.

 Le personnage semble complètement habité par son idéal de liberté qui le pousse à combattre et à utiliser  la terreur « sans laquelle la vertu est impuissante ».

 L’interprète Damien HOUSSIER est remarquable, il réussit à captiver le public, à rendre crédible, voire hallucinante la présence de Robespierre, tel un personnage shakespearien, tragique, incandescent mais aussi humain.

  Ce spectacle est à voir absolument !

 Paris, le 8 Mai  2018

Mis à jour le 10 Décembre 2020

 Evelyne Trân