R A B O R D A I L L E

Mince pellicule de cette terre soumise,

Géante catastrophe, parole déployée,

Le cauchemar hoquette du fond de ton abîme

Où passent des astres à la gorge enflammée.

 

La bouche des malheurs à l’âme aux bras croisés

Du dernier baobab à savoir supporter

Tous les mots de la langue d’ancêtres mutilés

Danse sur l’étendue sacrée du sang brûlé.

 

Mais ça ne veut pas dire grand-chose.

Au pied du baobab, un homme est vain.

Sa fureur, dans l‘écoulement du paysage,

S’abandonne aux noctambules des confins.

 

Nomade du roi Christophe, étoile de jadis,

En gage d’amitié du libre choix sans vice,

Tu en vivras l’inceste dans un champ de maïs :

Saccage et corrosion de ton corps d‘Anubis.

 

Peuple ! À toi les amours d’Uranus.

 

Dans les remous des marécages,

La roue dentée, sans imagination,

Des excréments vomis en cage,

Fait ricaner le fouet de la malédiction.

 

Chimères à coup de cœur, lente maturation

De la mangue au rebut, nègrerie,  pulsation,

La musique n’est pas clandestine :

Bambous, détonations.

 

À la mémoire reconquise.

Ainsi soit-il de ma bouche en fusion !

Jean-Marie BLANCHE

 

 

Si lors d’une consultation psychanalytique, vous vous surprenez à parler d’Hamlet, vous pouvez penser qu’à votre insu, vous avez sûrement écopé du syndrome d’Hamlet.

 Mais il n’est pas besoin de tourner autour du fauteuil de Freud pour plonger dans l’univers d’Hamlet. Hamlet est une figure strictement théâtrale dans la mesure où son apparition pointe du doigt tous les petits Hamlet anonymes, infantiles, tous les exclus de la norme et de la convention, du politiquement correct, qui n’auraient d’autre excuse que d’être fous, malades, inadaptés, insupportables.

 Hamlet fait mal, Hamlet est odieux et particulièrement dangereux parce qu’il refuse les apparences et qu’il est susceptible de déchirer les voiles, démasquer quiconque retranché dans ses mensonges, ses peurs, ses illusions, et il frappe aussi bien sa mère, son beau-père, son amante Ophélie …

 Et pourtant, une certaine candeur émane de ce personnage comme celle d’un enfant qui exprime ses sentiments sans s’occuper du qu’en dira-t-on. En somme, quoique cela soit quelque peu réducteur, il est possible de voir en Hamlet, un adolescent attardé qui ne cesse de se faire violence, coincé entre un moi néantisé et un surmoi représenté par les instances patriarcales, le père fantôme, le beau-père et sa propre mère.

 Le théâtre justifie cette tentation de dépassement, d’irruption d’un moi imaginaire qui catalyse l’énergie, effectue le va et vient entre une réalité condescendante et ses manifestations indécentes, obligeant l’acteur à endosser plusieurs peaux, et parfois à commettre l’effraction, la pire ou la meilleure celle d’Hamlet qui plonge sa main dans son cœur au risque d’en crever.

 La mise en scène de Jérémie Le Louët, magnifique interprète d’Hamlet, fait penser à un inventaire désordonné et fou que le personnage lui-même aurait culbuté dans un grenier enchanté où pèle mêle se retrouvent les photos des rois et des reines sur papier glacé de Jour de France, l’ambiance désuète et vaporeuse d’un salon de casino, les copies de tableaux de maîtres, les coulisses d’un théâtre musée avec tous ses accessoires et même les silhouettes cartonnées de Victor Hugo et Shakespeare.

 Le dispositif vidéo devient un outil théâtral parfaitement maîtrisé qui manifeste sa réelle impudeur, sa volonté de voyeurisme, son aspect prédateur. Il faut voir comment Laërte, ce personnage secondaire se transforme soudain en tribun ouvriériste opposant au pouvoir du Roi fantoche.

 Un sale gosse que cet Hamlet qui ose donner un coup de pied dans la montagne des archives et des commentaires le concernant, le résultat est un spectacle déboussolé, déconcertant, festif et visuellement captivant, servi par des comédiens remarquables qui jouent plusieurs rôles.

Une réussite spectaculaire qui fait résonner cette jeunesse qui bouillonne chez Hamlet, en tant que phénomène théâtral !

Paris, le 25 Novembre 2018

Mise à jour le 14 Juin 2019

 Evelyne Trân

 

Avec Pierre-Antoine Billon, Julien Buchy, Anthony Courret, Jonathan Frajenberg, Jérémie Le Louët et Dominique Massat

Si lors d’une consultation psychanalytique, vous vous surprenez à parler d’Hamlet, vous pouvez penser qu’à votre insu, vous avez sûrement écopé du syndrome d’Hamlet.

 Mais il n’est pas besoin de tourner autour du fauteuil de Freud pour plonger dans l’univers d’Hamlet. Hamlet est une figure strictement théâtrale dans la mesure où son apparition pointe du doigt tous les petits Hamlet anonymes, infantiles, tous les exclus de la norme et de la convention, du politiquement correct, qui n’auraient d’autre excuse que d’être fous, malades, inadaptés, insupportables.

 Hamlet fait mal, Hamlet est odieux et particulièrement dangereux parce qu’il refuse les apparences et qu’il est susceptible de déchirer les voiles, démasquer quiconque retranché dans ses mensonges, ses peurs, ses illusions, et il frappe aussi bien sa mère, son beau-père, son amante Ophélie …

 Et pourtant, une certaine candeur émane de ce personnage comme celle d’un enfant qui exprime ses sentiments sans s’occuper du qu’en dira-t-on. En somme, quoique cela soit quelque peu réducteur, il est possible de voir en Hamlet, un adolescent attardé qui ne cesse de se faire violence, coincé entre un moi néantisé et un surmoi représenté par les instances patriarcales, le père fantôme, le beau-père et sa propre mère.

 Le théâtre justifie cette tentation de dépassement, d’irruption d’un moi imaginaire qui catalyse l’énergie, effectue le va et vient entre une réalité condescendante et ses manifestations indécentes, obligeant l’acteur à endosser plusieurs peaux, et parfois à commettre l’effraction, la pire ou la meilleure celle d’Hamlet qui plonge sa main dans son cœur au risque d’en crever.

 La mise en scène de Jérémie Le Louët, magnifique interprète d’Hamlet, fait penser à un inventaire désordonné et fou que le personnage lui-même aurait culbuté dans un grenier enchanté où pèle mêle se retrouvent les photos des rois et des reines sur papier glacé de Jour de France, l’ambiance désuète et vaporeuse d’un salon de casino, les copies de tableaux de maîtres, les coulisses d’un théâtre musée avec tous ses accessoires et même les silhouettes cartonnées de Victor Hugo et Shakespeare.

 Le dispositif vidéo devient un outil théâtral parfaitement maîtrisé qui manifeste sa réelle impudeur, sa volonté de voyeurisme, son aspect prédateur. Il faut voir comment Laërte, ce personnage secondaire se transforme soudain en tribun ouvriériste opposant au pouvoir du Roi fantoche.

 Un sale gosse que cet Hamlet qui ose donner un coup de pied dans la montagne des archives et des commentaires le concernant, le résultat est un spectacle déboussolé, déconcertant, festif et visuellement captivant, servi par des comédiens remarquables qui jouent plusieurs rôles.

Une réussite spectaculaire qui fait résonner cette jeunesse qui bouillonne chez Hamlet, en tant que phénomène théâtral !

Paris, le 25 Novembre 2018

 Evelyne Trân

 

SCÉNOGRAPHIE Blandine Vieillot

Photo D.R.

De Frédéric LORDON

COMPAGNIE ULTIMA CHAMADA

 Distribution :

 Alexandrine MONNOT, Loïc RISSER, Didier BOULLE, Simon BELLAHSEN, Alain VENIGER, Luc CLÉMENTIN,Gérald CESBRON en alternance avec Denis ARDANT

 

Il est plutôt rare de s’amuser lors d’une leçon d’économie politique et il faut reconnaître que Frédéric LORDON dispose d’un bagou hors du commun pour expliquer aux ignorants la crise financière des subprimes de 2008.

 Quelle idée géniale de transformer les banquiers en petits seigneurs aussi ridicules que les précieux de de Molière qui causent en alexandrins, s’écoutent parler, se pâment de leurs  bons mots, rivalisent d’impudence et d’arrogance.

La pièce écrite en 2011,  résonne comme un pamphlet féroce des connivences entre l’Etat et les banquiers.

Il s’agit bien entendu d’une farce burlesque où la valetaille, une fois n’est coutume, peut se rengorger de voir ces banquiers accoquinés aux Présidents traités comme des coqs, des paons qui n’arrêtent pas de glousser.

Ce n’est pas demain la veille que ces coqs remplaceront la dinde à Noël. Il est bon tout de même de se remémorer cette crise financière ne serait- ce que pour comprendre cet ogre du capitalisme qui pour faire bouillir la soupe des bienheureux, ne peut s’engraisser qu’en déplumant les autres.

Cynique et amoral, le comportement de ces banquiers hérisse le poil.

La charge de Frédéric LORDON, économiste lui-même, est violente . En militant anti-capitaliste, il met sa plume brillante et décapante au service de ses idées :

« Et si on commençait la démondialisation financière ? » « Et si on fermait la Bourse … ».

En pédagogue averti, l’auteur réussit à vulgariser des notions d’économie essentielle dont nous avons besoin pour relever, ne serait-ce qu’un petit peu, la tête et regarder en face ce monstre argent qui domine le monde sans vergogne.

Mais plutôt qu’au désespoir, à la résignation, la pièce invite le public à se moquer de l’épouvantail pour mieux le dénoncer !

Sous le prisme du carnaval, mise en scène tambour battant par Luc Clémentin, et joyeusement interprétée par des comédiens chanteurs, haut perchés sur l’échelle de l’alexandrin, le public valse entre rire et réflexion, éclaboussé par cette leçon d’économie délibérément provoquante !  A ne pas manquer !

 Paris, le 24 Novembre  

 Evelyne Trân

 

• 
• DISTRIBUTION

Avec : Logan Antuofermo, Clémentine Aussourd, Salomé Ayache, Louis Berthélémy, Adrien Dewitte, Ahmed Hammadi Chassin, May Hilaire, Virgil Leclaire, Margot Madani, Florence Mazot, Lisa Toromanian

Suzanne Barbaud Scénographie

Jeanne Bred Assistant(e) à la mise en scène

Marc Bretonnière Régie son

Lauriano De La Rosa Régie lumière

Vincent Détraz Direction technique

Chloé Lasne Assistant(e) à la mise en scène

Frédéric Pickering Régie vidéo

Frédéric Plou Régie générale

Sophie Schaal Création costumes

Léon Touret Direction technique

Juliette Salles (Assistante direction technique)

« Zone à étendre », le titre de la pièce fait évidemment référence à la Zone à défendre. Il s’agit d’une projection poétique, fantastique et au demeurant politique des motivations des zadistes, les plus connus étant ceux qui se sont manifestés récemment à Notre-Dame des Landes.

 Des rats des villes qui se transforment en rats des champs, pourquoi et comment ? La découverte de la forêt par des individus qui n’ont jamais connu que la ville, peut faire sourire tant elle parait naïve. Le ras de bol du capitalisme invasif peut-il suffire à renverser la vapeur, à transformer l’homme civilisé en homme des bois.

 « Chassez le naturel, il revient au galop » Le hic, c’est qu’aujourd’hui, le sentiment d’avoir perdu le contact avec la nature, est révélateur du fossé entre l’homme préhistorique et l’homme moderne.

 Reprendre possession de son corps, de ses émotions, en recherchant une communion avec la nature, en explorant un autre mode de vie, capable de faire front à une société sans âme qui n’entend rien aux élucubrations de quelques individus qui choisissent l’exil au milieu du pays, pour éprouver leurs propres moyens de subsistance, prendre du recul face à cette sensation de rouleau compresseur d’une économie qui broie les corps et les âmes et dénature la terre, telles sont les motivations des personnages de cette pièce, qui invoquent l’appel de la forêt.

 Touchons donc du bois ! Car il est possible de rester sceptique. C’est l’ordre mondial qui est en cause. Allez dire à un écologiste que la voiture, l’ordinateur, le téléphone portable qu’il utilise en permanence ne sont pas écologiques !

 Ne nous voilons pas la face, seuls quelques individus rejoindront la forêt et mèneront des tentatives alternatives de vie en communauté.  Vivre à l’écart de la société, c’est possible mais être au monde, c’est une autre histoire. L’homme, cet insecte nuisible, le plus grand prédateur de cette terre a vendu son âme. Les marchands de soleil, de lune, de forêts et de mers ne sont pas prêts à disparaître.

 En attendons, rêvons comme nous y invite l’émulsive mise en scène de Gérard Watkins réussissant  à mobiliser l’énergie juvénile et si attractive des élèves du Conservatoire qui remuent avec allégresse au propre et au figuré une terre nourricière, en s’y frottant, en s’y jetant, parce qu’elle est pour de vrai, l’inspiratrice du poème de Mariette NAVARRO fascinée par cette figure de la forêt « qui avance et va renverser le pouvoir »  dans plusieurs pièces de Shakespeare, Macbeth, Le songe d’une nuit d’été, et Comme il vous plaira.

 Les élèves de l’atelier de 3^ème   année allument une forêt qui stimule manifestement leur rêve de communauté théâtrale, sous les auspices d’auteurs vivants qui brassent l’air du temps tout en méditant cette pensée de Shakespeare « Nous sommes de l’étoffe dont sont faits les rêves ».

 Paris, le 19 Novembre 2018

 Evelyne Trân

Texte et poèmes : écriture collective, Anton Tchékhov, Bertolt Brecht , Alexandre Blok, Vladimir Maïakovski… Avec : Evguenia Peters (Génia), Daria Lovat (Dacha), Tatiana Paramonova (Tania), Ruslan Sabirov (Sergueï) Danse, mime : Eléna Garcia-Benites Musique : Daria Lovat (violoncelle), Evguénia Peters (piano) et Mike Ellis (saxophone) Chansons : Cabaret soviétique, romances russes et tsiganes, Marlène Dietrich, Liza Minelli, Alexandre Vertinski, Kurt Weill/Bertolt Brecht, Hanns Eisler/Vladimir Maïakovski, Egor Létov, Barbara, Edith Piaf, Frehel, Lucienne Delyle, Dépêche mode, Muse, chant lyrique, etc. Durée du spectacle 1h20, spectacle en français et en russe surtitré

Elles se sont échappées de la célèbre pièce de Tchekhov Les Trois Sœurs, et n’ont pour tout bagage que leurs   voix, leurs instruments de musique, le violoncelle et le piano pour une tournée chorégraphique et musicale autour de la Russie et même bien au delà.

C’est à un voyage très singulier auquel nous convie cette récréation collective où les comédiennes chanteuses russes se racontent et se dévoilent à travers leurs choix artistiques de poèmes, chansons, coups de cœurs qui témoignent de leurs migrations successives, leur permettant de créer des ponts, de subjuguantes  passerelles entre différents cabarets, berlinois, soviétique, parisien.

 Evguenia Peters (Génia), Daria Lovat (Dacha), Tatiana Paramonova (Tania), disposent d’un goût prononcé pour l’éclectisme puisqu’elles peuvent aborder tous les styles, se mouvoir aussi bien à travers les romances russes que le rock russe ou anglophone.

 Il semble que le metteur en scène Bruno Niver ait donné carte blanche à ces femmes oiseaux émotives, emportées et fragiles comme certains personnages de Tchekhov.

Mais il s’agit ici d’une fragilité de roseau qui plie et ne rompt pas, réceptif à une multitude de souffles transformant leurs corps en véritables éventails musicaux, découvrant leur espace-temps intime, volontairement éclaté.

 Et puis il y aussi ce bonheur de se laisser toucher par la beauté des intonations de la langue russe, même sans la comprendre.

A noter également la belle présence de Ruslan Sabirov qui fait résonner la révolte toujours actuelle du poète Maïakovski et l’étrangeté exquise de la danseuse Elena Garcia.

Un spectacle très personnel et original qui se déploie comme un kaléidoscope intime, un tourbillon de rêves et de chansons à ciel ouvert, à vol d’oiseau musical nostalgique et révélateur.

Paris, le 13 Novembre 2018

Evelyne Trân

 

 

 

Photo Christophe Raynaud de Lage

 

Avec Fiona Chauvin & Guillaume Fafiotte

ASSISTANTS À LA MISE EN SCÈNE Jonathan Salmon, Valia Beauvieux 

LUMIÈRES Sébastien Revel 

CRÉATION SONORE Antoine Prost

SCÉNOGRAPHIE Colas Reydellet 

COSTUMES Nadia Léon 

 

A une époque où la surabondance des sollicitations virtuelles par écrans interposés, réduit à sa peau de chagrin l’imaginaire individuel, le spectacle LA MECANIQUE DU HASARD prouve qu’il est possible par le seul pouvoir du conte et la ferveur des conteurs de mobiliser l’imagination des spectateurs, petits et grands, de façon étourdissante.

Le récit adapté du roman américain de Louis SACHAR nous conte l’histoire d’un adolescent, Stanley Yelnats qui par malchance, accusé d’un vol qu’il n’a pas commis se retrouve dans un camp de redressement, Le lac vert, situé en plein désert.

De caractère timide, sans d’autres repères que le sentiment de la malchance prodigué par sa famille depuis trois générations, Stanley aura l’occasion d’interpréter ses propres épreuves de façon positive grâce aux rencontres, aux amitiés dont il tirera pleinement profit, qui lui permettront de rebondir et sortir du trou.

D’un point de vue symbolique, les trous que doivent creuser les adolescents à titre de punition insigne sous un soleil de plomb, font écho aux trous de mémoire de l’histoire de l’humanité, impossibles à combler, lieux maudits des superstitions et des interprétations les plus folles.

Cette punition absurde fait également écho au mythe de Sisyphe condamné à rouler un énorme rocher de haut en bas d’une montagne, éternellement.

 Si la tâche en elle-même éreintant les corps n’a pas de sens, elle laisse néanmoins le champ libre au mental des adolescents acculés à réagir et à s’inventer d’autres projets beaucoup plus enrichissants. Ainsi Stanley en contrepartie de l’aide que lui apporte son ami surnommé Zéro, lui apprendra à écrire, déjouant la fatalité de son analphabétisme.

De nombreux thèmes jalonnent ce récit initiatique, le racisme, l’injustice, les rapports de domination. L’émotion qui s’en dégage est celle ressentie par des jeunes sans à priori qui ne peuvent qu’être stupéfaits, intrigués par la violence des événements qui leur sont rapportés. Par exemple, comment et pourquoi, la maison d’une institutrice a-t-elle put être incendiée pour le seul crime d’avoir embrassé un homme noir ?

Le sentiment de la fatalité qui concentre toutes les peurs peut faire place à l’apprentissage et la découverte de soi car c’est un message adressé aux jeunes, celui de croire en eux-mêmes, d’écouter leurs cœurs ; la quête des origines, le respect de l’arbre familial tutélaire ne pouvant en aucun cas se substituer à leur propre essor, au désir de s’affranchir des moules du passé pour poursuivre leur aventure, vivre leur vie.

L’effervescence du récit truffé d’humour s’est emparée des comédiens conteurs qui évoluent sur une scène à peu près nue. Seul un vieux réfrigérateur   y trône comme emblème farceur, à savoir, d’une mémoire tutélaire frigorifiée qui va être investie par de jeunes pousses.

LA MECANIQUE DU HASARD bat son plein, avec ces multiples ressorts parfaitement investis par les interprètes très vifs qui font de ce récit exaltant, une vraie ruche d’abeilles stimulant et piquant de façon jubilatoire  notre imaginaire.

Paris, le 8 Novembre 2018

Mis à jour le 14 Juin 2019

Evelyne Trân

 

Photo Christophe Raynaud de Lage

Avec Fiona Chauvin & Guillaume Fafiotte

ASSISTANTS À LA MISE EN SCÈNE Jonathan Salmon, Valia Beauvieux 

LUMIÈRES Sébastien Revel 

CRÉATION SONORE Antoine Prost

SCÉNOGRAPHIE Colas Reydellet 

COSTUMES Nadia Léon 

 

A une époque où la surabondance des sollicitations virtuelles par écrans interposés, réduit à sa peau de chagrin l’imaginaire individuel, le spectacle LA MECANIQUE DU HASARD prouve qu’il est possible par le seul pouvoir du conte et la ferveur des conteurs de mobiliser l’imagination des spectateurs, petits et grands, de façon étourdissante.

Le récit adapté du roman américain de Louis SACHAR nous conte l’histoire d’un adolescent, Stanley Yelnats qui par malchance, accusé d’un vol qu’il n’a pas commis se retrouve dans un camp de redressement, Le lac vert, situé en plein désert.

De caractère timide, sans d’autres repères que le sentiment de la malchance prodigué par sa famille depuis trois générations, Stanley aura l’occasion d’interpréter ses propres épreuves de façon positive grâce aux rencontres, aux amitiés dont il tirera pleinement profit, qui lui permettront de rebondir et sortir du trou.

D’un point de vue symbolique, les trous que doivent creuser les adolescents à titre de punition insigne sous un soleil de plomb, font écho aux trous de mémoire de l’histoire de l’humanité, impossibles à combler, lieux maudits des superstitions et des interprétations les plus folles.

Cette punition absurde fait également écho au mythe de Sisyphe condamné à rouler un énorme rocher de haut en bas d’une montagne, éternellement.

 Si la tâche en elle-même éreintant les corps n’a pas de sens, elle laisse néanmoins le champ libre au mental des adolescents acculés à réagir et à s’inventer d’autres projets beaucoup plus enrichissants. Ainsi Stanley en contrepartie de l’aide que lui apporte son ami surnommé Zéro, lui apprendra à écrire, déjouant la fatalité de son analphabétisme.

De nombreux thèmes jalonnent ce récit initiatique, le racisme, l’injustice, les rapports de domination. L’émotion qui s’en dégage est celle ressentie par des jeunes sans à priori qui ne peuvent qu’être stupéfaits, intrigués par la violence des événements qui leur sont rapportés. Par exemple, comment et pourquoi, la maison d’une institutrice a-t-elle put être incendiée pour le seul crime d’avoir embrassé un homme noir ?

Le sentiment de la fatalité qui concentre toutes les peurs peut faire place à l’apprentissage et la découverte de soi car c’est un message adressé aux jeunes, celui de croire en eux-mêmes, d’écouter leurs cœurs ; la quête des origines, le respect de l’arbre familial tutélaire ne pouvant en aucun cas se substituer à leur propre essor, au désir de s’affranchir des moules du passé pour poursuivre leur aventure, vivre leur vie.

L’effervescence du récit truffé d’humour s’est emparée des comédiens conteurs qui évoluent sur une scène à peu près nue. Seul un vieux réfrigérateur   y trône comme emblème farceur, à savoir, d’une mémoire tutélaire frigorifiée qui va être investie par de jeunes pousses.

LA MECANIQUE DU HASARD bat son plein, avec ces multiples ressorts parfaitement investis par les interprètes très vifs qui font de ce récit exaltant, une vraie ruche d’abeilles stimulant et piquant de façon jubilatoire  notre imaginaire.

Paris, le 8 Novembre 2018

Evelyne Trân

 

Philippe JARRY alias Tristan BOUDU « Les sculptures parlent d’elles mêmes »