Jeunesse-credit-Victor-Clayssen

Jeunesse-credit-Victor-Clayssen

Se laisser porter juste par ses rêves, pour partir en haute mer et revivre des émotions extra-terrestres, c’est le voyage hors du commun auquel convie ses auditeurs, un homme mûr qui tel Ulysse se laisse assaillir par les sirènes de la jeunesse.

 La dimension onirique du récit de Joseph CONRAD est formidablement mise en valeur dans le spectacle conçu par Guillaume Clayssen.

 Le narrateur donne l’impression musicale d’invoquer l’esprit de jeunesse qu’il associe aux aventures périlleuses qu’il a vécues sur un rafiot de fortune dénommé Judée ayant pour cap Banghok.

 Il parle constamment sous  l’emprise de l’émotion celle du marin qui entretient des rapports intimes avec son élément viscéral, la mer ensorceleuse. Nous assistons à son délire qui lui permet de plonger dans cet ailleurs creusé par une sorte de mémoire géante prête à l’absorber, à l’anéantir.

 Il ne dispose pour s’accrocher au réel que le souvenir physique des mâts du bateau qu’il devait escalader en pleine tempête. Les acrobates sur le plateau sont donc des doubles de lui-même qui exécutent  les mouvements dont son corps se souvient et rêve d’accomplir à nouveau.

 Se jeter du haut de sa vieillesse dans la mer agitée de la jeunesse tel est le vœu de ce vieux marin, porte-parole de Joseph CONRAD lui-même, qui après une vie maritime tumultueuse, du prendre sa retraite sur terre et entamer une nouvelle carrière celle d’écrivain.

 L’aspect intimiste du récit, la voix intérieure du narrateur filent la toile de récréation des circassiens que l’on voit même danser comme s’ils foulaient une mer démente et musicienne.

 Nous ne résistons pas à citer ces vers de Lamartine :  

Ainsi toujours poussés vers de nouveaux rivages, – Dans la nuit éternelle emportés sans retour, – Ne pourrons-nous jamais sur l’océan des âges, –  jeter l’ancre un seul jour ?

Très inspiré, le spectacle est halluciné, habité par la force vive d’un rêve, celui de Joseph CONRAD auquel les interprètes (un narrateur, deux acrobates, un éclairagiste, un ingénieur son)  en symbiose, rendent merveilleusement hommage.

 Paris, le 10 Octobre 2018

 Evelyne Trân

 

Compagnie Des Attentifs

Auteur : Joseph Conrad

Traduction : Guillaume Clayssen

Metteur en scène : Guillaume Clayssen

Scénographie : Delphine Brouard

Collaboration  : Claire Marx

Jeu : Johan Caussin, Frédéric Gustaedt, Julien Crépin, Raphaël Milland et Samuel Mazzotti

Lumière : Julien Crépin

Costumes : Severine Thiébault assistée de Barbara Tardeux

Création sonore : Samuel Mazzotti

Construction décor : Jean-Paul Dewynter

Site internet de la compagnie
www.lesattentifs.com

TOURNEE

 

 

Distribution :

Natalie DESSAY, Macha MERIL, Bernard ALANE, Gaël GIRAUDEAU, Valentine GALEY

 

Les légendes font partie de notre environnement impressionniste. Qu’un artiste renommé croie ou non à la postérité de ses œuvres, il y aura toujours des admirateurs passionnés, des proches, des amis pour forger sa légende.

 Nous n’avons pas d’autres ailes pour échapper au quotidien morose que les lustres des artistes qui éclairent, subliment nos émotions, nous stimulent.

 A priori, le thème de la pièce de Stefan SWEIG, écrite en 1919 est très éloigné de nos préoccupations immédiates. Il y est question d’un héritage spirituel d’un grand écrivain poète auquel s’est consacré sa veuve, n’hésitant pas à idéaliser le portrait de son époux dont l’aura a pour effet d’éclipser le fils qui doit se battre pour affirmer sa propre personnalité. C’est la rivale de sa mère, le premier amour de son père qui apportera du grain à son moulin en lui révélant que son père était certes un grand artiste mais pas aussi lisse et vertueux que sa légende.

 Légende contre réalité ? Stefan SWEIG s’est toujours attaché à traduire les histoires intérieures des individus, celles justement qui ne risquent pas de passer à la postérité. Il sait probablement par expérience combien les façades luxueuses trop rutilantes, n’ont de valeur qu’à l’extérieur.

 Le maquillage ne tient pas sous la plume de cet auteur, à l’écoute des voix étouffées, écrasées par les clairons de la bienséance,  destinés à repousser dans l’ombre, à l’écart, toux ceux qui pourraient ternir le tableau.

 Mais quel tableau ? Celui d’un salon bourgeois prêt à accueillir les invités d’une lecture littéraire des œuvres du fils que sa mère entend rattacher à la mémoire du père. Or le fils se rebelle car il sait qu’il fait tache, que le vernis de la légende du père n’a rien à voir avec lui, jeune écrivain débutant, en proie aux doutes, amoureux d’une femme d’origine modeste qu’il n’ose pas présenter à sa mère.

 Très progressivement, l’auteur laisse glisser le portrait du père qui ne tient plus qu’à un crochet celui de son épouse. Livrés à eux-mêmes, enfin libérés du leurre qui les égaraient, les protagonistes pourront parler d’avenir, moins ambitieux certes, mais vivant. Une façon de dire que pour marcher droit il faut regarder sous ses pieds et ne jeter un coup d’œil aux étoiles que modérément.

 La pièce, à notre sens, manque de rythme. Son intérêt réside principalement dans les portraits des personnages et les dialogues.

 La caricature n’est pas de mise. Il s’agit d’un drame intime, une joute quasi métaphysique entre des vivants et un mort. Et puis, il y a ce dénouement incroyable, la réconciliation entre les deux rivales amoureuses, l’épouse et l’amante.

 Natalie DESSAY est tout simplement bouleversante dans le rôle de la mère et épouse castratrice. Gaël GIRAUDEAU possède un jeu très nuancé qui lui permet d’interpréter avec véhémence mais sans violence, ce rôle ingrat du fils égratigné par l’image du père. Bernard ALANE est parfait en témoin proche de la famille et Valentine GALEY campe avec une belle vivacité la sœur.Quant à Macha MERIL elle nous est apparue délicieuse dans ce rôle de premier amour du poète, piquante, effrontée, rêveuse, toujours charmeuse.

 Vraiment un beau spectacle servi par une distribution brillante, la mise en scène sobre de Christophe LIDON. Le décor de Catherine BLUWAL, abstrait, géométrique y apporte sa touche intrigante et mystérieuse. Sonder les mystères de l’âme humaine fut toujours le propos de Stefan SWEIG, avec une brûlante délicatesse.

Paris, le 7 Octobre 2018

Evelyne Trân

Photo Marc GINOT

Distribution
Nicolas Oton mise en scène
Ludivine Bluche assistante
Avec :
Cyril Amiot, Ludivine Bluche, Frédéric Borie, Elodie Buisson, Brice Carayol, Charlotte Clamens, Laurent Dupuy, Franck Ferrara, Christelle Glize, Manuel Le Lièvre, Patrick Mollo, Alex Selmane, Alyzée Soudet
Scénographie Gérard Espinosa
Lumière Dominique Borrini
Son Alexandre Flory
Costumes Marie Delphin
Régie générale Mathieu Zabé
Régie lumière Claire Eloy
Production : Machine Théâtre
Coproduction
L’Archipel, scène nationale de Perpignan
Le Cratère, scène nationale d’Alès
Festival Le Printemps des comédiens, Montpellier

Représentations
L’Archipel, scène nationale de Perpignan, Le Carré
2, 3, 4 octobre 2018 à 19h / 5, 6 octobre à 20h30 / 9, 10, 11 octobre à 19h
Au Cratère, scène nationale d’Alès, Grande salle
16 et 17 octobre à 20h30, 18 octobre à 19h
ATP Lunel, Salle Georges Brassens
4 décembre 2018 à 20h30
Printemps des comédiens, festival juin 2019

La scène est obscure, juste un grand pont la traverse qui suggère l’ailleurs, les autres, la rue , la ville Saint Pétersbourg qui fulmine noyée dans la chaleur et la poisse. En contrebas, éclairé par un projecteur, il y a le lit de Raskolnikov, son drap blanc froissé, une tache de lumière avec ses relents de sueur, de fièvre, d’insomnies.

Raskolnikov sort de sa nuit, du cageot de sa cervelle encrassée par de mauvais rêves, d’une idée qui a germé dans sa tête et qui deviendra le motif de tout le roman, pour entrer dans une autre nuit, à la rencontre d’autres âmes empêtrées, prisonnières qui possèdent chacune leur version de l’enfer sur terre.

 Dans Crime et châtiment, c’est la descente aux enfers d’un jeune homme que décrit Dostoïevski, une descente d’autant plus impressionnante qu’elle semble inoculée par la pensée du héros lui même, qu’il ne se passe rien d’extraordinaire et que même le passage à l’acte, le crime de Raskolnikov semble avoir été commis dans un rêve éveillé.

Raskolnikov est un dormeur éveillé de la race d’Hamlet, l’instinct chez lui est érodé par la pensée qu’il imagine supérieure, susceptible de faire voler en éclats un sentiment insupportable d’oppression, d’indignité que lui renvoie dans toute « sa splendeur » l’usurière .

Y a t-il une raison d’être de la conscience, peut-elle s’affermir de ses propres raisonnements, de façon autarcique comme l’entend le jeune homme au moins sûr d’une chose, c’est que l’usurière ne mérite pas de vivre, qu’elle lui parait aussi nuisible qu’un pou.

Cette solitude d’une conscience qui tourne en rond parce qu’elle n’ a pas d’autres critères que son propre miroir, est totalement dans le déni d’une réalité compensatoire, sans concession.

Comment sortir de soi, d’une prison intérieure, une forteresse à vide qui grelotte de cauchemars, chauffée à blanc par sa propre fièvre, pour aller vers l’autre, qui n’aurait rien d’autre à offrir que sa propre misère.

Photo Marc GINOT

Pourtant un pont de solidarité va se construire de façon inespérée comme si seul un malheureux pouvait comprendre un malheureux. C’est Sonia, la jeune prostituée au coeur pur qui ouvrira ses bras à Raskolnikov, le criminel, et aussi la bienveillance du policier Porphyre qui permettra au jeune homme d’avouer son crime non par remord mais pour rejoindre la société humaine aussi désespérante soit-elle.

Dans la mise en scène, les ténèbres du héros, s’ouvrent sur une galerie de personnages qui interpellent le héros avec leurs récits de vie, tous édentés par la misère morale et matérielle, pour atteindre un point lumineux ultime celui de l’amour qui le submerge pour Sonia.

La scénographie d’une sombre beauté, tel un idéogramme chinois offrant la vision d’allées et venues d’humains sur un pont jeté au-dessus de la vie rampante de nécessiteux, fait écho à la misère de notre époque actuelle.

La différence néanmoins qui frappe c’est qu’au 19ème siècle, il n’était pas encore question de société de consommation. Force est de constater que les usuriers ont pignon sur rue, aujourd’hui de plus belle.

L’adaptation théâtrale du roman, fidèle aux dialogues de Dostoïevski, permet d’appréhender, d’un seul coup d’œil,  la force étrange d’une épave dans un océan obscur, qui continue à envoyer des signaux désespérés, qui a voix humaine, chargée malgré tout d’espérance.

Nous saluons le talent du metteur en scène Nicolas Oton qui fait preuve d’une étonnante sobriété et pénétration pour exprimer sans effets superfétatoires, toute la fièvre de Crime et châtiment, véritable thriller psychologique, d’une modernité cinglante.

Nous saluons également la performance des comédiens et de toute l’équipe technique qui a fait honneur à l’immense plateau de la magnifique scène nationale de Perpignan, l’Archipel, créé par Jean Nouvel, et couvé comme il se doit par son Directeur Général Borja Sitjà.

Evelyne Trân

 

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• Sylvain Gary
• Avec : Sylvain Gary 
• François Martin compositeur pianiste ,
• Antonella Mazza contrebassiste