Ecriture scénique et mise en scène
Claire Vienne
Jeu
Luc Brumagne
Scénographie
Daniel Lesage
Régie
Loïc Blanc
Maryse Antoine
Construction des décors
Maryse Antoine
Adnan Insel
Chloé Verbaert

C’est son histoire à Monsieur, ses instants de grâce, sa vie comme un ballon fragile qui ne tient qu’à un fil, celui de la rêverie.

Ce Monsieur-là est pauvre certainement, à nos yeux sans doute parce que nous ne disposons pas de baguette magique. Lui, il l’a comme la petite fille aux allumettes d’Andersen. Il sait faire craquer les choses, les plus cabossées, les plus usées, leur donner vie en les couvant d’un regard tendre.

Il se raconte, musicien dans un coin d’ombre, son instrument c’est comme un chien, ou encore en train de faire sa toilette en se regardant dans le miroir d’une vieille boite de pharmacie. Sa marotte c’est de jouer avec les tiroirs où il cache et retrouve ses objets fétiches.

Il se raconte en train de courir après le temps. Le temps c’est un personnage à lui seul, par seulement le coucou de l’horloge, le temps avec ses faces riantes et esseulées, c’est un drôle de furet sauvage, le temps, ça s’apprivoise.

Monsieur est un grand peintre qui aime les couleurs vives et assoupies, il anime l’espace au gré de son imagination, de ses habitudes, les choses lui parlent, il leur parle, voilà son histoire.

Monsieur est seul, et alors ? La solitude est sortilège parfois, elle permet de planter son drapeau, de devenir une antenne pour toutes sortes d’yeux rieurs invisibles.

Monsieur est un grand diable aussi. Il a ses humeurs, ses secrets. Nous avions déjà dit qu’il était magicien. Le clou du spectacle c’est l’apparition d’une créature exubérante, monumentale qui chante comme Dalida.

Monsieur, parait-il, était S.D.F, il s’appelait Marcel Creton. Il voulait faire du théâtre, et le Théâtre de la Communauté de Seraing lui a permis de monter son spectacle sans un mot parce qu’il n’avait pas beaucoup de mémoire. A sa mort en 2015, le spectacle a repris avec un étincelant interprète Luc BRUMAGNE.

Pari réussi pour Marcel, comme un ballon qui court dans le ciel, son histoire voyage avec ce frisson de liberté insatiable, si juste, si pur, juste un instant de grâce !

Paris, le 28 Mars 2018

Mis à jour le 5 Juillet 2018

Evelyne Trân

Costumes : Salvador MATEU

Scénographie : Benjamin GABRIE

Une saison en enfer d’Arthur Rimbaud fait partie de ces œuvres dont nous connaissons le titre pour les avoir parcourues en milieu scolaire. Pour ma part, j’ai le souvenir de cette déflagration de tous les sens qui ne concordait pas avec la présence rigide de l’enseignante censée nous ouvrir les portes de la poésie.Impossible d’évacuer ses émotions, impossible de les dire.

Curieuse démarche humaine que celle de vouloir tendre vers un public inconnu le fruit de ses expériences les plus intimes. Rimbaud était un communiquant, un chercheur, un découvreur et sa phrase célèbre « Je est un autre » nous permet de l’imaginer tout là haut à ce stade de pause après une longue course, se retourner, faire volte face, pour regarder ceux qui l’ont poussé à grimper si haut. Être devant et derrière, de plein fouet être saisi par cet éblouissement d’être parmi les autres.

Rimbaud avait le sentiment de sa force, de sa démesure, il l’appelle orgueil. Il y a chez lui une formidable pulsion de vie qui s’est trouvée brimée, contrainte par son environnement familial particulièrement austère, l’état d’esprit de ses contemporains.

Les autres sont toujours là autour de soi, ne serait-ce que par le langage, l’intention qui le submerge. Souvenons nous que Madame Rimbaud mère qui ne comprenait pas la prose poétique de son fils a néanmoins sorti son porte- monnaie pour l’aider à publier cette saison en enfer.

Comment aller au bout de la lecture de cette œuvre qui dresse le paysage d’une âme en proie aux doutes, aux vertiges, qui parle de souffrance, mais aussi de ses extraordinaires enchantements.

La perspective que nous offre le metteur en scène Ulysse DI GREGORIO est assez étonnante. Elle fait entrer le silence, les silences dans l’œuvre de façon spectaculaire, voire déconcertante. Car il faut les soutenir ces silences, les pousser devant soi, hors de soi et les entendre. Ils configurent la nuit, celle du fameux purgatoire, qui doit permettre de laisser surgir comme des fleurs, des images, des pigments d’étoiles, de pures apparitions, les pensées du voyageur Rimbaud.

Drapé comme un antique nomade du Sahara,, Jean-Quentin CHATELAIN qui a la stature du Balzac sculpté par Rodin, l’étoffe du voyageur rupestre, donne à toucher cette main poétique qui traverse le feu avant d’écouter l’eau qui la submerge. Dans la nuit, oui, nous avons entendu le bruit infini d’une cascade d’être, intérieure et magique .

Paris, le 18 Mars 2017

Mise à jour le 4 Juillet 2018

Evelyne Trân 

Auteur : Barbara
Collaboration artistique : Caroline Loeb
Distribution : Caroline Montier (chant, piano)

Nous connaissions la dimension tragique de Barbara, ses accents qui déchirent l’âme mais bien moins son côté espiègle, fantaisiste voire enfantin.

C’est cet aspect-là qu’a su retrouver Caroline Montier qui interprète au piano les chansons de jeunesse de Barbara débutante, de la première période entre 1962 et 1970, notamment :

– Toi l’homme
– Du bout des lèvres
– Pierre
– Chaque fois
– Dis, quand reviendras-tu
– Amoureuse
– Tu ne te souviendras pas
– La solitude

Des chansons d’amour si fraiches, si vives et mélodieuses !

La mise en scène sobre et élégante de Caroline Loeb donne toute latitude à l’imagination du public.

Caroline Montier se laisse traverser par la pluie de notes, atteint le paysage de Barbara sur les traces de ses ondées merveilleuses.

Et la grande clairière s’ouvre qui fait penser à un poème de Rimbaud qui court, court jusqu’à se laisser emporter par sa propre ivresse.

Caroline Montier n’a pas besoin d’imiter Barbara, son empathie avec la Barbara amoureuse suffit pour libérer l’oiseau qui bat de ses propres ailes, un vrai instant de grâce avec Barbara.

Paris, le 28 Janvier 2018

Mise à jour le 3 Juillet 2018

Evelyne Trân

 La plupart du temps, nous passons à côté des choses, des personnes, sans même les voir ou à travers une grille d’idées toutes faites qui surplombe notre bulle, une façon de se protéger sans doute. Nous a-t-on appris à avoir peur, peur de tout et surtout des autres, ceux qui ne sont pas passe partout, ceux qui ne sont pas transparents, ceux qui ne sont acceptables qu’au cinéma au théâtre ou dans la littérature, et zut !

Intriguons nous ! Adeline PIKETTY, elle, n’est pas passée à côté d’une clocharde qui siégeait sur un trottoir dans le quartier de la Roquette. Elle était adolescente, pas encore bardée d’à priori et s’est laissée impressionner par la présence de cette femme, une sorte de pythie des temps modernes qui dérange.

Son seul luxe à cette femme, la pauvreté ! La voilà qui dégorge son dégoût de la société de consommation, la voilà qui raconte comment elle a mis le feu à tous ses papiers, factures etc. et comment elle est partie, a tout quitté.

C’est une héroïne tragique au même titre que des personnages antiques. Abandonner sa première personnalité, celle d’un médecin psychiatre, dit-on, était-ce une façon à elle de se crever les yeux comme Œdipe pour sentir, vivre autrement.

Aller au bout de soi-même, quelle idée ! Aller au bout de sa peine, impossible !

 Elle s’appelle Chantale et crie parfois son nom à tue-tête. Elle ne s’exprime plus que comme un reste, un déchet de la société. Elle ne retrouve de la force que dans l’invective, elle prétend pour elle-même qu’elle représente le chaos, le désordre dans un monde qui oublie que l’ordre pue aussi puisqu’il justifie le gaspillage   et permet à des élus de chasser à coups de pieds les S.D.F qui déshonorent les belles vitrines.

 Un déchet aurait-il quelque chose à dire ? Reconnaissons que cela nous fait mal de nous représenter déchet aux yeux des autres, il faut imaginer qu’il pèse des tonnes ce regard de mépris de l’autre, incapable de ressentir que derrière la loque, il se trouve un être.

Une maison s’est écroulée sur la tête de Chantale et l’a enterrée vivante. Mais elle continue à crier, à errer de la Roquette à la Bastille. Cela va faire quinze ans, vingt ans ! Est-ce que le temps compte !

Hantée par cette femme, Adeline PIKETTY a décidé de faire son portrait, tissé à partir de ses propres sensations.

Maintenant, elle l’incarne sur scène, Chantale, de façon saisissante, parce qu’elle est ses yeux à Chantale, son port de tête, sa voix cassée, sa détresse, cette alarme, cette souffrance, la vie, quoi toujours malgré tout !

Et soudain, nous nous surprenons à la considérer comme un bel arbre cette femme, cette clocharde qui a un tel pouvoir d’expression, un arbre tordu, ravagé certes, un arbre femme qui bouge, qui se promène sur les trottoirs,  grâce à Adeline PIKETTY, nous l’aurons suivie, elle nous a impressionnés, voilà sa marque de noblesse !

 Paris, le  5 Juin 2018

Mise à jour le 3 Juillet 2018

 Evelyne Trân

auteure et comédienne Leïla Anis
metteur en scène et comédien Karim Hammiche
création musicale Clément Bernardeau
créatrice lumière Véronique Guidevaux
régie son Pierre-Emmanuel Jommard
production Compagnie Oeil Brun
coproduction Théâtre de Cachan, Grange Dimière-Théâtre de Fresnes, L’atelier à spectacle-scène conventionnée de l’Agglo du pays de Dreux, Ville de Dreux, Conseil départemental d’Eure-et-Loir, Région Centre-Val-de-Loire, Drac Centre-Val-de-Loire

MONSTRUEUSES, le titre de la pièce comme une apostrophe, un cri d’indignation ou de frayeur, conjugué au féminin qui se perd dans la nuit des temps, au passé, au présent et sans doute à l’avenir.

 Un formidable appel qui jaillit d’une béance, du vagin, puits cosmique, lieu commun de toutes les femmes qui à l’occasion d’une perte de conscience d’Ella qui découvre qu’elle est enceinte, va occuper le terrain de sa mémoire organique, fusionnelle.

Le passé pèse lourd au présent. Comment réaliser au moment d’enfanter que le nouveau-né fait partie d’une chaine inimaginable, où se profilent pourtant les ombres de toutes les femmes et tous les hommes qui nous ont précédés.

 L’histoire des femmes est marquée par le rite de l’enfantement, annoncé, voulu ou non voulu, abstrait ou concrétisé. Il s’accompagne d’un sentiment de culpabilité. Quelle femme ne s’est pas demandé si elle n’allait pas accoucher d’un monstre.

Qui ne se souvient de ces paroles bibliques « Tu accoucheras dans la douleur », des faiseuses d’ange, des avorteuses condamnées à mort, des filles mères scandaleuses etc.

Mettre au monde, cela ne va pas de soi et les visions candides des jolis landaus équipés de joujoux, des cérémonies de baptêmes ne pourront effacer la caravane de toutes ces femmes dont le rôle se réduisait à celui de mère et d’épouse, faute de quoi elles n’étaient pas des femmes.

La coupure du cordon ombilical, geste obligatoire, n’est pas signe de la rupture de mémoire, il y a la présence aussi de ce joli nombril avec toutes ses ridules qui lui seul semble avoir le sourire béat, il n’a pas l’air d’un monstre.

Par la bouche, Ella une jeune femme d’aujourd’hui explore le vécu de quelques femmes de sa lignée qui s’étend du Yémen à la France, au 20^ème siècle, cinq générations dont la sienne. En quelque sorte, elle accouche par la parole de toutes ces figures jugées monstrueuses.

L’exploration n’est pas pathétique, elle est par moment même lumineuse, il s’agit des retrouvailles d’Ella avec ses sœurs, mère, grands-mères, arrière-grands-mères.

De la joie perle dans le souffle  de Leila Anis la comédienne et l’auteure de la pièce. Il y a cet espoir malgré les pics de souffrance – le sentiment qu’elles ont marché sur des clous toutes ces femmes – qu’il est possible de dire jusqu’à l’indicible puisqu’il faut faire face au « monstre » du silence.

Les monstres pétris d’angoisses, de peurs, de traumatismes émotionnels, reclus dans les non-dits, ne sont pas si faciles à apprivoiser, ils sont responsables des névroses, des maladies mentales, ils forment tant de nœuds dans la conscience qu’ils enchainent, handicapent celles et ceux qui doivent faire avec.

Magnifique est la langue de Leila Anis à la fois volcanique et tendre. Elle a la couleur de la poésie, la poésie crue des émotions vives.  

La mise en scène de Karim Hammiche est très attentive aux mouvements de cette femme flamme qui entend illuminer toutes les autres, au-delà de celles de sa lignée.

 Nous sommes émus jusqu’à l’indicible !

 Paris, le 18 Novembre 2017   

Mise à jour le 2 Juillet 2018 

Evelyne Trân

assistant à la mise en scène Arthur Guillot – traduction du Grec ancien Déborah Bucci – lumières Stéphane Deschamps – costumes May Katrem et Sandrine Gimenez – son et vidéo Yannick Donet – scénographie Claire Massard et Igor Mendjisky – construction décors Jean-Luc Malavasi – service de presse @ Zef (01 43 73 08 88)  – Isabelle Muraour (06 18 46 67 37) et Emily Jokiel (06 78 78 80 93) / www.zef-bureau.fr

N’était-il pas audacieux d’introduire comme personnage principal de son roman « Le Maitre et Marguerite » le Diable en personne ? Il faut croire que ce roman demeuré inachevé, écrit par Boulgakov de 1928 à 1940, sous le régime de Staline, était particulièrement subversif puisqu’il ne fut publié à titre posthume, en version non censurée qu’en 1967.

 Dans ce roman prodigieux Boulgakov déplace des montagnes, celle des croyances et des mythes qui constituent les limites du genre humain dans sa perception du bien et du mal.

 Le Diable représenté par le Professeur Woland, spécialiste de la magie noire prend un malin plaisir à provoquer l’intelligentsia du monde du spectacle et de la littérature ligotée par la censure comme l’était Boulgakov lui-même.

 Curieux Diable tout de même qui vient à la rescousse de pauvres écrivains internés en asile psychiatrique à cause de leurs propos délirants. Ce Diable ne fait donc plus figure d’ange exterminateur mais d’ange libérateur qui entend offrir la liberté à ceux qui n’y croient plus, faute de pouvoir l’exercer.

 Véritable manifeste de résistance, contre la censure qui mina la carrière de l’écrivain, ce roman constitue en quelque sorte le journal intime de Boulgakov qui sait qu’il ne dispose qu’une seule arme, son imagination pour s’extraire de la torpeur ambiante.

 La fameuse scène où deux intellectuels rencontrent le Professeur Woland alias le diable, dans le parc des Etangs du Patriarche, donne le ton ironique et fantastique qui parcourt toute l’œuvre. C’est à l’occasion d’une discussion entre le professeur Berlioz et le poète Ivan sur l’existence de Jésus que le professeur Woland intervient et déclare en substance à ses interlocuteurs « Comment pouvez-vous croire gouverner le monde, vous qui n’êtes pas capable de connaitre votre avenir » Ce dernier prédit sa mort au professeur Berlioz incrédule. Puis inopinément s’ensuit une scène entre Ponce Pilate et Jésus, sujet du poème d’Ivan…

 Le va et vient constant entre la réalité et la fiction devient le moteur du roman puisque ces deux dimensions forment les deux pôles du tourbillon mental qui submerge les personnages.

 L’adaptation théâtrale de ce roman profus, d’emblée se situe sur la lisière du rêve, toutes les situations fictives ou réelles, se déroulant sur le même plan, le champ d’exploration de Boulgakov, hanté par un Diable capable d’effacer les frontières entre une réalité qui fige les protagonistes et leurs rêves, les fantasmes qui les habitent.

 Il s’agit donc de créer l’illusion d’une fusion entre la réalité assumée par les personnages qui confine au cauchemar et leurs désirs que seul le diable pourrait réaliser.

 Le Diable devient l’amant idéal qui orchestre l’orgasme onirique de ses victimes consentantes.

 De ce point de vue, l’adaptation théâtrale d’Igor MENDJISKY est réussie. Elle intègre une dimension diabolique dans la mise en scène, avec un écran géant où se projettent les décors tandis que sur la scène dénudée, les personnages jouent leur vie.

Photo Antonia BOZZI

 Sont-ils projetés par le regard d’un Diable, allez savoir ! Le Professeur Woland interprété par Romain COTTARD a un côté  dandy, plutôt cool, il est agaçant mais jamais agressif.

 L’équipe de la Compagnie Les Sans cou, offre une lecture onirique, libertaire du conte, sans débordements d’humeurs. Le cocon du rêve absorbe la cruauté. Il appartient aux spectateurs, livrés à la flamme occulte de ce Professeur Woland, d’apprécier son étonnant message de paix et de liberté.

 Paris, le 21 Mai 2018

 Evelyne Trân