Avec : Tony Harrisson

Imaginez un homme en captivité que la souffrance a envahi au point qu’il se sait coupé du monde, des autres vivants, un homme exténué qu’un autre viendrait interroger pour recueillir ses impressions. Il est vraisemblable que l’homme exténué lui répondrait « Je crains de ne pouvoir vous répondre, je vais mourir sur place »

N’être plus qu’un numéro, se retrouver dans la situation d’un animal mené à abattoir, ou celle d’un esclave considéré uniquement comme un outil, une main d’œuvre, quel homme, quelle femme peuvent survivre à cette épreuve de déshumanisation? Même le sort du bétail mené à abattoir paraît plus enviable parce qu’il ne s’agit pas de le faire souffrir inutilement.

Primo LEVI, juif italien, était jeune lorsqu’il entra dans le camp de concentration d’Auschwitz . Il raconte « En même temps que la peur , la faim et l’épuisement, je ressentais un besoin extrêmement puissant de comprendre le monde qui m’entourait »

Il déclare aussi qu’Auschwitz était l’œuvre des hommes, et « que nous sommes des hommes; il est le fruit d’une philosophie de l’occident à laquelle nous avons tous apporté notre contribution, à laquelle nous avons collaboré d’une manière ou d’une autre »

Il s’agit bien évidemment de considérations postérieures à son expérience du camp . « Si c’est un homme » dont le titre est tiré d’un poème, aurait été écrit à la hâte sur des bouts de papiers, en urgence, à son retour de captivité. Primo LEVI devenu en quelque sorte une référence comme témoin, grâce à l’audience de son livre, revînt sur cette version, des décennies plus tard, pour exprimer que l’écriture fut certainement moins spontanée.

A une journaliste qui lui demande comment il a pu psychologiquement revivre et exprimer par des mots une expérience « qui va si loin au delà des limites de l’humain et de l’imaginable », il répond qu’il a la sensation de « s’être lancé dans une entreprise à peu près impossible ».

Se considérant comme un témoin privilégié parce qu’il était chimiste, il rappelle que le destin du prisonnier moyen, « personne ne l’a raconté parce que pour lui, il n’était matériellement pas possible de survivre ».

« Ici, il n’y a pas de pourquoi » est inspiré de l’adaptation théâtrale de « Si c’est un homme » par Primo LEVI lui même et Pieralberto MARCHE.

Tony HARRISON co-adaptateur avec Cécilia MAZUR, comédien et metteur en scène s’est attaché a une version moins dialoguée et plus musicale avec le musicien GUITOTI dont l’instrument, le hang ponctuent les paroles de sonorités variées, fraîches et suggestives.

Tony HARRISON comprend que ce que le mots ne peuvent pas exprimer, le corps peut le suggérer. Nous assistons donc à une véritable chorégraphie qui n’entend pas seulement coller à la réalité sordide du prisonnier mais qui s’étend à la conscience du narrateur de « Si c’est un homme » ouvrant son espace de liberté et d’humanité au delà des barreaux extérieurs.

Dans la situation de l’enfermement, le prisonnier n’a d’autres repères que son propre corps, c’est lui qui parle de douleur parce que c’est elle qui l’envahit. Cette confrontation à la souffrance, la conscience du prisonnier ne l’épuise pas, elle paraît interminable elle la remplit de stupeur pendant les répits, l’interpelle sur ses facultés de bonheur pour un bout de pain, pour un sourire.

Le filet d’espoir c’est le dialogue entretenu entre le corps et l’esprit, ce même pont que veulent abattre les bourreaux, les tortionnaires, c’est aussi le regard porté de soi à l’autre. La réalité criminelle des nazis, c’était de n’avoir plus d’yeux ni d’oreilles pour voir et entendre un être humain parce qu’il était juif, tzigane, handicapé, homosexuel, dissident, marginal.

Grâce soit donc rendue à ce spectacle dont la beauté n’est pas gratuite, elle émane certainement du message même de Primo LEVI, humain, viscéralement humain, ouvert à tous.

Paris, le 15 Avril 2017                                 Evelyne Trân

 

N.B : Yvan NOGALES était l’invité de l’émission « Deux sous de scène » sur Radio libertaire 89.4 le Samedi 15 Avril 2017 (en podcast sur le site grille des émissions Radio Libertaire pendant un mois)

 Le Théâtre TRONO a été fondé par Iván  NOGALES à la fin des années 80, lors de la dictature militaire de Luis Garcia Meza  à EL ALTO,  une cité ouvrière, la deuxième plus grande ville de Bolivie, voisine de la capitale LA PAZ,  située à 4000 mètres au-dessus du niveau de la mer.

Les premiers artistes étaient des enfants sans abri recueillis par Iván NOGALES alors même que les spectacles de rue étaient interdits.

 « Nous essayons de réclamer la démocratie à travers l’art » dit-il. C’est en quelque sorte  la devise d’ Iván  NOGALES .

Le terme Trono  en espagnol a  aussi bien le sens de quelque chose qui se brise que celui de trône. Dès lors, il est possible de se représenter l’artiste à la rue devenu Roi au théâtre.

 Aujourd’hui le projet de réinsertion sociale s’est étendu aux habitants d’EL ALTO offrant une grande gamme d’activités culturelles.

La pièce à laquelle nous avons assisté « ARRIBA EL ALTO «  raconte la naissance de la ville, l’histoire d’amour entre Angel et Victoria et la grande révolte des citadins en 2003 « La guerre du gaz » lorsque le gaz fut vendu au Chili, qui se termina par la fuite du gouvernement en vigueur aux Etats Unis.

Tambour battant, vêtus de costumes chatoyants et de masques de carnaval, les artistes donnent le ton, dès leur entrée sur scène, de leur débordante énergie.

Leur théâtre très expressif, privilégie la pantomime, la danse, la musique traditionnelle avec les percussions  sifflets, flûtes de pan etc. Les spectateurs assistent à des scènes jouées dans la rue qui demandent aux artistes une agilité extraordinaire pour se faufiler dans la foule ou sur les trottoirs.

Les différents tableaux qui conjuguent événements dramatiques et vie quotidienne, se succèdent de façon vertigineuse, sidérante.

Vraiment un magnifique spectacle que nous recommandons de tout cœur tant il est exceptionnel. Il va sans dire que les enfants des rues qui sont à l’origine de la compagnie sont aujourd’hui des  artistes accomplis et que c’est la quintessence de leur art qu’ils ont choisi d’offrir au public français.

 Paris, le 11 Avril 2017                    Evelyne Trân

 

 

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Une véritable gageure que celle de monter Les Misérables au théâtre, cet imposant roman de plus d’un millier de pages !

L’œuvre a frappé les esprits jusque dans les colonies françaises. Au Vietnam, par exemple, la religion caodaïste vénère l’écrivain comme un Dieu tant il est vrai que la misère est un thème universel.

L’écolier qui a appris à lire en se penchant sur une version édulcorée d’un épisode du roman témoignera des longues heures où son regard restait fixé sur la main de Jean Valjean soulevant le seau de Cosette, laissant ensuite papillonner son attention sur le texte.

Quant à la collégienne qui tenta en vain de rédiger une présentation de l’oeuvre gardera le souvenir cuisant du jugement du professeur « Artificiel, Mademoiselle ! ».

Ni l’écolier, ni la collégienne n’avaient lu dans son intégralité l’oeuvre et pourtant ils croyaient la connaitre, les personnages de Cosette et de Jean Valjean, ils les entendaient au plus profond d’eux mêmes. A 7 ou 14 ans, l’injustice, la misère, le désespoir pouvaient résonner dans leurs jeunes consciences. Quand il faut parfois des kilomètres de phrases, de pensées pour atteindre une vérité, c’est à dire quelque chose qui impressionne aussi bien l’âme que le corps, il suffit d’une vision, d’une apparition pour troubler l’esprit.

Rendez-vous compte, les héros du roman sont vraiment des Misérables, ils s’appellent Jean Valjean, Cosette, Madame Thénardier et il est toujours possible de s’y identifier . Mais ils sont plus que misérables, ils ont du caractère !

La mise en scène de Manon MONTEL est essentiellement illustrative, elle gravite autour des personnages comme si elle était en train de les peindre au pinceau, chacun est porteur de son histoire, chacun doit affronter un autre avec ses propres secrets dont seuls les spectateurs ont la teneur.

Les tableaux d’une véritable beauté (Il faut saluer les costumières) palpitent sous une lumière très maîtrisée mais les personnages transpirent néanmoins jusqu’au bout.

Note surprise, dans cette version des Misérables, une Thénardier, âme damnée du roman qui joue de l’accordéon et tient lieu de narratrice.  Sa vivacité fait avancer chacun des tableaux chargés de concentrer en un heure et demie ce roman prodigieux.

Tout public, le spectacle servi par d’excellents comédiens devrait impressionner particulièrement les jeunes spectateurs. Mais les adultes aussi réentendront l’histoire avec plaisir. Et puis, ils iront se replonger dans le texte gorgé de pépites. Manon MONTEL nous tend une perche, c’est sûr, il faut relire les scènes les plus sublimes, la mort de Fantine, la rencontre de Valjean avec le petit savoyard et bien d’autres, elles sont irésumables !

Paris, le 8 Avril 2017                                        Evelyne Trân

De Dorothée Zumstein
mise en scène Marie Christine Mazzola // avec : Thibault de Montalembert // Sarah Jane Sauvegrain // Tatiana Spivakova.
Scénographie, Sarah Lee Lefèvre // composition musicale Benoit Delbecq //création lumière Pierre Gaillardot //

Site de la Charmante Compagnie : http://lacharmantecie.wixsite.com/lacharmantecompagnie

Crédit Photo : Gaël Ascal

Quel dramaturge n’a pas rêvé de convoquer sur une scène de théâtre ces chères âmes disparues.

Les écrivains quels qu’ils soient ne cessent d’entendre des voix. Elles s’imbriquent dans la constellation de leur mémoire, elles font partie du tissu intime de leur conscience. Mais en vérité, cela n’existe pas la mort même pour les personnes qui ne s’expriment pas à propos de leurs chers disparus. La mort d’une personne aimée opère une dilution du temps, éternise des sensations devenues vitales . Sans mémoire que serions nous, que signifierait notre personnalité ?

Les morts ne prennent pas la place des vivants, ils les accompagnent là pourrait-on dire, là où il n’y a plus d’objet entre eux et leur être-là, ici et maintenant.

La poésie ouvre la porte aux fantômes. Ce n’est donc pas un hasard si le héros de « Never, never, never » est un poète. Il y a chez le poète un besoin inextinguible de traverser les murs, les apparences et les mots forment ces briques de murs, le plus souvent comme repères car de la même façon qu’il est impossible de fixer du regard le soleil qui vous éblouit, vous ne serez pas tentés de vous laisser approcher par des esprits sauf en rêve. Votre moi trop affirmatif est de nature à décourager les âmes flottantes que vous imaginerez libres tout entières à elles mêmes, à leurs sentiments.

A la veille de recevoir un grand prix de poésie, Ted reçoit la visite de deux femmes qu’il a aimées et qui toutes deux se sont suicidées. L’une Sylvia a été célébrée comme poète à titre posthume, l’autre Assia qui n’a pas supporté l’ombre de cette rivale s’est éclipsée à son tour.

Nous n’entendons pas de pleurs dans cette tragédie. Sylvia et Assia sont toutes à leur bonheur, bonne heure, de pouvoir s’exprimer. Leur lieu de rencontre c’est Ted.

Ted, Sylvia, Assia forment un corps à trois, instrumental où l’amour se décline avec vivacité et sensualité chez Assia, avec mélancolie chez Sylvia, tandis que Ted souvent transi, subjugué, s’offre en résonance, seul instrument joué passionnément par deux femmes. Imaginons une contrebasse qui pense à travers l’archet de son musicien. Ted dispose de deux archets, il est poète, il est Orphée, Sylvia et Assia sont ses deux Eurydice.

Mise en scène de façon dépouillée et très suggestive par Marie-Christine MAZZOLA, superbement interprétée par Thibault de Montalembert,  Sarah Jane Sauvegrain  et Tatiana Spivakova, la pièce de Dorothée Zumstein résonne comme un magnifique concerto onirique où l’amour réunit les vivants et les morts tel un grand livre ouvert. « Il y a la terreur et l’élan, il y a tout » disent en chœur Ted, Sylvia et Assia . « La mort a déposé ses œufs dans la blessure ». Et ce sont des poèmes !

Paris, le 1er Avril 2017                             Evelyne Trân